Karulosu Factory

"The TV Show": un corto que se hace corto

2010-09-21T16:43:00.003+02:00

Divagando por esa casi infinita fuente de información que es YouTube, hay veces en las que podemos encontrar auténticas joyas que no podrían existir si recurrieran al mercado tradicional. La famosa página web ha ayudado mucho a que trabajos de gente anónima sean conocidos a lo largo y ancho de todo el mundo, aunque a veces no se lo merezcan.

Hoy traemos un corto de poco más de 3 minutos de duración firmado por Sugimoto Kousuke en la dirección y Manabe Takayuki como encargado de la música. Y hablo de la música del corto porque es uno de sus puntos fuertes y que, junto con las imágenes, absorben al espectador desde el primer momento.

Como hemos visto en el corto, la música rige el ritmo de toda la obra, con los personajes moviéndose siempre a su ritmo. Podemos encontrar una diferenciación entre los distintos escenarios que se presentan, cada uno de ellos dentro del anterior, singularizados por el uso de un color concreto y por el estilo del dibujo. El problema se da cuando uno de los personajes se sale de lo que podríamos considerar su escenario y comienza a aparecer en otros, mezclando los colores y convirtiéndolo todo en un auténtico caos.

La idea es muy original, y la realización demuestra que Kousuke sabe con lo que está trabajando y cómo hacer un corto animado de manera más que decente. ¿A vosotros qué os ha parecido?

La trilogía de "Toy Story" en 10 discos

2010-09-16T10:33:00.002+02:00

Todavía no nos hemos sobrepuesto al impacto artístico que produjo a todo el mundo "Toy Story 3" y ya podemos encontrar los Blu-Ray y DVD por internet. Recordemos que se trata de la película más rentable de Pixar hasta la fecha, sin contar aún los ingresos por vídeo doméstico y demás —aunque hay que tener en cuenta que las sesiones en 3D tiene un coste adicional—.

El pack que ha aparecido en Amazon se ha bautizado como The Ultimate Toy Box Collection —no confundir con The Ultimate Toy Box que salió en el 99 con las dos primeras películas de la saga— y sólo se puede reservar por ahora en la tienda digital, a un precio de 65 dólares, ya que no se pone a la venta hasta el próximo 2 de Noviembre. El precio no parece demasiado elevado si tenemos en cuenta la cantidad de cosas que viene, el diseño de la caja y, sobre todo, si no tienes ninguna de las películas de la trilogía.

Para empezar se puede ver en la imagen que la caja en sí es el baúl que tiene Andy en su habitación en las tres películas, donde guarda sus juguetes y a dónde queda relegado Woody cuando Buzz aparece en "Toy Story". Evidentemente el tamaño del baúl no es igual que el de la película.

Dentro de él encontraremos 10 discos en total. Entre ellos se encuentran el Blu-Ray, el Dvd y la copia digital de cada una de las tres películas. Esto sumaría 9 discos pero parece ser que la tercera parte constará de 4, dos de ellos Blu-Ray con una gran cantidad de extras, ya que la edición que se pretende lanzar de "Toy Story 3" en este formato consta de 4 discos.

Personalmente es una gran idea haberse trabajado tanto este pack que reúne las tres películas de una de las mejores trilogías de la historia del cine, por no decir la mejor. Seguro que numerosos fans quedarán encantados y no tendrán problemas en gastarse los 65 dólares si lo reservan ya.

Scott Pilgrim vs. The World

2010-07-16T15:02:00.005+02:00

Últimamente parece que se ha puesto de moda en Hollywood el tema de las comedias dramáticas adolescentes entre ese nuevo público consumidor llamado indies. Caracterizados por llevar Converse y por gustarles los grupos de rock cuanto más desconocidos mejor, han entrado en el mundo cinematográfico de una forma bastante importante, sobre todo en cantidad de producciones que podemos ver al año. Desde Juno (Jason Reitman, 2007) hasta Adventureland (Greg Mottola, 2009) pasando por Nick & Nora's Infinite Playlist (Petter Sollet, 2008) podemos enumerar unas cuantas películas dentro de este subgénero, todas ellas con una banda sonora bastante similar. E incluso los argumentos también se parecen bastante, lo que no quiere decir que sean malas.Otro elemento en común es su protagonista masculino: Michael Cera. Evidentemente no aparece en todas las películas, pero parece formar parte del prototipo de personaje masculino que se requiere para estas cintas: joven con pinta de indie, inocente e introvertido, e incluso respetuoso con el género opuesto.

Una nueva película que hará su aparición este año, en principio el 13 de agosto en Estados Unidos, aunque aún no sabemos cuando llegará a las pantallas españolas, será Scott Pilgrim vs. The World (suponemos que la traducción será Scott Pilgrim contra el mundo, aunque en estas cosas nunca se saben. ¿Por qué esta cinta es diferente a las anteriores? Definitivamente por el protagonista no, puesto que Michael Cera repite, sino porque aportará elementos novedosos al subgénero.
Está basado en el cómic homónimo de Bryan Lee O'Malley donde se narra la historia de amor entre un joven una chica con la que antes había soñado, pero que no creía que existiera. Hasta aquí todo normal, lo bueno viene cuando este chico, para conseguir estar con su amor platónico, debe acabar con sus 7 ex, y cuando digo acabar lo digo literalmente. A lo mejor puede parecer una trama que roza incluso el género de terror pero después de ver el tráiler quedará más claro:

Como podéis ver, la película promete mucha acción, momentazos originalísimos y sobre todo una estética innovadora donde se mezclan recursos cinematográficos con videojueguiles. Si a esto le añadimos que el director no es ni más ni menos queEdgar Wright, creador de esas genialidades llamadas Zombies Party y Hot Fuzz entre otras, las espectativas no pueden ser mayores.
Esperemos que no nos defraude y que haya mucho más aparte de lo que podemos ver en el tráiler. Y también que no tarde mucho en llegar a España.

Cartel y tráiler de Rango

2010-06-30T15:55:00.005+02:00

Qué más se puede pedir a un cartel promocional. Simple, directo, llamativo y sobre todo provoca que quieras saber más de la peli que anuncia.
Rango es la próxima película de Gore Verbinski, el responsable de esa taquillera trilogía basada en piratas caribeños y del remake americano de The Ring. En ella ha vuelto a colaborar con Johnny Depp, que presta su voz al personaje protagonista, Rango, una lagartija literalmente en medio del desierto.
Casi nada se sabe del argumento de la película, aunque por el tráiler algo de la trama se puede adivinar. Lo que está claro es que tiene muy buena pinta y la calidad de la animación por ordenador va a ser espectacular. Aquí os dejo el tráiler:

Pd: ¿No os recuerda el personaje a Hunter S. Thompson, que ya fue interpretado por el propio Depp en esa psicodélica obra maestra llamada Miedo y Asco en Las Vegas?

El Fantasma Y La Señora Muir

2010-06-28T23:00:00.004+02:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Joseph L. Mankiewicz. Intérpretes: Gene Tierney, Rex Harrison, George Sanders, Edna Best, Vanessa Brown, Anna Lee, Robert Coote, Natalie Wood. Guión: Philip Dunne. Fotografía: Charles Lang Jr. Música: Bernard Herrmann. Nacionalidad: Estados Unidos, 1947. Duración: 104 min. Género: Fantástico, Comedia Romántica.

Uno de los subgéneros más prolíficos de la historia del cine dentro de las películas de terror es el que trata sobre casas encantadas. Los fantasmas siempre han sido un elemento muy recurrente para asustar al público: algo inexplicable y fuera de nuestro control produce desde el primer momento esa sensación de inseguridad y posterior ansiedad que tanto hemos experimentado en una sala de cine. Dentro de las casas encantadas, muchos autores han querido aportar su granito de arena y tratar este tema desde distintas perspectivas.
Uno de ellos fue Jack Clayton que, en 1961, estrenó The Innocents basado en la famosa novela de Henry James Otra Vuelta de Tuerca, dando un punto de vista más psicológico basado en la complejidad de sus planos. Mucho se debatió sobre si Alejandro Amenábar tomó demasiadas referencias de esta cinta para Los Otros (2001). Dos años después, en 1963, Robert Wise realizó una de las mejores películas dentro de este subgénero: The Haunting. Basada también en una novela, esta vez en The Haunting of Hill House de Shirley Jackson, es un claro ejemplo de cómo hacer sufrir al espectador sin llegar a mostrarle nada. Su sutileza va unida a una eficacia que despierta una ansiedad en el espectador propia de la que sufren los personajes.
Sin embargo la película que nos ocupa no se parece en nada a las anteriores. Aparte de ser muy anterior (1947), no se ceba en el sentido terrorífico que han concedido los fantasmas en inumerables ejemplos. La cinta está basada en un joven viuda que decide trasladarse de la ciudad de la que vive a un pueblecito cerca del mar, para despejarse del estrés de las metrópolis y encontrar una paz que aún no ha encontrado. El primer paso de la mudanza es encontrar la casa apropiada y, como suele ocurrir en este tipo de películas, la vivienda donde se desarrollará el resto de la historia es, a priori, perfecta.
En los primeros momentos de la mudanza, Mankiewicz opta por un ritmo muy rápido en el devenir de las situaciones. En los primeros veinte minutos ya ha tenido lugar la introducción y las primeras tomas de contacto con la casa. En ellas parece que el tono de la película será tenebroso, más cercano al género de terror. Podemos adivinar por esta rapidez en el desarrollo de los acontecimientos que algo va a ocurrir de un momento ha otro y va a cambiar el registro. Y efectivamente, sobre todo con la aparición del fantasma, nos damos cuenta de que así es. El director no quiere otra película en la que las apariciones del ente sean un motivo para asustar al público: él lo utiliza como un personaje más de la trama y después de varias escenas el espectador llega a acostumbrarse a su presencia y lo tomo con un ser humano más. A esto también ayuda la magnífica interpretación que realiza Rex Harrison del difunto capitán Daniel Gregg. En seguida se produce una conexión entre él y la protagonista, interpretada por Gene Tierney, que será el núcleo central de la película.
Un aspecto muy interesante de las películas clásicas de Hollywood, especialmente las que cuentan con un sólido guión como es el caso, es que desde la situación inicial hasta la conclusión ocurren un sinfín de situaciones que no las podríamos haber imaginado al principio. Con esta película ocurre algo similar. En las primeras escenas parece que estamos ante una película de terror, posteriormente se trata de un melodrama para acabar en un drama romántico en estado puro, todo ello aderezado con contínuos toques cómicos. Esta contínua combinación de géneros podría haber sido un auténtico caos si no hubieran estado coordinados bajo una experta batuta como la de Mankiewicz. El director de Eva al Desnudo sabe perfectamente qué quiere contar y sobre todo cómo quiere contarlo. No hay momentos que sobresalgan por encima de otros ni que decaigan o hagan perder el interés: el ritmo y la linealidad son de un clasicismo tan puro que seguro puede servir de ejemplo para estudiantes de realización y de guióin.
Si a todo ello le añadimos la magnífica banda sonora firmada por Bernard Herrmann, el resultado es una de las mejores películas que nos ha dado el cine dentro de ese subgénero tan prolífico como es el de las casas encantadas, aunque la cinta no hable realmente de ellas.

Carlos Sanz

¿Daniel Day-Lewis de Moriarty?

2010-06-24T15:53:00.004+02:00

Guy Ritchie cada vez tiene más claro que quiere realizar una secuela de la exitosa Sherlock Holmes que él mismo adaptó el año pasado. Vista la gran acogida que tuvo en cuanto a público aunque un poco menos de la crítica, parece que los estudios no van a ponerle ningún impedimento.
Además, todos los que la hayan visto recordarán ese final donde el archienemigo de Holmes, o más bien su sombra, hacía su aparición para darnos a entender que habría una segunda parte y que él sería el antagonista.
Si nos centramos en los temas de la producción, Guy Ritchie parece tener claro a quién quiere para el papel de Moriarty: Daniel Day-Lewis. Antes se habían barajado otros nombres como el de Brad Pitt, aunque personalmente no creo que encajara demasiado bien en el estilo de la historia y sobre todo en el del personaje. Lewis es mucho más de mi agrado no sólo por que me parece un magnífico actor, de los mejores que hay en la actualidad, sino porque puede aportar mucho más a nivel interpretativo y estético. Especialmente interesante sería el duelo que mantendría con Robert Downey Jr, principal artífice de la nueva versión de Sherlock Holmes.
Otros nombres que se han barajado en el caso de que Lewis no acepte son los de Sean Penn, Javier Bardem o Gary Oldman. Desde luego una gran variedad de actores para el mismo papel.
Por ahora son todo rumores, lo único que está claro es que habrá una secuela y que tanto Robert Downey Jr. como Jude Law continuarán investigando extraños casos en ella.

Azur & Asmar

2010-06-23T16:22:00.003+02:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Michel Ocelot. Intérpretes: Cyril Mourali, Karim M'Riba, Hiam Abbass, Patrick Timsit, Fatma Ben Khell. Guión: Michel Ocelot. Música: Gabriel Yared. Nacionalidad: Francia, 2006. Duración: 99 min. Género: Fantástico, Animación.

Michel Ocelot se dio a conocer mundialmente en 1998, cuando estrenó Kirikú Y La Bruja. Anteriormente sus trabajos se reducían a series de televisión, un medio mucho más propicio para la animación por su variedad de temáticas y sus menores costes de producción comparados con un largometraje. Con Kirikú ya podíamos adivinar que Ocelot no estaba interesado, ni influenciado, por los dos grandes centros mundiales de animación: Estados Unidos y Japón. Su técnica es mucho más tosca, más teatral (en el sentido de la frontalidad de los personajes y de los escenarios, casi procedente de un juego de plataformas al estilo Mario) pero se subordina a un detallismo artesanal, muy metódico y elaborado.
Ocelot ha declarado que le costó 6 años realizar la película que nos ocupa, Azur & Asmar. Al ver alguno de los numerosos detalles que pueblan la película podemos entender el porqué. Las imágenes están repletas de ornamentos, elementos decorativos, paisajes exóticos y todo ello con una predilección por el color que pocos autores son capaces de conseguir. Puesto que la mayoría de la historia se desarrolla en el norte de África, Ocelot lo utiliza para plasmar todas esas elaboradísimas decoraciones geométricas de una manera magistarla.
Antes he comentado que la técnica de la animación era algo tosca comparándola con la nipona o la norteamericana. Pese a estar realizada por ordenador, su estética es muy distinta a cualquier película de animación corriente. Las únicas influencias que se pueden observar, a nivel visual, son de obras anteriores del propio Ocelot como la ya nombrada Kirikú. Ese estilo tan particular es lo que atrae directamente al espectador y su historia es lo que le lleva a continuar sentado ante la pantalla.
Hay que aclarar que el argumento tampoco destaca por su elaboración. Es una referencia directa a los clásicos cuentos infantiles donde el héroe sueña con alcanzar una meta desde niño, aunque pueda parecer algo imposible, pero que con mucho esfuerzo y superando los numerosos obstáculos, al final lo consigue. Esta historia del protagonista que consigue triunfar ante las adversidades y que al final se queda con la chica no es para nada algo novedoso. La hemos visto de todas las formas y maneras posibles y creemos que no nos podrá sorprender otra historia más. Sin embargo el director francés aporta algunas novedades que, cuanto menos, resultan muy interesantes y atractivas dentro de la narración. Una de ellas es introducir un doble héroe: la historia no gira en torno a un protagonista único, el que en principio conseguirá a la chica cuando supere todos los obstáculos. Aquí la carrera se produce entre dos hermanos, los dos con idéntico objetivo aunque sólo uno de ellos puede ser el vencedor. Esto es algo que quizá al espectador le produzca cierta incertidumbre al no saber cuál de los dos será el vencedor. Sin embargo, tal y como se desarrolla la película, también es lógico pensar que ninguno de ellos perderá.
Otro punto interesante es la dualidad que puebla toda la película. Partiendo de los dos hermanos que quieren conseguir al Hada de Djinns e incluso el propio título de la película Azur & Asmar, se narran dos historias paralelas entre lo que le ocurre a cada uno, aunque centrándose sobre todo en la odisea de Azur, que en principio pueden partir de puntos distintos pero que poco a poco va acercando sus posturas y entrecruzando sus peripecias.
En esta dualidad entre los dos hermanos, uno rico y uno pobre, sus dos culturas, sus dos países, es donde está la verdadera intención de Ocelot con esta película. Temas como el racismo, la inmigración, la marginación o el materialismo de la sociedad son constantes durante el metraje, algunas tratadas con mayor profundidad que otras. Este tipo de recursos también los utilizaba en Kirikú, ambientado en una tribu africana y en un niño que cree poder acabar con la bruja para liberar a sus semejantes. Dentro de la simplicidad de la presentación, al menos en cuento al juego de planos o a la técnica de la animación, se esconden temas complejos y muy maduros que demuestran la gran libertad que da la animación a sus autores para conseguir contar cualquier tipo de historia, tanto real como ficticia.
Michel Ocelot lo sabe y ha sabido explotarlo no sólo en esta Azur & Asmar, sino también en sus obras anteriores.

Carlos Sanz

Toy Story 3 no será el final

2010-06-22T15:38:00.003+02:00

Atención a la noticia. Parece que no es suficiente noticia que la última producción de Pixar haya llegado a las pantallas norteamericanas (en España tendremos que esperar hasta el 23 de julio) y que esté recibiendo los aplausos tanto de la crítica como del público. Algo a lo que, por otro lado, ya nos tiene acostumbrados la productora.
La última novedad que hemos podido conocer sobre la vida de los juguetes más cinematográficos es que su historia no va a terminar con esta tercera parte. Parece ser que el final de la película se puede tomar como cerrado pero que aún así sigue dejando algunos hilos sin concluir. Lo más interesanete es que en una entrevista a su director, Lee Unkrich, no van a realizar más largometrajes sobre Toy Story pero lo que sí van a hacer es un cortometraje.

¿Y dónde vamos a poder ver ese corto? Os preguntaréis. Eso es lo más sorprendente de todo: parece ser que se proyectará durante todas las sesiones antes de la siguiente película del estudio, Cars 2. Es decir, que lo usarán como cortos anteriores a sus películas como Abducido, Presto o Partly Cloudy.
Algunos pensarán que Pixar se está pasando con esto de las secuelas y que están tirando de material antiguo para sus películas. A mi personalmente no me importa el tema que utilicen mientras sigan manteniendo el nivel de sus producciones. Seguro que Pixar no nos defraudará.

Historia de la animación (II)

2010-06-03T15:33:00.002+02:00

Tras una serie de obras destacables como el cortometraje de Winsor McCay Gertie, The dinosaur (1914), donde se combinaban planos animados del animal con imágenes reales de su domador, aparece en 1917 el que está considerado el primer largometraje animado de la Historia. Realizado por el ítalo-argentino Quirino Cristiani, tenía una duración de 60 minutos que representaban una sátira política centrada en el por entonces presidente de Argentina, Hipólito Yrigoyen, titulada irónicamente El Apóstol. Sin embargo no queda ninguna copia completa del largo ya que se perdió casi todo en un incendio y el resto se utilizó como reciclado del celuloide para la fabricación de peines. Apenas se pueden encontrar algunas imágenes.
La primera película de animación que se conserva enteramente es muy posterior, de 1926. Lotte Reiniger realizó durante tres años en su Alemania natal Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Las Aventuras del Príncipe Achmed). Más cercana al stop motion, utiliza figuras de papel negras para crear a los personajes y los superpone sobre fondos de colores que representan los distintos escenarios. Su duración es de unos 65 minutos y narra la odisea del príncipe Achmed en su intento de rescatar a su hermana secuestrada y también a la mujer a la que ama.

En 1928 aparece la primera obra con sonido sincronizado, ni más ni menos que uno de los hitos de la Historia de la animación: Mickey Mouse. Ya desde 1919 podemos encontrar ejemplos de cortos animados con sonido, como en las Silly Symphonies de Disney. Sin embargo no es hasta 9 años después cuando Ub Iwerks presenta en el Colony Theatre de Nueva York al famoso ratón silbando mientras navega con su barco, otro de los hechos capitales dentro del cine de animación.

En los años posteriores, el cine de animación fue perfeccionando estas primeras técnicas a las que se añadían narraciones más complejas, obras de mayor duración y otros avances como el uso del rotoscopio, inventado por Max Fleischer en 1915 y utilizado por él y su hermano Dave en sus cortos a principios del siglo XX. Este aparato utilizaba proyecciones de imágenes reales que eran calcadas por el animador para conseguir unos movimientos totalmente naturales, como se puede observar en Snow White and the Seven Dwarfs (David Hand, 1937).
Tras varias décadas en las que se fue innovando cada vez más el campo de la animación, los aparatos digitales marcaron una revolución en la forma de crear estas obras y sobre todo en la manera en que el espectador disfrutaba de ellas. Los primeros ejemplos del uso de ordenadores para realizar películas animadas se remontan a los años 60, cuando la productora norteamericana Hanna & Barbera comenzó a experimentar con el uso de estas máquinas para aplicar los colores a los distintos fotogramas. De esta manera se ahorraba mucho tiempo y dinero pero se perdía ese aire artesanal de antaño.
No es hasta 1981 cuando el húngaro John Halas realiza Dilemma, el primer corto realizado enteramente por ordenador. Tras él surgiría el estudio de animación norteamericano Pixar, el mayor exponente en animación por ordenador. Ellos fueron los que crearon el primer largometraje realizado enteramente con esta técnica: Toy Story (John Lasseter, 1995).
En los años posteriores no se ha dejado de innovar dentro de este ámbito. Así nos podemos encontrar con ejemplos como Polar Express (Robert Zemeckis, 2004) donde aparte de utilizar ordenadores, se usaba la técnica del motion capture (captura de movimientos de seres humanos digitalizados para crear los personajes de ficción).

Historia de la animación (I)

2010-05-31T16:51:00.003+02:00

Si entendemos como animación el procedimiento de diseñar los movimientos de los personajes o de los objetos y elementos, los primeros ejemplos que nos hemos encontrado a lo largo de la Historia se remontan unos años antes a las primeras obras de los hermanos Lumiére en 1985.
A finales del siglo XVIII un afamado mago belga llamado Étienne-Gaspard Robert, muy popular por lograr apariciones demoníacas y angelicales en sus shows, patentó el fantascopio en 1799. Se trataba de una linterna mágica con unos obturadores más desarrollados para conseguir una sensación de movimiento más natural, y aunque en principio fue utilizada para mostrar ilusiones animadas durante sus espectáculos, lo que sí podemos destacar es que sentó las bases de lo que serían los posteriores proyectores de animación.
Tras él, estos aparatos fueron perfeccionándose, con ejemplos como el fenaquitoscopio de Joseph-Antonine Plateau en 1892, que conseguía mostrar un movimiento mucho más natural de los cuerpos. Se trataba de un disco circular en el que estaban dibujados los distintos planos de un hombre o una animal realizando una acción. Al girarlo a cierta velocidad de forma constante, el espectador recibía la información visual de un cuerpo en movimiento. Sin embargo el aparato de Plateau no emitía una proyección de imágenes, sino que el observador debía mirar directamente el disco mientras giraba, por lo que la recepción sólo podía ser individual.
A partir de 1892, con los inventos de Émile Reynaud, los orígenes de la animación y del propio cine se difuminan, puesto que la cinematografía básicamente son imágenes en movimiento. Reynaud inventó el praxinoscopio: una variación del zoótropo creado en 1834 por William George Horner. Ésta consistía en una pequeña rueda en cuyo interior se colocaban los dibujos y, al hacerla girar, el observador podía percibir la sensación de movimiento. La única novedad que introdujo Reynaud al invento de Horner fue colocar en el centro de la rueda una serie de espejos, que proyectaban la imagen hacia el espectador. Este sería uno de los primeros pasos en la proyección que posteriormente se perfeccionó con el cinematógrafo.
Antes decía que las barreras entre la animación de dibujos animados que se daba originalmente y el cine como tal se difuminaban porque Reynaud comenzó a utilizar fotografías en su praxinoscopio. Así se podía observar la imagen real de un caballo galopando o un hombre caminando.
El gran paso de diferenciación entre estos dos tipos de proyecciones, que en origen estuvieron muy relacionados, se produjo a principios del siglo XX. En el año 1906, James Stuart Blackton realizó el primer cortometraje de dibujos animados de la Historia tal y como hoy lo conocemos: Humorous Phases of Funny Faces.

Lo que caracterizó esta obra fue que Blackton no se centró en inventar un nuevo aparato para que una sola persona disfrutara de la animación: él fotografió distintos momentos mientras dibujaba, que al proyectarse con un cinematógrafo sobre una pantalla a una velocidad constante consiguiera dar la sensación de movimiento y además ser admirada por un grupo numeroso de gente simultáneamente. El material que utilizó para realizar estos dibujos no fue el papel y lápiz que comúnmente se usa en la actualidad, las imágenes que se muestran están realizadas con tiza en un panel de pizarra. Incluso en algunos planos se pueden apreciar algunas zonas más blanquecinas producto de haber borrado dibujos anteriores.
Dos años después del cortometraje de Blackton, el caricaturista francés Émile Cohl realizó su famosa obra Fantasmagorie, considerada por muchos como la primera obra de animación de la Historia.

También utilizó como materiales la pizarra y la tiza, al igual que Blackton. Sin embargo lo que diferenció estas dos obras fue que la de Cohl mostraba cierta narración en algunas de sus partes, consiguiendo una continuidad, muy simple todavía, que dota a la historia de cierto sentido. Blackton se centró más en conseguir encadenar distintos dibujos para dotarles de movimiento durante una proyección, sin embargo Émile Cohl buscó ir más allá y consiguió crear una pequeña historia basada en las transformaciones de sus personajes.
Tras estos dos pioneros del cine de animación, fueron muchos los animadores que se interesaron por esta gran rama que el cine les brindaba, de la que imaginaban unos posibilidades tanto narrativas como visuales que el cine de imagen real no les podía facilitar.
Hasta aquí la primera parte del artículo. En la segunda hablaremos de loss primeros largometrajes, del color y del sonido sincronizado.

El Joker (II)

2010-04-30T11:30:00.004+02:00

Videojuegos
Continuamos con el breve estudio sobre el personaje del Joker en el mundo audiovisual, desde sus orígenes en el cómic hasta su adaptación a otros medios. Ahora es el turno de analizar sus apariciones dentro del mundo de los videojuegos.
La primera aparición del villano en una videoconsola fue muy posterior a 1940 y su debut en los cómics. Hasta 1989, gracias al estreno de la película Batman: The Movie de Tim Burton, no podemos ver al Joker en la pequeña pantalla. Gracias al film, surgieron una serie de subproductos relacionados, desde muñecos articulados hasta el videojuego para los ordenadores Amstrad CPC, Amstrad PCW, Sinclair ZX Spectrum y MSX. El juego contaba con 5 fases principalmente, alternando las plataformas con los niveles de conducción (del Batmóvil y el Batjet). El final estaba directamente tomado de la película, puesto que rerpresentaba el enfrentamiento entre Batman y el Joker en lo alto del campanario.
Posteriormente surgieron más juegos donde el villano hacía su aparición, pero me quiero centrar en el más reciente de todos, que apareció en 2009 para la Playstation 3, Xbox 360 y PC: Batman: Arkham Asylum. Al inicio del juego podemos observar que Batman ha capturado a su antagonista y le lleva en su Batmóvil para que le encierren en el asilo de Arkham, de donde se había escapado. Parece ser que el Joker se había dejado capturar muy fácilmente, especialmente tratándose de un villano tan inteligente, pero lo importante es que está bajo la custodia del Hombre Murciélago y que va a ser encarcelado. Sin embargo cuando llegan a Arkham algo sale mal: el Joker es liberado ante la impotencia de Batman y desaparece en lo más profundo de la cárcel mientras abre todas las celdas y genera un caos en toda la institución. Cabe recordar que allí se encuentran prácticamente todos los villanos que Batman ha capturado a lo largo de toda su vida. La parte positiva es que Arkham está en una isla, por lo que los presos no pueden salir de allí.
La trama del juego está escrita por Paul Dini, que principalmente trabaja guionizando cómics. Desde el inicio Batman debe abrirse paso por toda la isla y por los distintos pabellones de Arkham, enfrentándose a toda clase de enemigos, para llegar al Joker y acabar con su juego. Porque para él todo ese caos y muertes es un juego. A lo largo de la historia, el villano aparece en distintos monitores para hacer comentarios al superhéroe, ya sea para referirse a sus planes o para hacer bromas sobre la situación en la que se encuentran. En estos momentos es donde el jugador puede adivinar las intenciones del Joker, puesto que en ningún momento nos separamos de Batman y de sus acciones.

Aquí el Joker aparece como un ser desequilibrado mentalmente pero muy lúcido, extremandamente inteligente cuando idea sus planes y más aún cuando los tiene que llevar a cabo. Dentro del caos que reina en la isla, y teniendo en cuenta la cantidad de presos que ha liberado y que campan a sus anchas por todo el terreno, el Joker idea una ruta que obliga a Batman a seguir sus directrices si quiere alcanzarle.
Pues que el jugador está en todo momento al lado de Batman, "sufriendo" por las pruebas que el Joker le obliga a realizar y compartiendo sus emociones, inmediatamente recibe la idea que quiere transmitir el juego de que el enemigo es realmente peligroso y que puede ser capaz de todo por conseguir sus metas. Sin embargo no nos muestra que tenga un objetivo claro puesto que, como decía al principio, su única intención es tomárselo todo a broma y hacer de la vida y del sufrimiento un juego.
Al igual que en el cómic de Moore, el guionista hace hincapié en mostrar a Batman y al Joker como las dos caras de la misma moneda, describiéndolos como dos personajes que tienen más cosas en común de lo que creen. En cuanto a esto, son especialmente esclarecedoras las declaraciones que hace el criminal al Hombre Murciélago al final del juego: “El adiós es una pena dulce, querido. No puedes decir que no te divertiste. Disfruta tu vida afuera. Y no lo olvides… Si todo se complica, aquí en el asilo siempre habrá un lugar para ti…”

Cine
Hasta los años 60 no nos encontramos con ejemplos de la adaptación del cómic de Bob Kane a la pequeña y la gran pantalla, concretamente hasta 1966. En ese año se realizó la archiconocida serie de televisión de imagen real protagonizada por Adam West como Batman, mientras que el Joker era interpretado por César Romero. Debido al enorme éxito que alcanzó la serie, ese mismo año se realizó la adaptación al cine, con los mismos protagonistas que en el show televisivo.
Tras ese ejemplo tenemos que esperar hasta el año 89 para volver a presenciar las fechorías del Joker en la gran pantalla. Esta vez se dan en la película de Tim Burton, con Jack Nicholson como el villano. Era uno de los pocos actores que mejor podía representar al Joker, puesto que si excentricidad en la vida real era muy similar a la del personaje. Y qué decir de la sonrisa de Nicholson, que apenas requirió maquillaje para conseguir esa enorma boca de la que siempre ha hecho gala el Joker.
Sin embargo prefiero centrarme en el personaje que interpretó el desaparecido Heath Ledger en la, hasta la fecha, última película sobre el Hombre Murciélago: El Caballero Oscuro (Christopher Nolan, 2008). Puesto que este pretende ser un artículo sobre el Joker y su aparición a lo largo de la historia en distintos medios, prefiero dejar a un lado el análisis de la cinta en sí, por otro lado una de las mejores (por no decir la mejor) películas de superhéroes. Tampoco pretendo hacer demasiadas referencias a la gran actuación que realizó Ledger y que le valió el Oscar póstumo, sino más bien intentaré centrarme en a concepción que tuvieron los guionistas sobre el Joker y las novedades que introdujeron en un personaje ya de por si bastante completo y complejo.
En la primera escena, donde el Joker idea un intrincado plan para robar el dinero del banco de la mafia, ya podemos adivinar con qué clase de villano se va a enfrentar el héroe: inteligente, exhaustivo y cruel. Además demuestra que no tiene miedo a nada ni a nadie puesto que es capaz de enfrentarse él solo a toda la mafie y salir victorioso. Esto también puede ser porque sus objetivos son distintos a los de cualquier otro villano: no pretende poder ni dinero (acaba quemando la gran fortuna que le habían prometido) sino que sólo desea instaurar el caos absoluto, eliminar las reglas y que el resto de los mortales vean el mundo tal y como él lo ve. Sin embargo esas leyes son precisamente las que le convierten en lo que es, puesto que si viviera en un mundo sin normal, en una anarquía total, su existencia no tendría sentido. Esto esta directamente conectado con lo que Moore trata en su cómic de La Broma Asesina, basando la relación de odio que existe entre el Joker y Batman en la razón de ser de los dos, necesitando a su contrario para poder argumentar sus acciones.

La película de Nolan también tiene elementos que se relacionan con el videojuego de Arkham Asylum. Como he comentado, el videojuego comienza con el arresto del Joker para su traslado a la penitenciaría, algo que parece estar fuera del control del villano pero que posteriormente descubrimos que era parte de su intrincado plan. En la película también nos encontramos con esto: tras una persecución por la ciudad de Gotham, el Joker es detenido y encarcelado. Sin embargo eso es algo que ya tenía planeado él de antemano: gracias a lo cual consigue introducir a Batman en su juego del ratón y el gato para decidir si debe salvar a su amiga de la infancia o al fiscal Harvey Dent (posterior Dos Caras). En la sala de interrogatorio, con Batman intentando sonsacarle la información al Joker a golpes, se produce una de las escenas más significativas que puedan existir de estos dos personajes muy similar al final del cómic de Moore. En ella el villano le expone la realidad: ellos dos no son tan diferentes puesto que ambos siguen se rinden a la idea de que el fin justifica los medios. Es evidente que cada uno tiene un objetivo muy distinto al de su contrario, pero los métodos que utilizan para conseguirlo son más similares de lo que parece.

¿Por qué el Joker es tan especial?¿Qué tiene de singular para que se le haya encumbrado al olimpo de los mejores villanos de la historia? Creo que la respuesta es su locura: todo ser humano tiene una parte que intenta liberarse de las ataduras sociales para actuar sin pudor, para conseguir la libertad absoluta. Sin embargo tenemos que acatar las reglas y las leyes para que el mundo no se convierta en un caos. El Joker libera ese subconsciente para actuar libremente pero siempre con una gran inteligencia, con un objetivo claro. No es el caos absoluto, sino una enorme inteligencia al servicio del caos. Eso es lo que le hace peligroso: no tiene miedo a nada ni a nadie, hace lo que quiere porque no se toma nada en serio y está convencido de que todo es una broma. Esa locura es lo que le ha caracterizado por encima de cualquier otro villano del mundo de los cómics y de cualquier otro medio.
Además se ha creado un vínculo tan estrecho entre Batman y él, de dependencia mútua, que los hace imposibles de separar. El final del duelo entre los dos no puede ser que uno de ellos muera, que en principio debería ser el malo, puesto que si uno desaparece el otro también lo hará. Como le dice el Joker a Batman en la sala de interrogatorio durante la película de Nolan: "Yo no quiero matarte, ¿Qué haría sin ti? No, tú me completas".

El Joker (I)

2010-04-28T13:26:00.004+02:00

Hace un tiempo se hizo una encuesta a numerosos fans de Bola de Dragón para averiguar cuál era su personaje favorito de la saga. Sorprendentemente el número 1 no fue Goku ni su hijo Gohan: el personaje que más gustaba a la gente era Vegeta. Un dato que no mucha gente se podría esperar ¿Por qué los fans prefierieron al antagonista antes que al protagonista absoluto de la historia?¿Tiene esto que ver con la empatía que puede experimentar el lado malvado intrínseco de cualquier persona con la abierta maldad del personaje?¿O también puede venir dado por la mayor complejidad psicológica de la que los autores dotan a los antagonistas? Muchos y diversos pueden ser los motivos que llevaron a los fans a votar a Vegeta, seguro que algunos de ellos con razones de peso. Sin embargo aquí me voy a centrar en el análisis de uno de los personajes más malvados que han surgido en el siglo XX, con sus inicios en el cómic para su posterior adaptación al cine o a los videojuegos. En cada uno de los apartados podremos observar cómo se ha desarrollado el personaje y por qué se ha convertido en un icono a la altura de su némesis Batman. Sólo voy a enumerar algunos ejemplos en cada uno de los apartados puesto que existen numerosas referencias e innumerables apariciones del Joker, especialmente en novelas gráficas y en películas.

Cómics
El Joker apareció por primera vez en el Nº 1 de Batman, a principios de 1940. El Hombre Murciélago ya había hecho su aparición en el cómic un año antes, concretamente en el Nº 27 (mayo de 1939) de Detective Comics, con la intención de repetir el éxito que consiguió la editora National Periodical Publications (posteriormente DC Comics) con Superman, un año antes. Mientras que el hombre de acero representaba la pureza, la verdad y las buenas intenciones, Batman surgió con una idea más siniestra, del superhéroe que se mueve por los deseos de venganza más que por establecer el bien.
Si el protagonista de la historia también tenía algo de mezquino, el antagonista debía ser los mismo pero multiplicado por mil. Mientras que la creación del Hombre Murciélago se debe al mítico Bob Kane, el concepto inicial del Joker pertenece a uno de sus habituales durante los primeros años: Jerry Robinson (que también creó a Robin). La estética del Joker fue tomada del actor Conrad Veidt en la película muda El Hombre que ríe (Paul Leni, 1928).Las primeras apariciones del Joker nos mostraban un villano en el más puro sentido de la palabra: poseedor de una superior inteligencia que pone al servicio de la maldad para realizar sus meticulosos planes, tanto de robos, secuestros o asesinatos. Quizá lo que le hacía más temible es que su locura no le permitía diferenciar los diferentes bandos: él no forma parte de un grupo para llevar a cabo sus planes, utiliza a los demás sin importarle que en algún momento tenga que asesinar a sus secuaces para conseguir lo que quiere. Está solo, pero a la vez esa soledad es lo que le hace tan temible, sobre todo porque no tiene puntos débiles. Su gran inteligencia le permite concebir unos intrincados planes que ni el mismo Batman puede llegar a imaginar para poder adelantarse a sus movimientos.
En 1988, el gran Alan Moore realizó una pequeña historia centrada especialmente en Batman y el Joker llamada Batman: The Killing Joke (La Broma Asesina en castellano). Escrita por Moore, dibujada por Brian Bolland y coloreada por John Higgins, el cómic nos habla de los supuestos orígenes del Joker desde el punto de vista del guionista. En ellos habla de un padre de familia fracasado como comediante que piensa en cometer un delito para saldar sus cuentas y conseguir una vida mejor para su mujer embarazada. Sin embargo la misma noche en la que va a dar el golpe con sus secuaces su mujer fallece en un accidente doméstico a lo que se uno que durante el robo en una planta química es perseguido por Batman y cae en un tanque con residuos tóxicos, que le desfigura el rostro y le vuelve completamente loco. Aparte de la historia en sí, el cómic es realmente esclarecedor en cuanto a la psicología del Joker, puesto que en principio aparece como un hombre responsable que quiere lo mejor para su familia pero que debe afrontar cómo su mundo cambia radicalmente en pocas horas, lo que innevitablemente le traumatiza y le convierte en lo que posteriormente es.

Esa primera parte introductoria de su vida convive con la "actual": ya convertido en un paradigma del crimen y de la maldad que debe luchar para sobrevivir no sólo contra Batman, si no contra sí mismo y sus propios temores. Su teoría es que no hay que tomarse las cosas tan en serio puesto que al fin y al cabo uno no puede controlar todos los factores de su propia vida, así que todo es una comedia y hay que reir hasta en los peores momentos. La historia también es interesante porque expone la locura que hay tanto en el Joker como en el propio Batman. Reflexiona sobre la relación de odio que existe entre los dos pese a ser unos perfectos desconocidos el uno para el otro: "¿Cómo pueden odiarse tanto dos personas sin conocerse? afirma Bruce Wayne en una viñeta.
El final, tras una lucha entre Batman y su antagonista, es una reflexión sobre la relación que los une, el odio mutuo pero también la necesidad de que exista su contrario y así poder tener argumentos para justificar sus acciones, tanto las de uno como las del otro. No pueden existir si no existe su contrario, no existiría el bien sin el mal, ni viceversa.

Hasta aquí la primera parte de la importancia del Joker como villano y su aparición en distintos medios. En la siguiente entrega continuaremos con su interpretación dentro de los videojuegos y del cine.

Alicia en el País de las Maravillas

2010-04-16T16:41:00.004+02:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Tim Burton. Intérpretes: Mia Wasikowska, Michael Sheen, Johnny Depp, Christopher Lee, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter. Guión: Linda Woolverton, basado en la novela de Lewis Carroll. Fotografía: Dariusz Wolski. Música: Danny Elfman. Nacionalidad: Estados Unidos, 2010. Duración: 108 min. Género: Fantástico.

Recuerdo que durante mucho tiempo, el público en general pensaba que esa gran película de 1993 llamada Pesadilla Antes de Navidad fue realizada por Tim Burton, cuando éste sólo aportó la historia y los personajes, aparte de encargarse de la producción. ¿Por qué gran parte de los espectadores que la vieron en el cine, o posteriormente en distintos formatos de cine en casa, continuaron con la idea equivocada de que Burton estaba detrás de todo el proyecto? Es posible que el marketing que acompañó la promoción fuese uno de los culpables, puesto que el título de la película siempre iba acompañado de la coletilla "de Tim Burton", puesto que su carrera estaba más asentada que la del verdadero director, Henry Selick. O lo más probable es que cualquier espectador inmediatamente relacionara el estilo tan característico de Burton con el que se puede observar durante toda la película, concluyendo inevitablemente en que fue éste quien la había dirigido.
Ese estilo tan singular, que ha destacado a Burton por encima de otros directores de su generación y que, según las malas lenguas, fue el motivo de que le expulsaran como animador de la Disney, ya se adivinaba desde sus primeros cortos como el mítico Frankenweenie (1984) o en posteriores largometrajes como Beetlejuice (1988) y Eduardo Manostijeras (1990). ¿Qué ocurre cuando vemos su última producción basada en las novelas de Lewis Carroll? Ocurre exáctamente lo contrario que con Pesadilla Antes de Navidad: sabemos que Burton es el director por los créditos, no porque su estilo impregne la película. Esto no quiere decir que cualquier otro realizador podría haber firmado esta cinta: la imaginación que rebosa, los diseños de los personajes y de los escenarios concebidos de esa manera tan singular sólo están al alcance de muy pocos, y uno de ellos es Tim Burton. Sin embargo se echa un poco de menos esas atmóferas deprimentes, esos mundos bizarros con los que nos inundó en sus anteriores películas, por lo que el espectador termina con la sensación de que pudo haber sido algo más. Parece como si Burton hubiera tomado como punto de partida la cinta de Disney del 51 en vez de comenzar desde cero con las novelas de Carroll. El aire infantil y la influencia de la productora se aprecian durante todo el metraje, especialmente porque supone el extremo opuesto al estilo del director, por lo tanto el producto final es un punto intermedio entre los dos que no satisfará a los que esperen una nueva dosis de la estética Burton.
La cinta se desarrolla 13 años después de la antigua versión de Disney. Ahora Alicia es una mujer adulta que debe pensar en cosas serias y en entrar en el juego de la alta sociedad a la que pertenece. Ya no puede estar fantaseando como cuando era una niña, por lo que los problemas que nos presenta esta vez son mucho más reales. Este nuevo enfoque, puesto que las dos novelas de Carroll ocurren cuando Alicia es una niña pequeña, sí que es un elemento original para la historia. El trato que supone que la protagonista sea adulta hace que el destinatario final del film sea un público acorde a su edad, pese a que los niños pequeños también la disfrutarán. Este es sin duda uno de los elementos que ha reinterpretado Burton a su manera y que hay que destacar, puesto que dota de otra dimensión a la historia en general: Alicia ya no es una niña que disfruta con su viaje al país de las maravillas, que quiere quedarse allí porque se siente más identificada con los locos habitantes que la pueblan. Por el contrario sus sentimientos están más asentados en la vida que quiere vivir en el mundo real, al que tampoco encaja: demasiado niña para el mundo superior pero demasiado adulta para el submundo. La comparación entre esta Alicia y la de Disney es inevitable, especialmente porque Burton no tiene ningún reparo en tomar elementos de su predecesora para añadirlos a su obra, así como adaptar escenas que aparecían en la película animada del 51 para rodarlas en acción real. A partir de ella es donde comienza su trabajo.
Esta película también supone la primera película de Burton que se sube al carro del 3D. Es probable que el director abdicase más por presiones de la productora que por interés personal, puesto que en la película tampoco se aprecia un trabajo demasiado complejo de esta tecnología. Aparte de un par de escenas evidentes y unos planos realizados para que el espectador se sobresalte, el resto de trabajo de profundidad y relieve es prácticamente nulo, o al menos desaprovechado. Además la calidad de imagen es mucho menor, que en algunos casos de escenas oscuras no se llegaban a distinguir lo elementos que aparecían en pantalla y casi te obligaba a quitarte las gafas para poder observarlos.
Pese a todo esto, Burton vuelve a firmar un gran trabajo. Aunque sigue contando con sus actores fetiches: Johnny "Sombrerero Loco" Depp y Helena "Reina Roja" Bonham Carter, esta cinta no será una de las más destacadas de su filmografía, al menos de momento. Se quedará en otro ejemplo más de la enorme imaginación que alberga la mente de Burton y que gracias a un asombroso trabajo por ordenador ha conseguido plasmar en la pantalla. En este caso la madriguera del conejo no es la puerta de entrada al país de las maravillas, sino a la singular mente del director.

Carlos Sanz

Tráiler de Kick-Ass

2010-03-09T15:08:00.003+01:00

Por fin podemos ver el primer tráiler en castellano de Kick-Ass, la adaptación del cómic homónimo de Mark Millar y John Romita Jr. Además de poder apreciar el primer teaser en nuestro idioma, también veremos el título que tendra la película en nuestro país: Kick-Ass: Listo para Machacar. Para variar una traducción de los más penosa aunque al menos ha mantenido, en parte, el nombre del original.
Kick-Ass trata de uno adolescente normal y corriente, aficionado a los cómics y a los videojuegos como cualquier otro chico de su edad, que un día se hace esta pregunta ¿Por qué no pueden existir realmente los superhéroes? Así que decide conventirse en uno de ellos. Como se puede suponer, los comienzos no son nada prometedores aunque poco a poco se da cuenta de que la gente le apoya, le reconoce por la calle e incluso se convierte en todo un fenómeno mediático, todo ello desde un punto de vista muy natural y realista que dota de gran originalidad al cómic. Esperemos que la película no intente conventirlo en otro producto palomitero más.
Por ahora os dejo con el tráiler en castellano. No he quedado demasiado contento con él, puesto que no muestra imágenes de la película, así que a continuación dejo otro en inglés dónde sí se pueden ver escenas del film.

Precious

2010-02-21T15:42:00.003+01:00

CALIFICACIÓN: ***

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Lee Daniels. Intérpretes: Gabourey Sidibe, Paula Patton, Mo'Nique, Mariah Carey, Sherri Shepherd, Lenny Kravitz. Guión: Geoffrey Fletche, basado en la novela de Sapphire. Fotografía: Andrew Dunn. Música: Varios. Nacionalidad: Estados Unidos, 2009. Duración: 105 min. Género: Drama.

¿Por qué un espectador normal pagaría dinero para sufrir, o al menos para ver a otra persona sufrir?¿Acaso nos gusta el morbo de apreciar cómo otros lo pasan mal?¿O simplemente es que nos consolamos al pensar que otros se encuentran en peor situación que la nuestra? Desde luego el que vaya a ver Precious va a sentirse mal y no lo digo porque la película en si misma sea deficiente, que no es el caso, sino porque la protagonista vive unas experiencias que no se las desearíamos ni a nuestro peor enemigo. Precious es el paradigma más evidente de persona rechazada por la sociedad: afroamericana con obesidad mórbida que vive en uno de los barrios más pobres de Nueva York deseando una vida que no puede llevar a no ser que tome medidas radicales. Además ha sufrido abusos físicos por parte de su padre y contínuos abusos psicológicos por parte de la madre. Su vida no puede ser más negativa: las violaciones del padre la han provocado dos embarazos, y todo ello con tan sólo 16 años.
La crudeza de la película es un elemento que impera durante todo el metraje, con contínuos obstáculos que se presentan en el camino de la protagonista. No quiero entrar a valorar la novela en la que se basa, que no he leído pero que parece ser mucho más dura que la cinta de Daniels. A pesar de ello el filme nos expone desde el primer momento la lucha diaria que vive Precious para continuar con su vida y para llevar una existencia lo más normal posible. Esta crueldad y ensañamiento con el personaje principal recuerda a otro largometraje anterior, Princess (Anders Morgenthaler, 2006), donde una niña pequeña que siempre ha vivido su corta existencia con su madre prostituta ya ha asimilado los abusos sexuales como algo normal en su vida. Sin embargo en Precious no se llega a ese extremo: ella es consciente de que la vida que lleva no es la de una persona normal, tiene sueños y metas en la vida pero también tiene demasiado miedo como para enfrentarse a sus problemas. Además, pese a los vanos intentos de nuestra heroína en resolver sus conflictos y encontrar una solución a sus problemas, los obstáculos no dejan de sucederse en lo que se convierte una monotonía narrativa, prácticamente sin dejar lugar a la sorpresa ya que el espectador acaba pensando que si algo puede irla mal, la irá peor. Es por esto que en las primeras escenas, donde el espectador ya puede entender que la cinta no va a ser nada alegre, todavía impactan por la crudeza de su exposición, pero en el resto del metraje no va más allá, ya sea porque no lo intenta o porque la historia tampoco se lo permite. También está claro que desde el comienzo sólo pueden existir dos finales posibles, por lo que no deja demasiado lugar a la sorpresa.
Pese a que no hay un trabajo narrativo demasiado trabajado, si podemos encontrar unos personajes más elaborados, aunque el guión tampoco explota todas las posibilidades que le ofrece la historia. Puesto que todo el argumento gira en torno a Precious, ella sí que está perfectamente delimitada, con una psicología compleja puesto que se ha visto obligada a vivir situaciones nada agradables y porque contínuamente está sufriendo los descalificativos de su madre. Gabourey Sidibe realiza un papel más que digno, especialmente para una debutante, y sobre todo porque no era nada fácil interpretar a un personaje así. Sin embargo, en el duelo que se da entre ella y su madre, claramente sale victoriosa su progenitora, interpretada por Mo'Nique. Ellas dos realizan los papeles más complejos de la cinta y los únicos verdaderamente trabajados, porque el resto no dejan de ser meros estereotipos que no interfieren significativamente en la situación de Precious. Está claro que algunos de ellos la ayudan a tomar decisiones o la acompañan en sus momentos más bajos, pero eso no quiere decir que gracias a ese personaje el camino que recorre la protagonista sea distinto al que habría vivido sin ellos.
Mo'Nique realiza un papel realmente bueno, sobre todo porque no interpreta a un personaje con el que el espectador se pueda indentificar (aunque habrá gente que lo haga) o que despierte la simpatía del público, sino todo lo contrario: desde el primer momento en el que aparece nos podemos dar cuenta de que la penosa situación en la que se encuentra Precious es debida, principalmente, a la madre y a su pasividad ante los abusos del padre, a los que posteriormente se une. El monólogo final de la madre, donde narra los primeros abusos que realizó su marido a la niña, delante de la propia Precious y de la asistente social intepretada por Mariah Carey, no puede dejar indiferente a nadie. Y no es sólo por lo bien que lo hace la actriz, sino por los hechos que cuenta y los cambios emocionales que sufre durante la narración. Es una escena que pone los pelos de punta a cualquiera.
En cuanto al director, nos muestra cómo la protagonista ha llegado a convivir con sus miedos y cómo consigue evadirse de la realidad para conseguir unos momentos de paz que la permiten evitar la locura. En la novela no aparecen estas situaciones que nos introducen en la mente de Precious, con ellas el director intenta hacernos más llevadera esa vida tan pesimista y llena de obstáculos de la protagonista, para que el espectador no salga deprimido de la sala. A esto también ayuda significativamente el mensaje tan positivo que desprende la película, especialmente con su final.
Pese a las numerosas adversidades que sufre Precious, de las que parece que nunca se va a poder recuperar, ella nunca tira la toalla y continúa luchando por sus sueños y por cumplir las metas que se propone. Desde luego el espectador vivirá con ella sus malas experiencias y sufrirá al igual que la protagonista, pero esa mentalidad optimista que tiene también nos influye y nos hará plantearnos que si ella puede, cualquiera puede.

Carlos Sanz

An Education

2010-02-20T14:11:00.005+01:00

CALIFICACIÓN: *****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Lone Scherfig. Intérpretes: Carey Mulligan, Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Dominic Cooper, Rosamund Pike, Olivia Williams, Emma Thompson. Guión: Nick Hornby, basado en la novela de Lynn Barber. Fotografía: John de Borman. Música: Paul Englishby. Nacionalidad: Reino Unido, 2009. Duración: 95 min. Género: Drama.

Hay veces que empezamos a ver una película sin demasiadas espectativas, simplemente porque la hemos oído nombrar, porque alguien nos dijo que no estaba mal o, como es el caso, porque aparece en las nominaciones al Oscar a mejor película. Tampoco quiero entrar en el hecho de que todas las cintas que aparecen en esta categoría se lo merezca, algo que es evidente que no. Sin embargo, como también es evidente, algunas sí que están ahí por una razón.
El motivo de que An Education se encuentra entre las mejores del año es porque se trata de una película completa: magistral guión, muy buenos personajes, geniales interpretaciones, y una realización extremadamente minuciosa, por no hablar de la cuidada fotografía. Puede parecer en un principio que la historia ya la hemos visto: una joven que vive para estudiar porque su colegio y su conservadora familia la obligan a ello, aunque ella tiene unas ambiciones mucho mayores. Así conoce a un hombre adulto que la da todo lo que ella desea, todo lo que no la puede dar nadie más y con el que puede cumplir sus deseos, con lo que abandona su anterior vida para dedicarse a la nueva. Por supuesto la película no se queda ahí, hay mucha más historia y mucho más compleja que no voy a contar en este escrito para no destripar nada de la trama.
La actriz de 24 años Carey Mulligan, que ya pudimos ver en Orgullo y Prejuicio (Joe Wright, 2005), es la protagonista absoluta de la cinta. Todo lo que ocurre gira en torno a ella: los secundarios, tanto familia, amigos y el colegio, se subordinan a las experiencias que vive la inteligentísima Jenny y a sus altibajos. El arco de transformación que vive a lo largo de la película, por la gran variedad de situaciones que experimenta, también es un punto muy a tener en cuenta del guión, puesto que no se limita a los aspectos más superficiales de su psicología sino que bucea en los sentimientos más profundos de Jenny para conseguir una historia más compleja. Pese a su juventud parece que a Mulligan no la importa llevar todo el peso de la película y ser el faro que guía a los demás. Sin embargo el guión habría quedado demasiado cojo si sólo se hubiera trabajado al personaje principal relegando el resto de secundarios a meros estereotipos. Este no es el caso: todos ellos están perfectamente definidos para construir una base sólida sobre la que levantar el resto de la cinta.
Lo mejor que tiene esta parte del guión, sobre todo en cuanto a la presentación de los personajes, es que cada uno de ellos ya quedan perfectamente definidos en sus primeros minutos de interpretación. Así el espectador ya sabe desde un primer momento cómo son y cómo puede reaccionar a las vivencias de la protagonista. Esto no quiere decir que sea una historia previsible: algunos de los personajes no son lo que en realidad nos pueden parecer, por lo que tiene mucho más mérito ese trabajo de presentación tan complejo en tan poco tiempo para luego dárles un giro de 180 grados que el espectador no se espera.
Además la ambientación de la historia ayuda mucho al desarrollo de la trama. Nos situa a principios de los años 60, una época convulsa por las apariciones de distintos movimientos, como el feminista, que querían cambiar los estamentos de la sociedad patriarcal. Estas ideas revolucionarias y liberales que defendían los jóvenes chocaban frontalmente con el conservadurismo de sus padres y de personas más tradicionales. Esta confrontación entre ideas radicalmente distintas está perfectamente refrejada en la película, donde podemos observar los deseos de libertad que tiene Jenny gracias, sobre todo, a un novio más mayor que ella, y la parte más conservadora de la sociedad representada por su padres, que la intentan inculcar en la idea de que una mujer sólo tenía dos formas de triunfar: o abandonaba su vida social para dedicarse enteramente a sus estudios o encontraba a un hombre rico y se casaba con él.
También es muy interesante observar cómo los personajes que no cambian durante toda la película sí que logran modificar a otros que, a priori, podíamos pensar que nunca evolucionarían. Se puede entender que hasta las ideas más tradicionales y de mayor calado en algunas personas, pueden cambiar si se encuentran los motivos necesarios. La evolución de algunos personajes es otro de los puntos capitales del guión, especialmente porque se hace de una manera muy natural y prácticamente evidente, sin forzar las situaciones ni crear escenas innecesarias para el conjunto.
Si partimos de estas escenas podremos observar otro prodigio que no es muy habitual encontrar en una película no ya actual, sino en general: en An Education no sobra ni falta nada, cada situación tiene su razón de ser y sirve a un bien común que es el conjunto de la película, siempre con el objetivo de tratar un buen argumento. Es evidente que tanto el guionista como la directora tenían muy claro cuál era la historia que querían contar y cuáles son los efectos que quieren producir en el espectador, lo que desde luego consiguen de manera brillante. Esto es algo muy de agradecer porque no nos encontramos cintas así todos los días y merece una mención aparte porque An Education es una película compleja, que toca temas muy diferentes y adultos pero que lo hace de manera magistral, introduciéndose en ellos hasta el punto justo, sin quedarse en un plano superficial pero tampoco excavando hasta el aburrimiento. Esto genera la gran variedad de situaciones que hace destacar la película y sobre todo que la hacen muy fácil de ver y de seguir: atrapa al espectador desde el primer momento y no lo deja escapar hasta el final.

Carlos Sanz

Nausicaä del Valle del Viento ¡¡en cines!!

2010-02-18T23:15:00.003+01:00

Hoy he leído una de las mejores noticias que se pueden recibir en estos días: Aurum, en su esperanzador trabajo de editar los DVDs de los clásicos del Studio Ghibli, también nos trae estas obras al cine, y ahora es el turno de Nausicaä del Valle del Viento, el segundo largometraje de Hayao Miyazaki.
Como ya sucedió con Mi Vecino Totoro, primero se estrenará la película en cines, por ahora de Madrid y Barcelona en versión original subtitulada y posteriormente se lanzará el DVD. La fecha de estreno será el próximo 9 de abril, mientras que tendremos que esperar hasta el 5 de mayo para tenerla en nuestras casas. Por ahora no se sabe nada de la edición en DVD aunque con la de Totoro ya hicieron un buen trabajo.

Nausicaä es uno de los trabajos más personales de Miyazaki, por no decir el que más, por muchas razones. El origen del segundo largometraje de Miyazaki es un manga creado por él mismo en 1982. Su ideólogo siguió realizando el manga con la condición de que nunca se adaptara a una película animada, sin embargo con la enorme aceptación que tuvo por parte del público japonés, los responsables de Animage (revista donde se publicaba periódicamente el manga), finalmente convencieron a Miyazaki de que dirigiera la adaptación animada, el cual sólo puso la condición de realizarla si Isao Takahata, su gran amigo, fuera el productor de la cinta.
Sin embargo, pese a que la película está principalmente basada en el manga de Miyazaki, existen numerosas diferencias entre ellos. Se podría decir que el largometraje está principalmente inspirado en los dos primeros tomos del manga (que en total consta de seis tomos), por lo que el final resulta muy forzado y quedan numerosos elementos de la historia en el aire. Esto viene dado por que en 1984, cuando Miyazaki decidió dirigir la película, sólo había realizado los dos primeros tomos, y por lo tanto tuvo que crear un final que no se ajusta con el del sexto tomo del manga, el cual concluyó en 1994.
Otro tema interesante que gira en torno a la película es si se la puede considerar o no del Studio Ghibli. Los argumentos que toman los que apoyan que no es una película de la productora son principalmente que Ghibli no estaba oficialmente fundada en el año 84 (recordemos que legalmente se creó en 1985), por lo que no puede decirse que lleve el sello del estudio. Sin embargo, los que sí hablan de un trabajo del Studio Ghibli argumentan que tanto el director (Miyazaki), como el productor (Takahata), y los animadores, son los que posteriormente formaron Ghibli y que por lo tanto sigue los mismos patrones que todas las demás películas del estudio.
Pese a toda esta controversia, lo que está claro es que nos encontramos ante una de las obras cumbre de su autor y de la animación mundial no sólo por su calidad estética, sino por lo planteamientos y moralejas tan adultas y complejas que toca la historia.
Por ahora os dejo con el tráiler, para hacer un poco más llevadera la espera hasta el 9 de abril.

Tráiler definitivo de Toy Story 3

2010-02-12T15:58:00.004+01:00

Ya ha aparecido el tráiler definitivo de una de las películas más esperadas de todo 2010: Toy Story 3. La apuesta de Pixar para este año promete ser otra obra de arte del estudio norteamericano, aunque hasta que no la veamos en pantalla no podremos adivinar hasta qué punto lo será.
Por ahora el tráiler nos muestra cómo Andy se tiene que ir a la universidad y debe deshacerse de los juguetes con los que ha compartido su infancia y las dos anteriores películas de la trilogía. Así Woody, Buzz y compañía acaban en una guardería donde los juguetes son torturados más que disfrutados por los pequeños.

La dirección esta vez correrá a cargo de Lee Unkrich, co-director de la segunda parte y de Buscando a Nemo. Parece que John Lasseter no quería hacerse cargo de esta tercera entrega pese a hacer dirigido las dos anteriores.
En cuanto a las fechas de su estreno está previsto que vea la luz el 18 de junio en Estados Unidos, aunque tendremos que esperar bastante más para poder disfrutarla en las salas españolas: hasta el 30 de julio (y luego pretenden que el público no se decargue películas de internet).
Aparecerá tanto en tecnología 3D como en salas convencionales en 2D.

PD: atención al momentazo de Ken y Barbie.

En Tierra Hostil

2010-02-10T17:17:00.002+01:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Kathryn Bigelow. Intérpretes: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Guy Pearce, Ralph Fiennes, David Morse. Guión: Mark Boal. Fotografía: Barry Ackroyd. Música: Marco Beltrami & Buck Sanders. Nacionalidad: Estados Unidos, 2008. Duración: 125 min. Género: Bélico.

"La guerra es una droga". Con esa lapidaria premisa comienza The Hurt Locker (En Tierra Hostil), la última película de Kathryn Bigelow. Pese a que fue presentada en el Festival de Venecia del año 2008, no ha sido hasta ahora cuando ha llegado a las pantallas comerciales, por lo que se ha colado un año después en la maratoniana carrera hacia los Oscars. Salvando las discusones de si los premios de la academia norteamericana los reciben los que realmente los merecen y no forma todo parte de una gigantesca campaña de marketing para conseguir más beneficios de taquilla, hay que decir que esta película tiene suficientes argumentos como para estar entre las mejores del año.
Bigelow nos plantea una propuesta no demasiado original: los soldados en la guerra de Irak y cómo les afecta el conflicto. Sin embargo su estética, su cuidada puesta en escena, su sólido guión y sus personajes suficientemente realistas, son elementos que sustentan por si solos la cinta y le elevan a cotas mayores que otras anteriores. Desde el primer minuto el espectador se olvida de que se encuentra en una sala de cine: el estilo, rozando el documental, nos sumerje inmediatamente en la vida de los soldados y en particular en el grupo de artificieros protagonistas y sus constantes operaciones al filo de la muerte. Bigelow sabe tratar muy bien al espectador en todo momento, calculando cada plano para que no se pueda evadir de la película, lo que nos mantiene continuamente anclados a la butaca.
A esto ayuda el guión, escrito por Mark Boal, cuya ópera prima también trataba la guerra de Irak: En el Valle de Elah. El trato de los personajes, perfectamente individualizados nos ayudan aún más a integrarnos dentro de la historia y a acompañarlos como si fuésemos uno más del grupo. El trío protagonista se compone del artificiero que se encarga de desactivar cualquier artefacto explosivo y los dos soldados cuyo cometido es salvaguardarle en cada una de sus operaciones. El primero, protagonista principal de la película, se nos muestra como el perfecto ejemplo de la premisa que nombraba al principio: un ser humano normal y corriente al que la guerra le cambió, un adicto a los conflictos armados que no puede vivir otra vida que no sea la de un soldado en combate, la de un hombre que se juega su existencia a cada instante. Es muy interesante cómo se produce la conexión entre el trío protagonista cuando el personaje principal entra a formar parte del grupo: él es tremendamente temerario, algo que no pueden entender sus dos compañeros. Además uno de ellos es el ejemplo contrario: debe acudir al psicólogo para refrenar su miedo a la muerte y para intentar controlar sus temores, para así no poner en peligro a sus compañeros durante una expedición.
Pero si ya es difícil conseguir una relación realista entre personajes tan distintos, el mayor mérito del guión es conseguirlo en una situación límite como es una guerra. Aquí los sentimientos de cualquier persona no son los mismos que si vivieran sus vidas de forma cotidiana: el conflicto, el miedo, la violencia, la falta de escrúpulos, la total desvalorzación que sienten por la vida humana son temas constantes a lo largo de todo el metraje y todo ello mostrado de la manera más realista posible.
Además es muy interesante que a Bigelow no sólo la interesa mostrarnos a los personajes en el campo de batalla: también aparecen en su vida cotidiana, mostrándonos cómo se sienten los soldados cuando se los aleja de esa droga a la que llaman guerra. Aquí también podemos observar cómo son realmente los personajes a los que hace referencia, especialmente el protagonista, el más adicto de los tres. Para él no existe vida sin guerra, no se siente feliz si está fuera del campo de batalla, siente que le falta algo pese a estar junto a su mujer y su hijo. No puede continuar así eternamente, por lo que tiene que volver a Irak.
El ritmo que impone Bigelow desde el principio es realmente frenético: muy pocos son los momentos donde el espectador puede pararse a reflexionar, como tampoco tienen tiempo de hacerlo los soldados durante la guerra. Sin embargo estas escenas, que en algunos casos tienen su razón de ser, en otras sólo consiguen ralentizar el discurso de la película, sumergiendo al espectador en un estado de sopor muy diferente al ritmo que predomina el resto del metraje.
En Tierra Hostil no es la primera película, ni mucho menos, que trata el tema de la Guerra de Irak. Sin embargo es de las pocas cuyo planteamiento se presenta prácticamente neutral: ejemplos como Jarhead (Sam Mendes, 2005) o Redacted (Brian de Palma, 2007) toman un posicionamiento bastante evidente después de un primer visionado. Sin embargo Bigelow quiere huir de eso: no la interesa lo más mínimo la guerra en sí, pudiendo haber ambientado la historia en cualquier otro conflicto armado anterior. En lo que se quiere centrar es en sus personajes, en los soldados que viven día a día esa situación y en cómo les afecta y a algunos les cambia radicalmente. Desde luego eso lo hace perfectamente.
¿Puede alguien volverse realmente "adicto" a la guerra?¿Puede existir alguien que de verdad disfrute y sólo sea feliz si está arriesgando su vida a cada minuto? Según Bigelow y su cinta sí, y de la manera que expone sus argumentos, cualquier espectador la daría la razón.

Carlos Sanz

Avatar

2010-02-08T13:55:00.002+01:00

CALIFICACIÓN: **

FICHA TÉCNICA:
Dirección: James Cameron. Intérpretes: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi. Guión: James Cameron. Fotografía: Mauro Fiore. Música: James Horner. Nacionalidad: Estados Unidos, 2009. Duración: 161 min. Género: Ciencia-Ficción.

Que actualmente nos encontremos en una de las mayores crisis económicas de la Historia contemporánea no es algo nuevo para nadie. Lo malo es que también nos encontramos en un periodo donde la mayoría de las películas, especialmente las que vienen de Hollywood, no brillan precisamente por su originalidad. A pesar de esta situación, a finales del año pasado se estrenó la película más cara de la Historia, hasta el momento, y la que está destinada a batir todos los récords de taquilla: Avatar. La última película de James Cameron puede presumir de haber conseguido todo ese dineral pese a encontrarnos en esta interminable situación económica, y también de ser la película más costosa hasta el momento, pese a que su producción comenzó antes de empezar la actual crisis.
Sin embargo hay algo de lo que no puede presumir: su originalidad. Esto no quiere decir que cada año no encontremos auténticas joyas que provienen de la Meca del cine. Ya hace años que Hollywood nos bombardea con remakes, adaptaciones literarias y más recientemente películas basadas en novelas gráficas. Es evidente que la segunda productora más grande de cine del mundo, tras Bollywood, tiene que pasar por horas bajas en cuanto a la calidad de su material, aunque nunca sobre su cantidad. Avatar es el ejemplo perfecto de esta filosofía cinematográfica: una cinta exageradamente cara que está destinada a ser un auténtico blockbuster durante años y que ha enfocado todo su esfuerzo en el apartado visual, para que el espectador se deje asombrar fácilmente sin buscar nada más allá.
Por supuesto que encontramos escenas en Avatar que nos dejarán con la boca abierta, vertiginosos picados y enormes planos generales que asombrarán al más escéptico. James Cameron tiene muy claro lo que quiere mostrar en pantalla, y ese es quizá el punto débil de la película. Sólo está interesado en sorprender al espectador con el ilusionismo digital que sólo puede conseguir un ordenador: el guión, y por lo tanto la historia, son una simple excusa para mostrarnos todos esos animales y los seres azules de tres metros. Así se suceden las espectaculares escenas pero sin ningún sentido apararente, simplemente para demostrar hasta dónde ha podido llegar Cameron con sus efectos especiales. Es verdad que actualmente no podemos compararlo con nada, no existe ninguna película que pueda presumir de esos efectos visuales, pero tampoco existe ninguna que alardeé de haber tenido ese presupuesto y lo haya desaprovechado en realizar escenas vacías.
Es realmente decepcionante encontrarnos con un director que, con la libertad tan grande con la que ha trabajado en esta película, no haya querido ir más allá y darla un sentido filosófico o incluso con unos personajes un poco más trabajados, especialmente viniendo del mismo realizador de Terminator 2. La historia se podría resumir en una revisión de Pocahontas, sólo que en vez de llegar a América, se desarrolla en otro planeta: Pandora. Las tropas estadounidenses llegan allí para "pedir amablemente" a sus habitantes que se vayan y así poder explotar los yacimientos de un metal carísimo. Además, la mayor concentración de dicho metal se encuentra, casualmente, bajo el árbol madre que adoran los enormes seres azules y que, lógicamente, no lo quieren abandonar. Así se produce el inevitable conflicto que se preveía desde el principio de la película pero que se va retrasando por los intentos de negociación de los estadounidenses. ¿Acaso alguien esperaba que funcionasen? Si hubiera sido así, Cameron se habría quedado sin sus mejores escenas de acción y la película habría tenido menos sentido aún. Todo es tan previsible que no deja lugar a la sorpresa y el espectador tiene contínuamente la sensación de que eso ya lo ha visto: ya hemos visto millones de veces esas películas donde el protagonista cree que está con los buenos pero cuando conoce a los malos se pone de su parte. Temas como los prejuicios, la toma de territorios que no son suyos por parte de los que en principio son los buenos o la ecología son temas que se han tratado hasta la saciedad en el cine norteamericano. Lo peor de todo es que Cameron los trata de una manera tan estereotipada que no despierta ninguna inquietud en el espectador, porque podemos recordar ejemplos como Wall·E (Andrew Stanton, 2008) en la que el tema de la ecología y la destrucción de la naturaleza por parte de los humanos estaba presente durante todo su discurso, pero su manera de tratarlo y la originalidad de su propuesta la convierten en una obra diferente a las demás.
Lo bueno de esta película, aparte de algunas escenas beneficiadas por el 3D, es que ha generado gran controversia tanto en el público como en la crítica especializada. No es lo mismo que una película sea unánimemente calificada como obra maestra o que por el contrario todo el mundo la rechace. Si Avatar ha despertado toda esa diversidad de opiniones es porque a cada persona le ha generado distintas sensaciones y cada uno la ha entendido a su manera, indiferentemente de que tengan razón o no. También es verdad que la mayoría de sus defensores se centran en el aspecto puramente visual y en sus efectos especiales algo que, para otras personas entre las que me incluyo, no es suficiente. Pero bueno, para gustos los colores.

Carlos Sanz

Paranormal Activity

2010-02-06T15:42:00.002+01:00

CALIFICACIÓN: *

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Oren Peli. Intérpretes: Katie Featherston, Micah Sloat, Amber Armstrong, Michael Bayouth. Guión: Oren Peli. Fotografía: Oren Peli. Música: No tiene. Nacionalidad: Estados Unidos, 2007. Duración: 99 min. Género: Terror.

Podríamos considerar que la primera película de terror de la Historia, si agrupamos en ese género las películas que sean capaces de transmitir angustia o miedo al espectador, sería también la primera proyección de la Historia: La Llegada del Tren por los Hermanos Lumière de 1896. Y la enmarcamos dentro de este género porque los espectadores huían despavoridos ante la visualización de un tren que se dirigía directamente hacia la platea. Sin proponérselo, los pioneros del séptimo arte habían descubierto la manera de que el espectador se viese afectado por las imágenes que se proyectaban en la pantalla, aunque las primeras sensaciones no fuesen demasiado placenteras.
Más de 100 años después de esa experiencia nos encontramos con la ópera prima de Oren Peli, una suerte de Proyecto de la Bruja de Blair pero muchísimo menos original, y no lo digo porque la cinta de 1999 lo fuese: Peli no cuenta la historia de una pareja que tiene un ¿fantasma?¿demonio?¿ente? viviendo en su casa. Por la noche ocurren fenómenos extraños que no les dejan vivir por lo que deciden comprar una cámara y grabar todo lo que ocurre en su habitación mientras duermen. Y eso es todo, porque el resto de escenas que se suceden no son más que discusiones entre los cónyuges y una entrevista con un exorcista que resulta ser de lo más inútil.
Puesto que la película de por si no puede transmitir el miedo que pretende dar, parece que todos los esfuerzos se han enfocado en intentar mostrarnos la historia como si fuese algo real, algo que una pareja grabó y vivió realmente. Incluso los actores se llaman igual que los personajes. Pero eso es algo de lo que el público actual ha escarmentado bastante: los espectadores, al igual que el propio cine, han evolucionado y no van a vivir de la misma manera una película de los años 20 que una actual, como tampoco nos podemos asustar a día de hoy de que un tranvía se dirija hacia la pantalla.
¿Realmente creía el director que con unos simples efectos de mover sábanas o de prender fuego a una tabla de Ouija el espectador iba a pasar miedo? Esos trucos ya no pueden sorprender al espectador actual, que busca infatigablemente cosas nuevas, algo que de verdad le asombre, algo que no pueda esperarse.
Si nos centramos en la estructura propia de la película, está claro que Peli quería dar a entender que la grabación era completamente casera, que el montaje no está condicionado sino que todo es fruto del azar y de la naturalidad de la situación. Está claro que no podemos pretender que las escenas tengan un montaje rápido: aquí los planos son largos como si estuviera todo rodado de la manera más realista. Sin embargo hay que conocer dónde está el límite del estilo y además saber trabajarlo para que el espectador no tenga la sensación de que está contemplando una película monótona: los planos de la pareja durmiendo se suceden una y otra vez hasta unos extremos aburridísimos. Lo peor de todo es que en estas escenas, que poblan la mayoría del metraje, no pasa absolutamente nada. Se supone que en ellas se dan las principales situaciones de miedo y donde ese ente que tiene atormentados a los protagonistas hace sus apariciones. ¿Pero da realmente miedo ver a una persona levantarse y quedarse de pie junto a la cama durante medio minuto?¿No se podría haber aprovechado ese tiempo en hacer algo más impactante o simplemente hacerlo desparecer del metraje? Y este es un ejemplo de tantos otros que se dan a lo largo de la peli.
Al ver películas como estas, que han recibido tantos premios y algunos especialistas incluso la han alabado, llevarían a cualquiera a cuestionarse una serie de cosas: ¿tanto ha cambiado el cine de terror?¿Cuáles son las principales herramientas que se usan actualmente en el género?¿Son realmente efectivas? Supongo que, como siempre ha sido, habrá cintas que merezcan la pena y otras que no. Paranormal Activity se encuentra en el segundo grupo.

Carlos Sanz

Tarsem Singh (II)

2010-02-04T15:48:00.005+01:00

Películas
Continuamos con el estudio sobre Tarsem Singh, en cuya primera parte ya veíamos sus primeros trabajos como creador de videoclips y de publicidad para televisión, ahora es el turno de analizar sus trabajos cinematográficos. Desde el año 2000 que estrenó su primer largometraje, The Cell, hasta el 2007 que vio la luz su última producción, The Fall, sólo ha trabajado en estos dos proyectos, aparcando momentáneamente otros géneros audiovisuales. Y no sin razón: la realización de The Fall le llevó 7 años de intenso trabajo buscando localizaciones y escenarios por todo el mundo. Por ahora vamos a centrarnos en cada una de ellas detenidamente.
The Cell (traducida en España como La Celda) está protagonizada por Jennifer Lopez y Vince Vaughn. La historia trata de un asesino en serie que queda en estado catatónico cuando los policías entran en su casa. Puesto que no pueden interrogarle para averiguar dónde se encuentra su última víctima, recurren a la doctora Catherine Deane (Lopez) que ha desarrollado un sistema muy singular para tratar pacientes autistas: una especie de hipnosis en la que la doctora puede introducirse en el cerebro de paciente y a partir de ahí iniciar al tratamiento. Es evidente que una en una situación donde se introduce en los recuerdos del asesino, sus experiencias y sus traumas, pronto afectarán a la doctora y llegará un momento en el que no podrá diferenciar la realidad de la ficción.
El argumento en verdad es muy simple, no va más allá de un típico thriller policíaco donde los detectives deben ingeniárselas para encontrar a la última víctima del asesino antes de que muera. Aunque los métodos no sean muy ortodoxos, nos encontramos con elementos típicos del subgénero: el trauma del malo viene dado por las palizas que recibía de su padre cuando era un niño, de donde surgió una introversión que dio lugar a su complejidad psicológica; el ritmo de la película; ese final in extremis; etc. No se le puede adjudicar a Tarsem que haya reinventado este subgénero con su película, pero sí podemos declarar que con él y con esta película nos estaba allanando el terreno para lo que vendría después.

El año anterior al estreno de The Cell había visto la luz Matrix, una obra visualmente vanguardista donde la estética ciberpunk se mezclaba con distintas ramas filosóficas para crear un conjunto único e inimitable. Con ella el público experimentó una nueva dimensión de imágenes, algunas de ellas totalmente innovadoras y hasta el momento inimaginables. Con esto no pretendo comparar a Tarsem con los hermanos Wachoswski: lo que intento dar a entender es que el cine había llegado a unos límites visuales y de efectos ópticos que no los más optimístas se habrían atrevido a pronosticar. Matrix supuso un antes y un después si tomamos como referencia estas características, pero aunque el público ya se había "acostumbrado" a este tipo de asombrosas imágenes, Tarsem todavía quiso ir más allá con The Cell.
El argumento permite que numerosas escenas de la película tengan lugar dentro de la mente del asesino, por lo que el director puede imaginarse un universo completo y plasmarlo en la pantalla sin ningún tipo de limitaciones. Según avanza la doctora Deane por los distintos recovecos y vivencias de su paciente, tanto los escenarios como la fotografía o la propia estética varían con ellos. Así se nos muestran desde interiores que parecen directamente extraídos del videoclip Losing My Religion de REM hasta lugares y elementos irreales que sólo han podido ser dados a luz por una imaginación (casi) ilimitada. Pero no sólo los escenarios muestran esta originalidad: el vestuario y el maquillaje que muestra el asesino, como ser omnipotente en su propia mente, nos hace entender que no se trata de un simple ser humano sino que, sólo con verlo, ya podemos entender que está por encima de la doctora o del policía, que también se introduce en la mente del asesino.
En esta cinta ya podemos observar cómo ha introducido Tarsem algunos elementos que utilizó en trabajos anteriores para televisión dentro del ámbito cinematográfico, no por ello renunciando a las reglas propias del séptimo arte. Se produce una mezcla de estilos, especialmente en el campo estético, que tendrán su culminación en la, hasta ahora, última película del director, The Fall.
El segundo largometraje de Tarsem recogió premios por todo el mundo, entre ellos el de Mejor Película en el Festival de Sitges o la Mención Especial para el director en el Festival de Berlín de 2007. Y no es para menos. La historia es mucho más compleja que la de su anterior cinta: en un hospital de Los Ángeles, durante las años 20, un especialista de cine es ingresado por una fatal caída. A la posibilidad de quedarse parapléjico se le une que su novia le ha abandonado y que ha perdido su trabajo. Allí conoce a una niña pequeña que tiene el brazo escayolado por otra caída ("The Fall" es lo que los une), a la que pretende utilizar para conseguir todas las pastillas posibles para suicidarse. Para ello, se inventa una épica historia donde 5 valientes héroes deben salvar su honor y acabar con el dictatorial gobernador Odious.

Pero la historia va más allá, va mucho más allá. No se centra en narrar una simple historia preconcebida y ajena a su autor: él creador forma una parte capital de su obra, que está impregnada de sus sentimientos, los cuales condicionan los acontecimientos de la manera más directa. Tarsem no sólo habla de la historia de un especialista de cine deprimido: habla de todos y cada uno de los creadores de cine y de cómo su manera de ser y su situación personal afectan significativamente al resultado final de la obra. Podríamos decir que la película es un homenaje al cine en general y al cine mudo en particular.
Al igual que en The Cell, Tarsem utiliza la mente del ser humano como escenario para el desarrollo de los acontecimientos: "me interesa mucho la fantasía de la mente". Si en la primera película nos situaba dentro del cerebro de un asesino en serie, esta vez retrocede en el tiempo para adentrarse en la imaginación desbordante de la pequeña Alexandria (Catinca Untaru). Por el hecho de que estemos hablando de una niña como protagonista, no quiere decir que la historia sea más simple o más infantil, al contrario: la ilimitada imaginación que tiene un niño pequeño para asimilar cualquier cosa que le cuenten los adultos y cómo reinterpretan esa información según su mente es lo que prima principalmente en la historia, exponiendo siempre el punto de vista que tiene la niña de lo que le cuenta Roy Walker (Lee Pace).

Pero si estamos hablando de esta película es porque nos interesa cómo la realizó Tarsem, de qué manera concreta y por qué no de otra. Simplemente, como dato curioso, decir que el rodaje se produjo en, atención, 28 países distintos. Una producción así habría sido mucho más fácil de hacer en un estudio, simulando las distintas localizaciones, lo que supondría un gran ahorro de tiempo y de dinero. Sin embargo el director quería estar allí, no le valía nada irreal o inventado: los paisajes son tan importantes como los propios actores, puesto que también nos muestran la manera de ser y los sentimientos de los personajes. Esto demuestra la gran importancia que tienen para Tarsem las localizaciones donde rueda.
El tipo de planos que utiliza también son muy significativos en su estilo. En The Cell mayoritariamente nos encontramos con planos cortos, donde los personajes tienen el espacio muy limitado, haciendo referencia a la mente del criminal donde se encuentran, un lugar claustrofóbico donde los personajes no se pueden mover con total libertad. Sin embargo en The Fall es todo lo contrario: la pantalla se abarrota de planos generales, grandes especios abiertos de gran colorido que hacer referencia a la ilimitada imaginación de la niña protagonista, siempre con nuevas ideas e historias en la mente.
Así podemos observar que el estilo de Tarsem siempre ha seguido una línea contínua, muy definida y sobre todo muy característica. Actualmente se encuentra trabajando en su nuevo largometraje, titulado War Of Gods. Protagonizada por el héroe clásico Teseo, promete grandes dosis de efectos visuales espectaculares y de imágenes inolvidables por la guerra que enfrentará a dioses con titanes. El propio director ha calificado que el estilo de la película será una mezcla entre Caravaggio y El Club De La Lucha, mientras que los productores serán los mismos que trabajaron en 300 (Zack Snyder, 2006). No se qué opinaréis vosotros pero yo creo que han acertado con la elección de Tarsem.

Tarsem Singh (I)

2010-02-03T16:59:00.006+01:00

No es nada nuevo ver que la industria cinematográfica se está nutriendo de directores que vienen de otros campos audiovisuales como por ejemplo del videoclip o de los anuncios de televisión. Muchos de los realizadores actuales hicieron sus primeros trabajos para la pantalla pequeña, hasta que dieron el salto al cine. Algunos de ellos ya están más que consumados, como es el caso de Spike Jonze (Adaptation, Donde Viven Los Monstruos) o Michel Gondry (Olvídate de Mi, Rebobine, Por Favor). Y mientras esperamos que el niño prodigio del videoclip actual, Chris Cunningham, dé el salto a la gran pantalla (se hablaba de una adaptación de la novela de William Gibson Neuromante), nos conformamos con analizar qué ha supuesto esta mezcla de estilos y cómo ha cambiado el cine actual de la mano de uno de sus principales ejemplos: Tarsem Singh.
¿Quién no recuerda aquél anuncio de Nike en el que Cantoná, Ronaldo, Figo y otras estrellas futbolísticas se enfrentaban a unos demonios en un antiguo circo romano?¿Cómo olvidarse de aquél anuncio de Levi's donde una fugitiva se cambiaba delante de una persona ciega que luego demostraba no ser tal?¿Y aquél otro de la mítica marca de vaqueros dónde un hombre no dejaba de bañarse en piscinas ajenas para demostrar que "cuanto más los lavas, mejor te quedan"? Todos ellos y el resto de vídeos que nombraré a continuación se pueden ver gratuitamente en la página web del director: www.tarsem.org

Tarsem Singh (26-05-61, India) es el cerebro creador de esos famosísimos anuncios. Sin embargo existe una larga lista de proyectos anteriores que le llevaron a realizar estos famosos anuncios. Se trasladó desde su país natal a Estados Unidos con 24 años para graduarse en el Art Center College Of Design de Pasadena. Uno de sus primeros trabajos no pertenece al mundo de la publicidad, pese a que le reportó una enorme aceptación por parte del público y de especialistas: el videoclip de Losing My Religion de REM, por el que fue galardonado con el Grammy a mejor vídeo musical en el año 1991. En él se pueden observar alguna de las características de lo que será su cine: los caracteres orientales, especialmente indios, gran impacto visual y especial trato de los colores.

Publicidad para televisión
Tarsem hizo unas declaraciones en el Festival de Sitges de 2007 en las que afirmaba que donde más cómodo se había sentido había sido realizando publicidad para televisión. En ellos había tenido total libertad para expresar sus ideas, una independencia de la que carece en los videoclips y en el cine. Mediante los anuncios es donde se puede observar el verdadero estilo del director, aunque sus películas hayan potenciado mucho más su vertiente visual.
Para Nike realizó dos comerciales más aparte del mencionado anteriormente. Uno de ellos se llama Gladiator, donde una skater recorre la ciudad esquivando los ataques de gladiadores romanos que no le dan ni un minuto de respiro. Quizá sea por sus primeros trabajos en el mundo del videoclip, Tarsem da mucha importancia a la música en sus obras, tanto en los anuncios como en sus películas. En Gladiator de Nike parece extraída directamente de una persecución de Tom y Jerry, quitándole dramatisco a la situación y convirtiendo en un juego algo tan serio como es que unos forzudos te ataquen con espadas o a lomos de un caballo.
Si seguimos en sus trabajos dentro de la compañía norteamericana, nos encontramos con otro excelente ejemplo de publicidad para televisión. El trabajo llamado Warriors que hizo para Nike sería una especie de antítesis de su propio estilo. Impacta visualmente pero no por sus deslumbrantes paisajes ni los planos generales que abarrotan sus películas: aquí el estilo es mucho más minimalista, reduciendo los planos a una especie de sala acorazada con el deportista. El ritmo de montaje va acelerando desde lo que podríamos llamar una situación normal donde los jugadores simplemente están calentando y preparándose para el partido, hasta una donde se mezcla el poder del ser humano con otros que provienen del mundo animal y el vegetal. Estas fusiones aparecen en forma de originales cascos, dando a entender que para ser el mejor hay que estar por encima de la dimensión humana, algo a lo que seguro te ayudará que te pongas la ropa de esa marca.

Para terminar el apartado de los trabajos publicitarios de Tarsem vamos a hacer referencia al más famosos de todos ellos y que ya citábamos al principio: Good vs. Evil de Nike. Realizado en el año 95, supuso un antes y un después para la publicidad de la compañía norteamericana, ya que desde entonces se ha seguido el patrón de realizar cada cierto tiempo este tipo de anuncios con futbolistas de renombre, a cada cual más original, como por ejemplo el de La Jaula. Ésta campaña viral llegó incluso a internet donde la gente podía votar cuál de todos los equipos ganaría el torneo. Muchos aparecieron después del realizado por Tarsem, pero ninguno consiguió superarlo. En la introducción se nos informa de que el partido tiene un propósito: el mal quiere acabar con el fútbol y sólo los mejores jugadores pueden detenerlo. Así que no puede haber un escenario más idóneo que un antiguo circo romano durante un eclipse. Las normas las pone el demonio: campo de fuego, un árbitro ciego, jueces de línea con dobermans y jugadores con botas de clavos en vez de botas de tacos. Sin embargo, los grandes héroes siempre apelan a la épica para sobreponerse a todo tipo de eventualidades y, puesto que son los mejores, consiguen acabar no sólo con sus rivales, sino con el mismísimo diablo. Ese plano del final donde Cantoná se sube el cuello de la camiseta para lanzar el último disparo ha marcada a toda una generación. La lucha entre el bien y el mal da ese punto extra de calidad a la obra, ya que no se trata de un motivo cotidiano y simple, sino que se refiere a la eterna disputa entre dos entes contrarios que no pueden existir el uno sin el otro. Con ello el anuncio ya no es un simple medio para mostrar un producto para que el consumidor lo compre: aquí lo que importa es el puro espectáculo visual, el disfrute del espectador ante ese tipo de imágenes que no tienen porqué estar relacionadas con una marca comercial. Si al final del vídeo elimináramos el logotipo de Nike, no pensaríamos que se trata de publicidad para televisión, sino de un cortometraje excelentemente realizado.
Este anuncio reúne lo mejor del estilo de Tarsem: una música acorde a los planos, efectos visuales realmente espectaculares, con una imaginación desbordante y sobre todo una puesta en escena de lo más cuidada, ultimada hasta el más mínimo detalle. Este es el elemento principal que caracteriza las obras de Tarsem: su estudiada puesta en escena, donde cada plano y cada elemento que aparece en él tiene su razón de ser y sirve a un propósito mayor.

Hasta aquí la primera parte de la obra de Tarsem Singh. En la siguiente analizaremos su paso al cine con sus, hasta ahora, dos largometrajes: The Cell y The Fall.

Cine en 3D

2010-01-28T09:52:00.004+01:00

Ayer fue uno de los días que quedarán marcados en la Historia del Cine reciente, pese a que sea por algo ajeno al séptimo arte: Avatar ya es la película más taquillera de la historia con 1.858 millones de dólares recaudados en todo el mundo, por delante de la anterior película de Cameron y que lideraba el ranking desde 1997, Titanic (1.843 millones).
Sin embargo esto no quiere decir que Avatar sea la película más vista. Hay que recordar que el gran parte de su recaudación se debe a las sesiones en 3D, lo que supone un precio por entrada mayor del que no dispuso Titanic. ¿Pero por qué tenemos que pagar más por llevar unas gafas?¿De verdad compensan ese par de euros de más por lo que nos ofrecen?
Creo que este tipo de preguntas quedan a libre elección de cada uno. Por ahora vamos a resumir los tres principales formatos que existen en el cine de 3D y sus características. Dos de ellos utilizan el sistema de luz polarizada que debemos filtrar con ayuda de gafas especiales; el tercero, el XpanD, es diferente porque usa gafas activas.

RealD
Este sistema se caracteriza por usar un sólo proyetor que alterna las imágenes del ojo derecho con las del ojo izquierdo. La polarización se realiza de manera circular, por lo que el espectador no pierde la sensación de profundidad en la pantalla al move la cabeza.
Sin embargo este sistema requiere una pantalla especial que refleje la luz y mantenga la polarización de cada ojo. Las imágenes se reproducen a 144 frames por segundo para que el ojo no perciba la sensación de alternancia entre el ojo derecho y el izquierdo, y también para conseguir una percepción de película tradicional de 24 frames por segundo.
Este es el formato más común en cines comerciales, no ya en los IMAX.

Dolby-3D
Este sistema se similar al anterior en cuanto a que usa el filtrado de imagen. Su característica principal es que modifica las longitudes de onda de los colores primarios dependiendo del ojo que la vaya a recibir, es decir, el ojo derecho tiende a recibir una tonalidad más verde, apenas percebtible, mientras que el izquierdo se inclinará más por el rojo.
Digamos que este es el formato tradicional que se ha utilizado de forma casera pero que ha evolucionado tecnológicamente para que los verdes y los rojos no sean tan llamativos y se pueda disfrutar del color propio de la película.

XpanD
Este último sistema es, por ahora, el más sofisticado. Se utiliza principalmente en los cines IMAX donde la experiencia en 3D va más allá del cine comercial, ya que sus películas son realizadas para ser reproducidas exclusivamente en este formato.
Las gafas son mucho más gruesas que las de los dos sistemas anteriores, ya que dentro de ellas contienen un sistema electrónico y las baterias. Esto se debe a que son gafas activas, es decir, que trabajan durante la reproducción.
En todo momento se encuentran sincronizadas con el proyector, por lo que su cometido consiste en trabajar los filtros durante la sesión para adaptarse a las distintas imágenes que reproduce el proyector. Esto hace que la experienciaen 3D sea mucho más realista y con enormes posibilidades que todavía están por explorar dentro de la estética cinematográfica.

El debate de si merece la pena pagar ese plus o no por una sesión en 3D depende de cada uno, aunque supongo que esta misma cuestión se puede trasladar al terreno de pagar por ver una película tradicionalmente en el cine o bajártela gratis: si crees que merece la pena gastarte el dinero en ella, entonces hazlo.

George and AJ, otro corto de "Up"

2009-12-06T18:31:00.003+01:00

Supongo que será por las fechas consumistas que se avecinan, pero ya empiezan a aparecer algunos títulos muy interesantes en DVD y Blu-ray. La joya de estas navidades es la edición en el nuevo formato de la última película de Pixar, Up, con nada menos que 4 discos: 2 blu-ray con la película y los extras, un DVD con la película, y la copia digital para poder pasar el largo a tu ordenador sin problemas.
A propósito de esta película, Pixar ha colgado en su canal de YouTube un nuevo corto acerca de la película. En este caso trata de George y AJ, los dos empleados de la residencia Shady Oaks que pretenden llevarse allí al protagonista, Carl Friedricksen. Sin embargo se encuentran con algo que no habrían imaginado ni en sueños, como bien sabe cualquiera que haya visto Up.
Escrito y dirigido por Josh Cooley, el corto es una sucesión de divertidísimos sketches que les suceden a los dos empleados después de la pionera aventura del señor Friedricksen.
Disfrutadlo.

Videogioco, de Donato Sansone

2009-10-16T12:13:00.002+02:00

La animación no es sólo los dibujos animados que estamos acostumbrados a ver en el cine y la televisión, ni los muñecos de plastilina que cobran vida gracias a la técnica del stop motion, o la más reciente animación por ordenador a la que nos tienen acustumbradas las películas de Pixar.
El italiano Donato Sansone ha demostrado con sus cortos que su estilo está muy alejado de las grandes vías de la animación y propone una propia. En el siguiente corto, Videogioco, podremos observar alguna de sus características.

En los primeros segundos del vídeo observamos cómo Sansone lo ha realizado. Podríamos decir que la técnica del corto sería algo similar a la de los dibujos animados tradicionales pero en este caso se puede apreciar el "truco": vemos cómo las manos mueven los papeles para que los dibujos adquieran la sensación de movimiento. En una animación convencional, esa parte del proceso es la que se elimina.
El vídeo tiene unos antecedentes dentro de la filmografía del propio director, como en su anterior corto Lovecube, mucho más explícito, donde las caras del cubo sirven para exponer los rostros de cada persona, moviéndose para un lado u otro y por lo tanto cambiando sus expresiones.
Puede que el vídeo guste o no, pero por lo menos nos encontramos con algo distinto dentro de un mundo tan inmenso como es el de la animación.

Las 50 mejores películas de animación

2009-10-09T19:39:00.003+02:00

El equivalente a la Guía del Ocio en Londres, Time Out London, ha hecho pública una lista de 50 películas que, a su parecer, son las mejores de la historia de la animación. En las votaciones han colaborado los compradores de la revista al igual que el director y ex Monty Python Terry Gilliam. No queda muy claro su intervención en la lista aunque sí que le han encargado el trabajo de comentar alguna de ellas.
Por supuesto, no todo el mundo estará de acuerdo con una lista en la que, por otra parte, nos encontramos sobre todo con películas comerciales: mucho Disney, Pixar y Ghibli. Esto no quiere decir que las películas de estos estudios sean de baja calidad, nada más lejos de la realidad, pero hay que tener en cuenta que el jurado es el público en general, no especialistas en la materia.
A continuación pongo en top ten. Las otras 40 podéis verlas en la página: http://www.timeout.com/film/features/show-feature/8866/

My Neighbour Totoro (1988) Hayao Miyazaki
Snow White and the Seven Dwarfs (1937) David Hand
The Bugs Bunny/Road Runner Movie (1979) Chuck Jones & Phil Monroe
Fantasia (1940)
Toy Story (1995) John Lasseter
Spirited Away (2001) Hayao Miyazaki
Yellow Submarine (1968) George Dunning
Belleville Rendez-vouz (2003) Sylvain Chomet
South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999) Trey Parker
Robin Hood (1973) Wolfgang Reitherman

PD.: Es una pena que La Princesa Mononoke sea la vigésimo sexta, pero me alegro de que al menos la primera sea una película de Miyazaki.

Malditos Bastardos

2009-10-02T14:12:00.002+02:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Quentin Tarantino. Intérpretes: Brad Pitt, Diane Kruger, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender. Guión: Quentin Tarantino. Fotografía: Robert Richardson. Música: Varios. Nacionalidad: Estados Unidos, 2009. Duración: 153 min. Género: Bélica.

Brad Pitt dice al final de la película, como colofón a más de dos horas y media de intenso metraje: “ésta es mi obra maestra”. La frase viene precedida de una acto cruel, puede que desproporcionado, aunque para él totalmente justificado. Y se refiere a que lo ha hecho tantas veces que, por el simple hecho de obtener experiencia por cada una de las repeticiones, ésta última se ha convertido en la mejor de todas, en su obra maestra.
Es obvio que lo que pretende Tarantino con la lapidaria última frase de su guión es referirse a su última cinta, Malditos Bastardos, como “su obra maestra”, la mejor que ha realizado hasta el momento en su nada humilde opinión. Después de seis largometrajes, sin contar la que nos ocupa, la evolución natural de un director le habría llevado a cambiar su estilo, o por lo menos a variarlo de alguna forma. Sin embargo Tarantino no ha modificado ni un ápice su tradición cinéfila y cada vez la tiene más presente en sus filmes. En su primer trabajo tras la cámara (y ante ella), My Best Friend's Birthday de 1987, ya demostraba una inusual inclinación por los retorcidos diálogos, especialmente si giraban en torno a música o cine, que se alargaban hasta la saciedad.
En Malditos Bastardos podemos observar cómo Tarantino continúa aplicando esta temática a algunos de sus diálogos, pese a que esté ambientada en la Segunda Guerra Mundial y las conversaciones tengan lugar en el despacho de una alto cargo militar en vez de en un bar de carretera. Los diálogos se prolongan de manera exagerada, con frases que en un principio pueden parecer insustanciales pero que finalmente observamos que no es así. Sin embargo algo ha cambiado con respecto a sus orígenes. El espectador ya no experimenta esa sensación de vacío en los diálogos, ni pierde la atención por su interminable duración: puede que sean las conversaciones más largas que Tarantino ha escrito en un guión, pero sin duda son de las más atrayentes. El director trata estas escenas como una película en sí misma, con una pequeña introducción que se desarrolla y alcanza su correspondiente clímax.
Aunque la conversaciones en sí mismas son todo un logro, y la principal característica no sólo de esta película sino de la filmografía entera de Tarantino, hacen que el ritmo general de la historia se vea afectado. Esto no es algo muy común en las cintas del director, que sabe perfectamente cómo tratar cada una de las escenas dentro del conjunto de la obra, sin embargo en ésta última parece que su prioridad han sido los diálogos y no ha puesto suficiente atención en el resto de los factores.
Otro punto al que Tarantino presta mucha atención en sus guiones es al trabajo psicológico de los personajes. Suele trabajar con numerosos tipos de roles para sus historias y siempre están perfectamente caracterizados y expuestos para el espectador. No cae en los clichés ni en los prototípicos estereotipos utilizados hasta la saciedad por el género de gangsters, sino que crea personajes singulares, con sus particularidades que les hacen diferentes al resto. En Malditos Bastardos también se pueden observar esos innatos instintos de caracterizar a cada uno de los individuos para conseguir un conjunto completo con distintas psicologías y puntos de vista dentro de la misma historia. Sin embargo algunos de ellos no están tan trabajados como nos tiene acostumbrados Tarantino. Por ejemplo, los famosos bastardos se convierten en un grupo donde sólo una par de ellos están tratados correctamente, aunque la mayoría forman parte activa de la película. Aparte de esto el protagonismo que parecen tener a priori, antes de ver la película, no es tal y se convierten únicamente en el elemento que dota de escenas de acción a la cinta.
¿Entonces si los Bastardos no son los protagonistas, quiénes lo son? La respuesta a esta pregunta es, sin dudad, el coronel Hans Landa. El popularmente llamado “cazajudíos”, fama que se ha ganado él solo, se convierte en el protagonista absoluto de la película, no sólo porque la historia así lo marca, sino por la hipnótica actuación de Christoph Waltz, el coronel nazi más verosímil de la Historia. Pese a la dificultad de su papel (llega a hablar en cuatro idiomas) no flojea en ningún momento, lo que provoca que el resto de actores que comparten plano con él queden completamente eclipsados. También ayuda a su papel el enorme trabajo de caracterización que hace Tarantino de su personaje. No nos encontramos con el típico militar nazi de las películas norteamericanas, un ser sanguinario sin escrúpulos al que le ciegan sus ideales. Aquí simplemente nos encontramos con un coronel que es muy bueno en su trabajo, por no decir el mejor, aunque consista en encontrar y matar gente. Pero también tiene un lado humano, aunque no sea precisamente positivo. La ambición innata de todo ser, de conseguir una calidad de vida superior, de anhelar lo que no se tiene, es lo que hace humano al coronel Hans Landa. Puede que no sea una virtud de la que se pueda sentir orgulloso, o que el espectador no se identifique con sus acciones, pero ese sentimiento está tan arraigado en la forma de ser de las personas que no se puede cuestionar su humanidad.
Por lo tanto nos encontramos con una película que, aunque está impregnada de ese estilo tan característico del director con diálogos tan enrevesados como efectivos y personajes que monopolizan la puesta en escena, también observamos algunas lagunas que no son propias de las películas de Tarantino. Él opina que Malditos Bastardos es su obra maestra. Yo, personalmente, opino que no.

Carlos Sanz

La unión de Disney y Marvel

2009-10-01T17:07:00.012+02:00

A finales de Agosto saltó la noticia de que la todopoderosa Disney había adquirida Marvel Entertainment por nada más y nada menos que cuatro mil millones de dólares. Mucho se ha hablado de cómo esto afectará a los trabajos que cada una de las empresas tenían firmados por separado, aunque por lo visto nada cambiará, sólo que ahora las decisiones de Marvel las tomará el presidente de Disney.
Desde la página Worth1000 han querido aportar su pequeño granito de arena a todo este circo propagandístico haciendo lo que mejor saben hacer: retocar fotos. ¿Cómo hubieran sido las películas de Pixar con la influencia directa de Hulk o Lobezno?¿Sería tan inocente Micky Mouse si hubiera conocido a Spiderman? En Worth1000 nos muestran algunos ejemplos. Sin desperdicio.

Sin City 2 para 2011

2009-09-29T15:12:00.006+02:00

Después de todo tipo de rumores en los que lo único claro es que habría una secuela de Sin City, parece que el proyecto va tomando forma. El propio Clive Owen ha sido el encargado de despejar las dudas de los fans afirmado que el rodaje comenzará el año que viene, por lo que podemos suponer que hasta el 2011 no verá la luz en la gran pantalla.

Los contínuos retrasos de una nueva adaptación se han debido, sobre todo, a la cantidad de trabajo acumulado a la que se enfrenta el creador de la novela gráfica: Frank Miller. Después de codirigir junto a Robert Rodríguez la primera parte, se volvió a poner tras las cámaras, esta vez en solitario, para adaptar el cómic The Spirit de Will Eisner a la gran pantalla. Además también trabajó en 300, para la que debe escribir la segunda parte. Parece que no para.
Sin embargo, por fin podemos ver que algunos de sus proyectos toman forma. Sólo queda esperar que Sin City 2 esté a la altura de su predecesora.

Camino

2009-09-26T10:21:00.003+02:00

CALIFICACIÓN: ***

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Javier Fesser. Intérpretes: Nerea Camacho, Carmen Elías, Mariano Venancio, Manuela Vellés, Ana Gracia, Lola Casamayor. Guión: Javier Fesser. Fotografía: Alex Catalán. Música: Rafa Arnau & Mario Gosalvez. Nacionalidad: España, 2008. Duración: 143 min. Género: Drama.

La sutileza es una virtud que muy pocos directores saben aplicar a sus obras, algunos porque no quieren usarla para transmitir su mensaje y otros porque no son capaces. Numerosísimos son los ejemplos de películas que utilizan su tesis principal de manera secundaria, dedicando el tiempo del largometraje a contar una historia que, a priori, puede no tener una consciencia como obra total de sí misma pero que, ya con los créditos finales, nos descubre su auténtica razón de ser. Esto también lo agradece el espectador, que siente como la historia principal y el verdadero mensaje de la cinta han estado unidos durante toda su visualización, pero no es hasta el final cuando le queda completamente claro.
Parece que Javier Fesser no es pródigo en esta virtud y desde el primer minuto de Camino ya se puede adivinar su posicionamiento y el objetivo que pretender alcanzar, sin dejar lugar a la sorpresa durante el resto del metraje. Esto no tendría porqué ser un punto negativo si no fuese por la exageración de su utilización, reiterándose continuamente en la misma idea, pese a que al espectador ya le haya quedado claro desde el principio.
A pesar de esto cabe destacar su gran labor como director. Tras las singulares El Milagro de P.Tinto y La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón, tocaba dejar a un lado la comedia y pasar al drama. Como en sus anteriores obras, ha vuelto a demostrar un total dominio del género, sin verse superado en ningún momento de la historia, controlándola y guiando al espectador en cada momento. Aunque su idea de transmitir el mensaje no sea la más correcta, al menos no en esta película, sí que ha demostrado saber adaptarse a distintos géneros sin perder por ello ni una pizca de su personalidad.
Mención aparte también merece su trabajo con los actores, especialmente con Mariano Venancio, que parecía encasillado con el papel de Superintendente Vicente, pero que ha demostrado ser un grandísimo actor y deleitarnos con una actuación memorable. La debutante Nerea Camacho también tenía la difícil tarea de ser la protagonista en su primera película, y sobre todo debía interpretar un personaje que marca completamente el ritmo y que sirve de pilar para todo el relato. El resultado no ha podido ser más satisfactorio, por el que fue galardonada con el Goya a Mejor Actriz Revelación. El resto del reparto parecen escogidos perfectamente cada uno para su papel y tras los ya mencionados Mariano Venancio y Nerea Camacho, completa el trío protagonista la madre de ésta en la ficción: Carmen Elías. Su papel es, posiblemente, el más complicado en un principio puesto que no va a contar con el beneplácito del público. La interpretación de la madre ultrarreligiosa, que prioriza su fe ciega al bienestar e incluso a la vida de su propia hija, es magistral puesto que también la dota de una humanidad que tan fácilmente podría haber desaparecido de ella, convirtiéndola en un ser sin escrúpulos a la que no preocupa nada terrenal.
El guión, escrito por el propio Fesser también merece una mención especial, sobre todo por el trabajo de personajes, de todas las clases, que se dan en la historia. Nos encontramos con roles muy distintos: desde sacerdotes ultraconservadores a preadolescentes con las hormonas revolucionadas. Esto no sería muy significativo si no fuese porque cada uno de ellos está perfectamente caracterizado, de manera muy natural, sin caer en los clichés y estereotipos más convencionales. Con ello consigue un gran realismo desde el punto de vista del espectador mientras que con su estilo tan repetitivo ocurre todo lo contrario.
Además es muy interesante cómo se centra especialmente en los sentimientos de la protagonista, la pobre niña que sufre los efectos de las decisiones más extremistas con el único fin de captar adeptos a la causa. Ella se debate entre la muerte, cada vez más apremiante, y su primer amor, cada vez más lejano. Los pequeños intermedios en los que podemos ver los sueños de Camino, algunos sobre tétricos arcángeles que la reclaman y otros sobre su añorado príncipe azul, son capaces de demostrarnos los sentimientos de la niña mejor que en muchos diálogos.
Cuando la película vuelve de nuevo a la realidad, volvemos a encontrarnos con el mismo mensaje durante todo el metraje, con diálogos repetitivos y escenas excesivamente dramáticas, en algunos casos exageradamente, en busca de la lágrima fácil para conmover al espectador y para hacerle partícipe de forma evidente del mensaje que quiere transmitir.
Sin embargo, como decía al principio, existen otro tipo de instrumentos con los que podría llegar más fácilmente al público sin tener que caer en esas repeticiones que terminan por conseguir el efecto contrario.

Carlos Sanz

Por fin se estrena The Sky Crawlers

2009-09-25T16:03:00.004+02:00

Parecía que el estreno de la última película de Mamoru Oshii, mundialmente famoso por crear esa influyente obra de animación llamada Ghost In The Shell, iba quedar relegado al mercado del DVD, sin pasar antes por salas comerciales. Su primera aparición en la gran pantalla fue en el pasado Festival de Venecia y posteriormente en Sitges, donde se hizo con el Premio Especial del Jurado, el Premio de la Crítica Jose Luis Guarner y el galardón a Mejor Banda Sonora. Con ese palmarés, muchos podrían haber asegurado que se la podría disfrutar en las salas españolas, pero nada más lejos de la realidad.

Su distrubuidora en nuestro país, Selecta Visión, sólo ha comercializado dos copias, en formato digital: una en los Golem de Madrid y otra en los Casablanca de Barcelona.
Parece ser que en España no sólo no se promulga la buena animación aunque esté firmada por uno de sus mayores maestros como es Oshii, sino que sólo se comercializa como mercado de DVD, pese a los éxitos que ha cosechado la cinta.
Para los que les interese, la película supone la adaptación de las famosas novelas de título homónimo de Hiroshi Mori sobre las aventuras de unos jóvenes pilotos de aviones de guerra. Por supuesto todo ello empepado de las filosóficas reflexiones a las que nos tiene acostumbrados Oshii.

Distrito 9

2009-09-21T20:11:00.003+02:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Neill Blomkamp. Intérpretes: Sharlto Copley, Jason Cope, David James, Vanessa Haywood, Mandla Gaduka. Guión: Neill Blomkamp & Terri Tatchell. Fotografía: Trent Opaloch. Música: Clinton Shorter. Nacionalidad: Nueva Zelanda, 2009. Duración: 111 min. Género: Ciencia-Ficción.

Existen películas que abarcan tantos conceptos y pretenden transmitirnos tanta información que sólo tienen dos formas de hacerlo: con una metraje casi interminable o resumiendo algunas de sus partes que se consideren menos importantes y con menos peso dentro de la historia general. Guillermo del Toro se decantó por esta segunda opción en la segunda parte de Hellboy, cuyo principio narra una compleja historia mitológica que es de vital importancia conocer para entender el resto de la película, pero que se puede presentar de forma resumida para no comenzar con una narración infumable.
Con Distrito 9 ocurre algo muy similar. El principio de la cinta supone la presentación de la situación actual de la historia. Así se suceden una serie de escenas, a modo de reportaje de telediario, que nos muestran el origen del conflicto desde la llegada de los extraterrestres a nuestra planeta, su asentamiento, los problemas que ello supuso con las poblaciones humanas colindantes y los distintos altercados que se han dado. De esta manera nos encontramos con que los aliens llevan ya 20 años sobreviviendo en un gueto a las afueras de Johannesburgo, donde se encuentra la nave nodriza. En todo este tiempo han sucedido numerosos conflictos con los extraterrestres, aparición de asociaciones a favor y en contra de ellos y, sobre todo, la aparición de un racismo que cada vez se hace más patente en la sociedad.
Los planos de la nave, de la violencia y de la vida en el gueto, se alternan con declaraciones de especialistas en la materia, que sirven para introducirnos rápidamente todo este complejo entramado inicial que sirve de punto de partida para el espectador. El ritmo que marca esta introducción es de una agilidad que se mantendrá durante el resto del metraje, sin decaer en ningún momento y con cortes de gran naturalidad. Y es precisamente esta forma tan espontánea de cortar planos cuando uno de los personajes está hablando o situaciones en las que el cámara se debe poner a cubierto, que impregnan a la cinta de un estilo muy documental. Hay que aclarar que no nos encontramos con una película del tipo “cámara en mano” al estilo de Rec o Diary Of The Dead: aquí se pretende buscar la naturalidad alternando este recurso con las entrevistas, fragmentos de noticias o debates televisivos.
¿Pero cómo se puede hablar en términos de “documental” o “natural” de una película donde la mayoría del metraje está poblado de extraterrestres? Es evidente que no podemos tratarla como una historia calificada como real o que pudiera suceder actualmente, pero es precisamente ese inicio tan arrollador el que absorbe al espectador y le hace partícipe de una historia sin que se pregunte si puede ser realidad o no. Sin duda esa debió ser una de las principales dificultades con que se encontró Neill Blomkamp cuando se tuvo que enfrentar a la historia, puesto que en principio es muy difícil conseguir transmitir una historia tan irreal de manera tan natural. Aunque se trata de su ópera prima como director (la mayoría de sus trabajos anteriores estaban centrados en los efectos especiales) ha conseguido elaborar una cinta bastante compleja, que destaca especialmente por su apartado técnico y con una historia bastante novedosa.
Sin embargo el guión no sólo destaca por el argumento general del que trata la cinta. No habla sólo de la marginación que sufren los extraterrestres por los seres humanos simplemente por el hecho de ser distintos, también nos exponen la relación entre un alien y un humano que deben aparcar sus diferencias y colaborar por un fin común que es su supervivencia. Es cierto que la psicología de los personajes no está muy trabajada en ninguno de los casos y que sin duda esto podía haber sido un aliciente interesante en la historia, sin embargo sí que hace especial hincapié en esta extraña interactuación entre dos seres en principio tan diferentes pero con objetivos muy similares.
Y digo en principio porque si algo quiere mostrarnos la cinta es que los prejuicios son fatales para las relaciones humanas (y extraterrestres). La película nos demuestra que la sociedad actual está tan influenciada por los medios de comunicación, con una mentalidad tan prejuiciada con respecto a lo extraño que se piensa que todo lo desconocido es malo. Es realmente interesante observar, a partir de la película, como los comentarios que hacen los “especialistas”, supuestos conocedores del tema que tanto han investigado, demuestran que en realidad no son tan eruditos en el asunto, sino que se basan en suposiciones propias o en las de otros que tampoco han tomado la información de primera mano o que, en el caso de que lo hayan hecho, la han reinterpretado con total arbitrariedad. Eso demuestra una total desinformación que, a través del filtro de los medios de comunicación, llega a todo el mundo trasladándolos sus prejuicios racistas.
La ausencia de conocimientos sobre los seres extraños hace que los humanos les utilicen despiadadamente: cuando quieren algo de ellos los chantajean y cuando no les son útiles se olvidan de ellos. El protagonista es uno de ellos, puesto que es un alto cargo del gobierno encargado de la supervisión del gueto y por lo tanto uno de los que trata más a menudo con los extraterrestres. En sus primeras intervenciones se muestra como una persona tímida con los humanos pero implacable con los aliens, humillándolos y chantajeándolos para conseguir lo que quiere, puesto que para él no le merecen ningún respeto. Sin embargo la historia cambia y se ve obligado a convivir con ellos y, por lo tanto, a conocerles mejor. Este es un punto interesante porque en algunas películas, el arco de transformación del personaje se produce de manera brusca, algo que el espectador no puede entender como algo natural que pueda suceder en realidad, sino que aquí se da de manera paulatina y mucho más lentamente.
Por eso el protagonista acaba realizando acciones que en principio ni él mismo hubiera imaginado: es una bonita metáfora de cómo una persona debe sacrificarse por el bien común, pese a que sea contrario a sus pensamientos.

Carlos Sanz

Edición especial de Ponyo en el Acantilado (sólo en Japón)

2009-09-17T00:06:00.006+02:00

Que el Studio Ghibli y todo su equipo, con Miyazaki a la cabeza, aman el cine es algo que todos tenemos muy claro. No sólo por las numerosas obras de arte que han llevado a la gran pantalla si no porque también han buscado trasladar toda su infinita imaginación fuera de la sala de cine hasta parques y edificios de Japón. Así nació el Museo Ghibli.
Ahora nos vuelven a asombrar con motivo de la aparición de la edición especial japonesa en Blu-Ray de Ponyo en el Acantilado. Aunque no se pondrá a la venta hasta el 8 de Diciembre, ya han trascendido algunos datos: contendrá un documental de ¡¡12 horas!! sobre cómo se hizo la película, aparte de un disco con el concierto que dio Joe Hisaishi en la conmemoración del 25 aniversario de sus colaboraciones con Miyazaki, donde interpretó algunas de las mejores bandas sonoras que escribió para sus películas. En principio su precio rondará los 18.480 yenes, unos 139€.

Para poder disfrutar de la última película de Miyazaki en nuestro país tendremos que esperar hasta el 28 de Octubre, cuando se pone a la venta el DVD, y hasta principios de 2010 para la edición en Blu-Ray.

Trust

2009-06-03T13:07:00.002+02:00

CALIFICACIÓN: ***

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Hal Hartley. Intérpretes: Martin Donovan, Adrienne Shelly, Merritt Nelson, John MacKay, Edie Falco, Karen Sillas. Guión: Hal Hartley. Fotografía: Michael Spiller . Música: Phil Red. Nacionalidad: USA, 1990. Duración: 107 min. Género: Comedia dramática.

La posmodernidad es un término que se utiliza para clasificar, de manera general, la situación artística y cultural que surgió tras la Segunda Guerra Mundial. Con él se pretendía calificar esa ruptura con todo lo anterior, con el modernismo, y las nuevas facetas culturales que surgían durante la segunda mitad del siglo XX. El término se puede aplicar a prácticamente todos los ámbitos artísticos, desde la arquitectura hasta la literatura o la filosofía. Por supuesto, el cine también se vio influenciado por esta nueva corriente, adoptando distintos elementos a su propia forma de ser.
En el séptimo arte se produjo una ruptura bastante significativa con todo lo anterior. Los patrones que marcó el clasicismo hollywoodiense no cayeron en desuso, pero sí se realizaron proyectos paralelos que no estaban marcados por el estilo clásico y que permitían crear historias sobre personajes que no tenían mucha relación con los prototipos que se dieron en el clasicismo.
Una película paradigmática del posmodernismo es Trust, la quinta obra del director independiente Hal Hartley. En ella podemos encontrar gran mayoría de los elementos que caracterizan este movimiento, desde la casualidad como motor de la historia, hasta la minimalista puesta en escena, que sólo muestra a los actores en planos cortos.
En el comienzo de la película ya nos damos cuenta de lo impactante de la historia: tras los primeros créditos y con un corte directo, sin ningún tipo de fundido en negro, se nos muestra un primer plano de la protagonista maquillándose, y lo primero que tiene que decir es que le den 5 dólares. La introducción directa en la historia, que obliga al espectador a mantenerse atento a la película desde el primer momento, está completamente alejado de esas introducciones clásicas con fundidos y movimientos de grúa para situarnos en la casa, la tienda, o cualquier otro escenario donde va a tener lugar la primera escena. Aquí no importa el tiempo ni el lugar: lo principal son los personajes, sus sentimientos, sus decisiones y sus motivos.
En contraposición del clasicismo, los personajes son seres sin objetivos, abocados a las crisis personales y sin metas por las que tengan que luchar. Viven el día a día, sin importarles el futuro ni el pasado: el presente es lo único que les importa. Ellos son el centro de la historia, especialmente la pareja protagonista: la insostenible situación familiar en la que se encuentran, los obstáculos que deben superar, etc.
Es una vida impuesta, que no desean pero de la que tampoco pueden escapar. Es muy interesante cómo Maria, al comienzo de la película, tiene muy claro cómo va a ser su futuro: se casará con el capitán del equipo de fútbol que la ha dejado embarazada, que trabajará con su padre y ganarán mucho dinero. Sin embargo, cuando el quarterback pone fin a todos esos sueños, ella se da cuenta de que es prácticamente imposible salir de la situación en la que se encuentra. No es suficiente con soñar un futuro ideal, la cruda realidad siempre se impondrá y romperá esos deseos. A partir de aquí se produce en giro de 180 grados en su concepción de la vida y de lo que va a hacer con ella: al principio es una joven despreocupada que sólo piensa en disfrutar del momento, sin importarle su familia u otras personas, sólo ella misma. Sin embargo ante esta nueva situación y la muerte de su padre decide sentar la cabeza y buscar un trabajo.
Algo muy similar le ocurre a Matthew, que forma el dúo protagonista junto a Maria. El trabajo es una imposición familiar, se ve obligado a trabajar ya sea por el intento de integrarse en la sociedad de producción a la que, al menos en su interior, no quiere pertenecer, o por el deseo de alejarse de la vida familiar que tiene en casa de su padre. Los protagonistas no se presentan como seres sociables, que disfruten de un sinfín de amigos y extrovertidos, la soledad marca sus vidas y la única compañía que tienen al principio es la de sus familias, que por otro lado hacen de su existencia un continuo sufrimiento. Son seres muy alejados de ese ideal clásico de personajes que entablan conversación con cualquier persona que aparezca en pantalla, que siempre son bien recibidos al lugar adonde vayan y que se muestren felices por toda esa interrelación con sus semejantes. Aquí lo que predomina es el aislamiento social, la introversión de los sentimientos, que por un momento se quiebra por el encuentro casual de los dos protagonistas.
La casualidad también es un elemento clave, además de en esta película, del posmodernismo. Los hechos que ocurren no tienen un porqué, simplemente suceden. Así se yuxtaponen unos con otros, generando una historia plagada de casualidades que marcan los efectos posteriores de las decisiones y de los hechos que acontecen. Un ejemplo muy claro es la escena donde se conocen los dos protagonistas: ella se acaba de escapar de su casa y se refugia en otra abandonada donde, casualmente, aparece Matthew que la da un techo y una cama donde dormir y pasar la noche. Situaciones como esta, que marcarán el desarrollo de la historia de manera capital, se resuelven por el azar, sin ningún tipo de motivo que pueda dar sentido a lo que ocurre. La búsqueda del realismo es lo que conlleva la aparición de estas casualidades, que marcan los caminos en la vida real y que por lo tanto también lo hacen en la ficción.
El realismo, el azar o los personajes que viven su vida sin objetivos por los que luchar, son constantes del posmodernismo y Trust, como paradigma de este movimiento, sabe adoptarlas e introducirlas en la historia de estos dos protagonistas tan desorientados con su vida.

Carlos Sanz

Revolutionary Road

2009-03-20T15:52:00.003+01:00

CALIFICACIÓN: ***

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Sam Mendes. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates, Michael Shannon, Kathryn Hahn, David Harbour. Guión: Justin Haythe. Fotografía: Roger Deakins. Música: Thomas Newman. Nacionalidad: USA, 2008. Duración: 119 min. Género: Drama romántico.

Pocos directores pueden alardear de contar con una ópera prima como American Beauty. Sam Mendes, después de su exitoso pasado como director teatral, se pasó a la realización cinematográfica con unos resultados asombrosos, dejándonos una de las mejores cintas de principios de nuestro siglo.
Pese a que su siguiente cinta, Camino a la Perdición, que no alcanzó el nivel de su predecesora pero que también es digna de mencionarse, parece que el director quiere volver a sus orígenes. Y lo hace sin ningún tipo de tapujos.
Por supuesto, siempre hay salvedades entre su ópera prima y la que nos ocupa, como que están ambientadas en distintas épocas de la historia americana contemporánea y con personajes de edades distintas, o que Revolutionary Road persigue un tono más dramático, más crudo, que se aleja de ese humor irónico que predominaba en American Beauty.
Sin embargo en las dos se muestra (y se demuestra) que existe una cara oculta del famoso American Way of Life: las familias perfectas con hijos angelicales que disfrutan de una vida llena de felicidad sin ningún tipo de problemas. Son familias a las que todo les va bien: los padres no tienen problemas en el trabajo y los niños sólo piensan en sacar buenas notas y portarse bien, y todos viven en grandes casas con enormes jardines para que sus hijos jueguen sin preocuparse de nada.
Aquí Mendes nos quiere enseñar los cimientos que sostienen esas fachadas impolutas, que aguantan como pueden durante un tiempo, pero que finalmente tienen que ceder. Se basa en el matrimonio de Winslet y DiCaprio (una de las bazas publicitarias de la película fue ver de nuevo a la pareja junta tras Titanic), un joven matrimonio que se muda a las afueras de la ciudad durante los famosos años 50, en los que se produjo este boom de trasladarse a barrios residenciales para crear una familia.
La película nos presenta a los Wheeler cuando se conocen, que en su juventud sólo piensan en disfrutar de la vida y en saborear cada segundo, sin que ningún tipo de obligaciones les ponga trabas a sus sueños. Pero pronto se dan cuenta de que lo que ellos quieran, no será lo que vivan: los pensamientos bohemios de vivir en París, el deseo de Winslet de ser actriz, pronto se ven truncados por la búsqueda de trabajo, de una hipoteca, y de unos hijos que deben mantener.
Ya desde el primer momento el espectador se puede dar cuenta de que ese matrimonio no funciona. Se producen dos espacios claramente diferenciados: cuando están en público y cuando se encuentran en privado. Las emociones, los sentimientos y sobre todo las conversaciones se ven condicionadas dependiendo del espacio en el que se encuentren los protagonistas, algo que repite el director hasta la saciedad. Continuamente nos muestra discusiones entre ellos, diálogos que comienzan con un tono clamado pero en los que progresivamente van introduciendo hechos que se han estado guardando durante mucho tiempo y que finalmente deben salir a la luz y explotar.
Así entramos en una continua espiral de este tipo de conversaciones, algunas con su razón de ser, pero otras parece que la única intención que tienen es demostrar que ese matrimonio no anda bien, algo que nos queda claro desde el primer momento.
Y nos queda claro desde los primeros instantes porque ya al principio nos muestra sus discusiones: la que se produce en el arcén de la carretera, y que es la más natural de todas, quizá porque es la primera que vemos y a las ya nos “acostumbra”.
Esto, a grandes rasgos, se da porque ninguno de los dos está contento con la vida que lleva, aunque cada uno de ellos tiene posturas diferentes al respecto: mientras que ella lucha por intentar cambiar la situación para salir de esa vida que no ha elegido, él se muestra demasiado cobarde y continuamente se echa para atrás ante las reiteradas acometidas de Winslet.
Sin embargo, hay un punto que cabe destacar de la película: su gran reparto. Aquí Mendes vuelve a demostrar su pasado de director de actores, definiendo a cada uno de ellos y restringiéndolos a sus cometidos. No sólo la pareja principal están sublimes, también los secundarios. El caso de Kathy Bates no nos debería sorprender a estas alturas: a lo largo de su carrera ha demostrado su saber hacer tanto en personajes principales (Misery) como en secundarios (A Propósito de Schmidt).
La interpretación que realmente sorprende y que cabe destacar por encima de las demás es la de Michael Shannon como hijo “loco” de Bates. Y lo digo entre comillas porque en realidad es que el está más cuerdo de todos los presentes: el único que se atreve a decir la verdad y a expresar lo que todos piensan. La idea de sólo poder hablar de lo políticamente correcto, que conlleva a los demás personajes a interiorizar sus sentimientos en público prefiriendo guardárselos a exteriorizarlos, Shannon se la salta completamente y no tiene ningún reparo en demostrar al joven matrimonio cuáles son sus problemas.
Después de todo esto ¿se podría hablar de Revolutionary Road como una “segunda parte” de American Beauty? Lo que sí está claro es que las dos cintas persiguen las mismas intenciones, aunque no utilicen los mismos caminos para conseguirlos.
Sin embargo prefiero quedarme con unas declaraciones de DiCaprio a propósito de la cinta y con relación al “morbo” de ver a la pareja de Titanic juntos en la pantalla 11 años después: “¿Qué hubiera sucedido si, tras del naufragio del Titanic, Rose y Jack se hubieran casado, formado una familia y desenamorado paulatinamente el uno del otro? Pues de eso trata Revolutionary Road.”

Carlos Sanz

Gran Torino

2009-02-25T13:46:00.005+01:00

CALIFICACIÓN: *****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Clint Eastwood. Intérpretes: Clint Eastwood, Cory Hardrict, Geraldine Hughes, Brian Haley, Dreama Walker, Brian Howe. Guión: Nick Schenk. Fotografía: Tom Stern. Música: Kyle Eastwood & Michael Stevens. Nacionalidad: USA, 2008. Duración: 116 min. Género: Drama.

¿Cómo sería Harry el Sucio si tuviera 75 años?¿Qué sería de “el Manco” o de “el Rubio” si ya tuviera nieto? En la última película de Eastwood, Gran Torino, parece que el director intenta personificar estas cuestiones en el cuerpo de Walt Kowalski, un veterano de la Guerra de Corea que se encuentra en un mundo muy distinto al que vivió durante su juventud, con un panorama que le resulta desolador y del que aprecia ningún punto positivo.
En la primera escena, que narra el funeral de la esposa de Walt, Eastwood nos presenta perfectamente a su protagonista como el paradigma de hombre anclado en los valores tradicionales, que cree en el trabajo duro y en la modestia. ¿Quién no tiene un abuelo o abuela que se escandaliza al ver las vestimentas de las nuevas generaciones? Esto mismo es lo que le ocurre a Walt cuando observa a su nieta, exteriorizándolo con ese gruñido patentado por Eastwood.
Pero el protagonista no sólo representa a un anciano que no es capaz de aceptar los nuevos tiempos, que no puede entender como su tradición ha dado paso a algo tan alejado de lo que él cree: también simboliza la propia historia de los Estados Unidos desde un punto de vista más conservador. Ese conservadurismo tan arraigado en algunas zonas de Norteamérica, ha estado muy presente a lo largo del pasado siglo en la potencia americana, y por lo tanto dentro de su sociedad y de su cultura. El pensamiento conservador de parte del país estadounidense choca frontalmente con las nuevas generaciones que vienen, mucho más libertinas, a las que deben aceptar aunque no las compartan. Así, Eastwood acomoda a su protagonista en un vecindario tradicionalmente habitado por estadounidenses que poco a poco, debido a la inmigración asiática, dejan sus viviendas que adquieren los extranjeros. Por ello podríamos decir que Walt se encuentra aislado en su propio vecindario, sobre todo tras la muerte de su esposa que era la única que le mantenía unido a una tradición que ahora parece haber desaparecido completamente. Parece que esta situación le llega por sorpresa: no se da cuenta de cómo ha cambiado el vecindario hasta que no tiene a nadie que comparta su ideología. Antes había vivido en su propia casa sin tener cuentas con el mundo exterior pero ahora se ve obligado a conocer la realidad y aceptarla, aunque al principio la deteste. Aunque Eastwood se centra explícitamente en la situación norteamericana y su inmigración, este tema se podría extrapolar a cualquier otro país desarrollado del mundo.
A lo largo de la película se van sucediendo las escenas donde su soledad le llevan, obligatoriamente, a tomar contacto con la familia asiática que vive en la casa de al lado. Aunque al principio se opone completamente paulatinamente lo acepta puesto que, como él mismo dice: “podría beber con extraños, que es mejor que hacerlo solo”.
A partir de ahí va descubriendo que todo en lo que creía y que defendía a ultranza no puede sostenerse: “tengo más cosas en común con estos amarillos que con mi propia familia”. Para éstos últimos sólo parece existir cuando le quieren pedir algo o cuando necesitan su ayuda. Sus hijos le ven como un anciano que no puede valerse por si mismo al que hay que llevar a una residencia para vender su casa y repartirse el dinero, mientras que sus nietos sólo son amables con el para conseguir sus pertenencias, como el Gran Torino del 72. Desde el principio Walt está descontento con esta situación y parece que con no tener contacto con ellos podría sobrellevarlo. Sin embargo, con el fallecimiento de su esposa, se encuentra solo y a su familia no puede acudir, por lo que encuentra refugio en los extranjeros a los que tanto odia.
Éstos también se encuentran anclados en unos valores muy tradicionales, con numerosos ritos y ceremonias, supersticiones y creencias. Las nuevas generaciones de los Hmong tampoco se encuentran a gusto con sus costumbres ancestrales, y ven en las de Walt una vía de escape: aunque él también es “de la vieja escuela”, es estadounidense, algo con suficiente fuerza para los jóvenes asiáticos como para poder alejarse de sus tradiciones.
Pese a un tema tan delicado de la película como es la inmigración en los países desarrollados y su impacto sociocultural, Eastwood sabe cómo tratarlo perfectamente desde un punto de vista objetivo. Los prejuicios que mantiene el protagonista el principio de la cinta son sólo el primer paso de la evolución que sufre a lo largo de la película, pero con los que el director no se obsesiona demasiado. En las primeras escenas Walt piensa en los extranjeros como personas que deberían haberse quedado en su país, que no tenían que haber llegado a su vecindario. Paulatinamente, según los va conociendo y descubriendo los elementos que tiene en común con ellos, también se da cuenta que son ellos los que más aportan a su país, los que trabajan más duro y los que más luchan por salir adelante. En referencia a esto, la escena en que Thao está reparando la casa que se encuentra enfrente a la de Walt, demuestra que son ellos los que “limpian” la sociedad, los que trabajan duramente mientras que nosotros sólo lo disfrutamos.
Eastwood demuestra, una vez más, por qué se encuentra en el panteón de los más grandes genios del séptimo arte. Ha conseguido elaborar una historia de temas complejos, a los que sabe tratar perfectamente. Pese a la tendencia que tiene por subrayar algunos referentes, como las continuas alusiones que hace Walt a la Guerra de Corea, el director consigue una obra redonda, que demuestra que todavía nos queda Eastwood para rato. Como apunte, también hay que decir que no sólo produce y dirige la cinta, sino que también escribió la canción que aparece en los créditos finales: “Gran Torino”.
Clint Eastwood no sólo ha resucitado a Harry el Sucio o a “el Manco”, también ha demostrado que hasta ellos tienen su pequeño corazoncito y que saben demostrarlo: no todo se arregla a tiros sino que existen mejores soluciones para que los malos paguen sus fechorías, como nos demuestra el final.

Carlos Sanz

Léolo

2009-02-19T14:08:00.003+01:00

CALIFICACIÓN: ***

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Jean-Claude Lauzon. Intérpretes: Maxime Collin, Gilbert Sicotte, Ginette Reno, Julien Guiomar, Giuditta del Vecchio. Guión: Jean-Claude Lauzon. Fotografía: Guy Dufaux. Música: Richard Gregoire. Nacionalidad: Canadá, 1992. Duración: 107 min. Género: Drama.

La película trata la historia de Léolo, un niño que vive en un barrio pobre de Montreal con su excéntrica familia. Cada uno de ellos convive con sus fantasmas interiores, unos más que otros, mientras que el protagonista utiliza su imaginación para evadirse de esa realidad impuesta. Es un ser que no ha elegido vivir ahí, que se encuentra muy alejado de donde realmente quisiera estar, pero que no puede huir, al menos no físicamente.
Su imaginación, sus textos y el único libro que encuentra en casa y que puede leer, le sirven como trampolín para escapar fuera de esa realidad que odia pero que debe aceptar. Esos escritos sirven a la historia como hilo conductor, unido a otro de los personajes capitales de la película: el domador de versos.
Se trata de un hombre que se dedica a rastrear las basuras ajenas buscando cualquier cosa que pueda considerar artística, como una fotografía o un texto. Por eso cuando encuentra los escritos de Léolo, no puede evitar mostrar un gran interés por ellos, y por lo tanto por el propio niño: sus frases son sinceras, plasman lo que realmente siente, pero que no puede decir a nadie de su entorno porque no le entenderían. Ese genio encerrado fascina al domador de versos y nos permite conocer la historia.
Su desarrollo es muy peculiar puesto que no se da un orden cronológico que narre los hechos, los cuales sólo conocemos por los textos de Léolo. El tiempo se fracciona, y se encadenan las escenas sin ningún tipo de orden ni de explicación del momento en el que nos encontramos: parece como si se hubiera rodado la historia cronológicamente y en la sala de montaje se hayan puesto al azar las distintas escenas. Esto es, por otro lado, una manera de trabajar muy propia de otros cineastas como Takeshi Kitano.
Este (des)orden puede estar provocado por el propio domador de versos que nos muestra la historia, puesto que él no la narra, según descubre nuevos escritos del niño. Así se suceden las escenas sin ningún tipo de explicación aparente, puesto que tampoco sirven a temas que se desarrollen en varias secuencias, sino que cada una trata una pequeña historia dentro del argumento general. El collage que se genera a partir de estas pequeñas situaciones es lo que conforma el producto final.
¿Por qué seguir este orden en vez de desarrollar la historia de forma cronológica? Se puede pensar que se debe al azar, o que no persigue una finalidad concreta, sin embargo en el cine no existe nada casual. Esa utilización del tiempo puede estar regida por la voluntad de querer contar la historia tal y como la va descubriendo el domador, para conseguir que tanto él como el espectador no sepa cuál va a ser la siguiente situación con la que se va a encontrar. Sin embargo, en los planos finales, el domador se encuentra en una especie de oscura biblioteca donde guarda todos los “tesoros” que ha encontrado en las basuras ajenas y, por lo tanto, los escritos de Léolo. Así que, puesto que ya los tiene todos ¿por qué no leerlos en orden? Cada uno puede tener su propia visión del tema pero, personalmente, pienso que la intención de esto es mostrar la historia al espectador tal y como la vivió el niño: una vida sin orden, donde los pensamientos se amontonan en su cabeza y donde las situaciones se suceden ajenas a sus deseos.
Decía antes que el domador de versos nos muestra la historia pero no la narra. Podemos escuchar una voz en off que describe lo que supuestamente está escrito en los textos de Léolo, y que lo más lógico sería pensar que se trata la voz del domador. Sin embargo, cuando éste habla, se pueden distinguir distintas tonalidades de voz, por lo que no se trata de la misma persona. ¿Puede ser que se refiera a la voz interior del niño que habla a la vez que éste escribe? Sería la explicación más razonable puesto que sólo Léolo y el domador han leído los textos, así que si no es la voz de uno debe ser la de el otro.
Después de todo esto, sólo cabe destacar cómo Lauzon consigue alterar el tiempo narrativo de forma tan significativa pero sin que afecte a la coherencia del relato. Pese a que en la mayoría de las escenas no podemos aclarar en qué momento cronológico exacto nos encontramos, la película no pierde ni un ápice de sentido.

Carlos Sanz

Slumdog Millionaire

2009-02-16T23:53:00.004+01:00

CALIFICACIÓN: *****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Danny Boyle & Loveleen Tandan. Intérpretes: Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor, Irrfan Khan, Mia Drake. Guión: Simon Beaufoy. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Música: A.R. Rahman. Nacionalidad: Gran Bretaña & USA, 2008. Duración: 120 min. Género: Drama romántico.

Slumdog Millionaire es la película que más premios se ha llevado en la Historia en su carrera a los Oscars. Entre ellos se cuentan el Globo de Oro, el BAFTA, el que concede la Asociación de Críticos Cinematográficos de Radio, Televisión e Internet, y un largo etcétera. Pero no sólo ha triunfado en las candidaturas a Mejor Película: su director, Danny Boyle, también ha recibido la mayoría de premios a los que ha optado, convirtiéndose en un claro favorito para llevarse la famosa estatuilla dorada el próximo día 22.
Cuando uno observa esa larga lista de galardones, no puede evitar preguntarse qué tiene esta cinta que la hace arrasar en cualquier entrega de premios a los que esté nominada. La respuesta sólo se puede conseguir tras verla, y no puede ser más elocuente su contestación.
Slumdog Millionaire cuenta la historia de Jamal Malik, un adolescente de clase baja casi analfabeto que concursa en el famoso programa de televisión “¿Quieres ser Millonario?” y que, para sorpresa de todo el mundo, consigue acertar las preguntas y llegar hasta la última de todas. Así, los miembros del programa encuentran muy sospechosa esta situación y la única explicación razonable que se les ocurre es que el chico tenía una ayuda externa. A partir de ahí comienza una historia que va más allá del programa, incluso más que la vida del propio protagonista: nos sumergimos en los barrios más pobres de Bombay para acompañar, desde su infancia hasta la actualidad, a Jamal y a su hermano Salim en su lucha por salir de su barrio chabolista y alcanzar una vida mejor.
Con ello se suceden toda una serie de escenas que podrían estar sacadas perfectamente de una novela de Dickens, pero que Boyle sabe adaptar perfectamente al mundo oriental, y concretamente a la cultura india. El afán de supervivencia, de sobreponerse a cualquier dificultad que les surja, de mirar siempre adelante y de hacerse en un hueco en un mundo donde los niños son completamente marginados son las principales vivencias en esa etapa de su infancia. Etapa que les hará madurar y que les enseñará cosas muy valiosas para su futuro, especialmente a Jamal durante el concurso.
La estructura de constantes flashbacks, aunque pueda parecer algo confusa en principio, se convierte en algo perfectamente coherente, guiando al espectador de manera magistral sin dejar que se pierda. Estas revisiones a hechos pasados siguen un orden cronológico que está estrechamente relacionado con las preguntas que debe contestar el protagonista para avanzar en el concurso. Pero después de observar estas similitudes es casi obligado preguntarse: ¿las respuestas le sirven para avanzar en el programa o para hacerlo en la vida?¿No deberíamos hablar de que la historia pretende transmitirnos la idea de que si eliges la respuesta incorrecta en la vida serás eliminado antes?
Esta premisa se ve reforzada por la meta que le marcan esos dos caminos en su vida: por un lado el premio de 20 millones de rupias y por el otro la chica a la que siempre ha amado y con la que siempre ha querido estar. Cada una de las respuestas acertadas, y de las decisiones correctas, le llevan a estar más cerca de esos objetivos.
Tampoco deja de ser un poco paradójico que durante su infancia están luchando por conseguir un par de monedas, creyendo que con el dinero podrán alcanzar la felicidad y salir del barrio pobre en el que viven. Pero cuando Jamal consigue los 10 millones de rupias, se demuestra que es incluso más infeliz que cuando era niño, porque creen que ha hecho trampas: le torturan para que confiese su modus operandi y ni con todo el dinero que tiene puede librarse de ese sufrimiento.
Pese a que el reparto no es uno de los puntos fuertes de la película, la magistral dirección que realiza Danny Boyle de ellos, jugando sobre todo con las emociones y con sus sentimientos dentro de todo tipo de situaciones, sustentan a la película por sí mismos. Si a esto le unimos el gran trabajo de guión que ha realizado Simon Beaufoy a partir de la novela Q & A de Vikas Swarup, no podemos menos que hablar de una película redonda.
Mención aparte merece la Banda Sonora, con unas canciones (dos de ellas optan al Oscar) que saben adaptarse perfectamente a las situaciones a las que acompañan. La música electrónica predominante se conjuga con instrumentos indios que no desentonan con las imágenes.
Como decía al principio, la innumerable lista de premios que han obtenido tanto la película como su director, nos hace pensar que estamos ante una de las claras favoritas para la próxima entrega de los Oscars. Por eso, después de disfrutarla en una sala de cine, uno ya no puede albergar ninguna duda de que lo es.

Carlos Sanz

Deseando Amar (In The Mood For Love)

2009-01-15T13:32:00.002+01:00

CALIFICACIÓN: *****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Wong Kar-Wai. Intérpretes: Tony Leung, Maggie Cheung, Rebecca Pan, Liu Chum, Siu Ping-Lam, Chin Chi-Ang. Guión: Wong Kar-Wai. Fotografía: Christopher Doyle & Mark Li Ping-Bing. Música: Michael Galasso. Nacionalidad: Hong Kong, 2000. Duración: 95 min. Género: Drama romántico.

Wong Kar-Wai siempre ha utilizado a lo largo de su filmografía el amor como el elemento que condiciona a sus personajes y que les lleva a realizar unas acciones u otras. Siempre se encuentran subordinados a él. Sin embargo no hablamos de ese sentimiento tal y como estamos acostumbrados a verlo en otras películas románticas, sino todo lo contrario: el director crea historias donde sus protagonistas están obligados a convivir con unos sentimientos que no han elegido, que nacen de forma independiente a su razón pero que deben sostener y sobrellevar de la mejor forma posible.
En In The Mood For Love ocurre lo mismo. El propio título nos demuestra esas intenciones, como si Kar-Wai mostrara sus cartas antes incluso de que empiece la película: la pareja protagonista “desea amar” pero no llegan a dar el paso definitivo, no quieren, y no porque no puedan sino porque ambos saben que si llegan a consumar ese sentimiento todo cambiará, ya no se podría llamar amor.
Sin embargo, lo mejor de la cinta no es lo que se cuenta, sino el cómo se cuenta. El director, que siempre ha sabido potenciar la expresividad de sus filmes como por ejemplo en Happy Together (1997), consigue elevar este recurso a su máxima potencia, entrando en un juego de miradas, ideas que se deben leer entre líneas, situaciones cotidianas pero con un significado escondido que nos aportan mucho más que otras situaciones más específicas.
En ella es más importante lo que no se muestra al espectador que lo que sí aparece en pantalla. Como si se hubiera rodado toda la historia de manera tradicional y se hubieran eliminado las escenas más importantes, o al menos las que el espectador desea ver.
Esto se observa sobre todo en el uso de fuera de campo. Las parejas de los protagonistas no aparecen nítidamente en ningún momento, aunque estén tomando parte en una conversación: el director sabe que existen y que forman una parte activa en el destino del dúo protagonista, pero prefiere centrarse en éstos, aislándolos del resto del mundo. Es muy significativo observar como en este tipo de conversaciones Tony Leung o Maggie Cheung dialogan con otros personajes que sólo sabemos que están ahí porque oímos su voz, no porque los veamos. Con ello Kar-Wai consigue que el espectador sólo se identifique con los sentimientos de los protagonistas, cuyos estados afectivos nacen de ellos mismos, de su interior, no del mundo que les rodea, puesto que están aislados de él. Se podría decir que generan su propio mundo y ese es el único que importa.
A esto contribuye enormemente en uso de los espejos en las distintas escenas. Con ellos consigue introducir a los actores dentro de el plano aunque se encuentren fuera de él, como si en ese momento estuvieran físicamente en la escena pero en realidad su pensamiento y sus sentimientos se hallan muy lejos de allí. Este magistral juego con los espejos y cristales es un recurso muy frecuente en su filmografía, no sólo para mostrar a los personajes reflejados, sino para observarlos a través de ellos, como un voyeur que mira a través de una ventana a su objetivo.
El tema de que es más importante lo que no se muestra al espectador que lo que podemos ver se puede apreciar incluso en las conversaciones de los protagonistas. Sus diálogos suelen girar en torno a hechos que han ocurrido, pero que en vez de conocerlos porque el director nos los ha mostrado, lo hacemos porque uno de los dos saca el tema en un momento aparentemente fortuito. ¿Acaso es más importante esa escena donde hablan de algo que ha ocurrido que el propio hecho acontecido?¿Por qué prefiere Kar-Wai mostrarnos ese diálogo donde se narra el suceso al propio suceso? Parece que el director lo que pretende es, aparte que el espectador no sea ese ente omnipresente que debe saberlo todo sino que trabaje su imaginación, mostrarnos las reacciones de los protagonistas a ese suceso, como les ha afectado pasado un tiempo en el que han podido sacar sus conclusiones del mismo. Esos sentimientos, los gestos y las miradas que se producen tienen mucho más valor para Kar-Wai que los que podían haber realizado en el momento de la escena que se narra puesto que son más viscerales, más profundos y estudiados que los que pueden acontecer de forma imprevista.
El aislamiento al que se ven sometidos los protagonistas se observa sobre todo en la puesta en escena. El espacio en el que se mueven siempre suele ser claustrofóbico, en sitios cerrados y estrechos, como pasillos o habitaciones. Las pocas escenas rodadas en exteriores, cuando los dos van caminando o cuando alguno de ellos va a comprar comida, también nos muestran callejones que comprimen el espacio y oprimen a los protagonistas. La sensación de que no pueden escapar de esas callejuelas es un símbolo de que tampoco pueden escapar de sus propios sentimientos, por mucho que intenten negarlos.
Por todo ello, es mucho más interesante apreciar esta películas desde una óptica mucho más visceral, analizando los detalles y apreciando cada uno de los elementos que aparezcan en pantalla, todos ellos perfectamente estudiados. Kar-Wai demostró con esta película que no deja nada al azar y que, pese a estar trabajando con algo tan complejo como el amor de una pareja, sabía perfectamente lo que quería y lo ha logrado con creces.

Carlos Sanz

Let The Right One In

2008-12-22T18:03:00.002+01:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Tomas Alfredson. Intérpretes: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, Karin Bergquist, Peter Carlberg. Guión: John Ajvide Lindqvist. Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Música: Johan Söderqvist. Nacionalidad: Suecia, 2008. Duración: 114 min. Género: Drama Fantástico.

Let The Right One In competía en la sección oficial del pasado Festival de Cinema de Catalunya (antes conocido como Sitges) para llevarse el premio a mejor película. Tras conocerse el palmarés de su cuadragésimo primera edición, hubo una pregunta en la rueda de prensa que se antojaba inevitable: ¿Por qué el jurado no había entregado ningún premio a la cinta? Aquí pueden entrar diferentes razones subjetivas que respondan a dicha cuestión que no nos llevarían a ningún lado.
Lo primero que hay que decir en la película es que no podemos hablar de ella como un ejemplo de cine de terror convencional. Hasta se podría decir que no entra del género como tal, sino que se inclina más por un drama fantástico con toques románticos entre dos niños pequeños.
¿Pero no hay vampiros por medio? Si. ¿Y escenas con sangre a raudales? Si. ¿E incluso un poco de gore? También. Sin embargo todo eso queda en un segundo plano a la sombra de la historia que nos cuenta del pequeño Oskar y su enigmática vecina. El niño ha vivido sus doce años de vida en una familia rota, sin un padre en el que reflejarse y una madre que se preocupa por él pero no puede ayudarle en todos sus problemas. Además debe sufrir constantes humillaciones en el colegio por parte de compañeros de clase que le marginan y se ríen de él. Todo cambia cuando una niña de su edad se muda a la casa de al lado. Ahí comienzan a gestar una amistad que se alimenta del odio de Oskar por sus acosadores y por la necesidad de éste de encontrar a alguien con quien compartir sus secretos.
Si sólo tuviéramos esta historia no podríamos decir que fuese muy original: el tema del bulling desgraciadamente está tan presente en la vida real que el cine no ha tardado en adoptarlo para sus películas. Sin embargo en Let The Right One In se produce una vuelta de tuerca a este subgénero y se le aplica un elemento totalmente novedoso: la vecina de Oskar es una niña vampiro. Aunque se ponen en paralelo las extrañas desapariciones que se producen en el vecindario con la mudanza de la niña y su ¿esclavo?, las primeras apariciones de la pequeña tampoco nos dan pistas suficientes como para poder relacionarlos sino que nos muestra a una chica desnutrida que parece tener los mismos problemas, sino peores, que Oskar.
Por eso, aunque la primera toma de contacto que tienen el dúo protagonista no es muy amistoso, la soledad que sienten en sus vidas, cada uno por distintas razones claramente diferenciadas, les provoca la necesidad de encontrar a otra persona. Así poco a poco se va forjando la amistad entre los dos.
Puesto que la situación no es muy convencional, las actitudes de los niños van en consonancia a ella: la niña se siente a gusto con Oskar y teme decirle la verdad por miedo a que la rechace, a la vez que el niño está tan necesitado de cariño que no le importa de donde venga, aunque sea de un vampiro que se alimenta de sus vecinos.
Este juego de sentimientos que se da entre los dos es el punto fuerte de la película, no sólo porque se dé entre dos personajes infantiles sino sobre todo por la naturaleza de la niña. La humanización de la pequeña vampiro por parte del director consigue que el espectador no la identifique como un ser horrible que mata sin remordimiento: a nuestros ojos se nos muestra una pequeña criatura que, dentro de su propia naturaleza, tiene que sufrir problemas al igual que hace Oskar en su vida diaria, y que los afronta como puede, aunque tenga que herir a alguien.
Este paralelismo se demuestra perfectamente en la escena donde el niño consigue sobreponerse a sus miedos y hacer frente a sus acosadores: uno de ellos sale herido pero lo que importa no es eso, sino que el protagonista ha solventado su problema.
También hay que tener en cuenta el trabajo de Tomas Alfredson: sin grandes alardes consigue un resultado muy efectivo, contándonos una historia llena de sentimientos pero sin olvidar imágenes realmente impactantes que se grabarán en la retina del espectador. Teniendo en cuenta que en la cinta entran en juego, y de manera realmente importante, personajes fantásticos como los vampiros, el resultado final podría haber sido un auténtico desastre por no controlar sus intervenciones o por obcecarse en escenas violentas que lo único que habrían conseguido es una película de las que existen innumerables ejemplos en la cinematografía universal. Sin embargo Alfredson sabe hasta dónde es capaz de llegar y no se extralimita en sus funciones, realizando una obra bastante correcta y muy a tener en cuenta.

Carlos Sanz

Kandahar

2008-12-15T19:26:00.002+01:00

CALIFICACIÓN: ***

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Mohsen Makhmalbaf. Intérpretes: Niloufar Pazira, Hassan Tantaï, Sadou Teymouri, Hayatalah Hakimi. Guión: Mohsen Makhmalbaf. Fotografía: Ebrahim Ghafouri. Música: Mohamad Reza Darvishi. Nacionalidad: Irán, 2001. Duración: 85 min. Género: Drama.

El dolor y el sufrimiento son temas universales. No importa su procedencia o la situación concreta en la que se dé: cualquiera se siente identificado con una persona que está sufriendo una injusticia y no puede hacer nada para solucionarlo, puesto que todos hemos experimentado sentimientos similares, en algunas ocasiones salvando las distancias.
Kandahar trata sobre todo de eso: del dolor que sufre la población en Oriente Medio bajo el régimen talibán, representado por la pobreza, el hambre y los burkas. Cada estamento de la sociedad debe hacer frente a la situación como buenamente pueda, desde los niños pequeños hasta las personas adultas, tanto hombres como mujeres.
En la película se nos cuenta la historia de Nafas, una periodista nacida en Afganistán pero que reside en Canadá y que debe volver a su país de origen para encontrar a su hermana en Kandahar antes de que se quite la vida durante el próximo eclipse de Sol. Desde que comienza la cinta se produce una carrera contrarreloj de tres días antes de que el fatal suceso tenga lugar, mientras Nafas se sirve de la ayuda de distintas familias, de un niño y un médico para llegar a tiempo hasta su hermana.
En verdad la historia es una mera excusa para mostrarnos la situación en la que se encuentran todas esas personas con las que coincide por el camino. Tratado con una estética de falso documental más que una película puramente de ficción, el resultado es una cinta que busca transmitir la idea de la injusticia que vive toda esa gente para hacer reflexionar al espectador y cambiar el punto de vista que tenemos en Occidente sobre lo que ocurre en Oriente.
Este es uno de los elementos claves del filme: el punto de vista que debe tener el espectador en todo momento es el de la cultura occidental. El director no pretende transmitir ese mensaje a sus compatriotas, sino al resto del mundo que permanece indiferente ante el dolor que se produce en su sociedad. Para ello se hace especial hincapié en escenas que, aunque allí puedan pasar como algo puramente cotidiano, o al menos eso es lo que pretende el realizador, para nosotros simbolizan la penosa situación en la que se encuentra la sociedad bajo el régimen talibán, y bajo que el deben sobrevivir soportando todo tipo de penurias. Dentro de este punto es muy significativa una de las primeras escenas de la cinta, donde se muestra un grupo de niñas pequeñas que parecen ser de la misma aldea a las que están enseñando que no deben tocar ninguna muñeca que encuentren tirada en el suelo, porque puede ser una mina. Así el director, muy hábilmente, nos demuestra que el dolor que sufre la población empieza desde el mismo momento en el que nacen, viendo con impotencia (e incluso con normalidad) cómo su infancia les es arrebatada.
Y digo con normalidad porque es lo que Mohsen Makhmalbaf nos muestra en pantalla: las niñas deben aceptar que no van a jugar con las muñecas, que su infancia va a ser un periodo de su vida que no van a poder disfrutar y del cual sólo tendrán el recuerdo de deber evitar las minas. Por eso es especialmente interesante el papel que juega el espectador durante todo el largometraje: nosotros no hemos vivido una infancia similar, sin poder jugar por miedo a que una bomba estalle y nos quedemos sin piernas. Mientras que aquí nos escandalizamos con la simple idea de pensarlo (cuanto más de vivirlo) allí no les queda más remedio que aceptarlo e intentar sobrellevarlo de la mejor forma posible, quizá porque es de la única forma que han vivido siempre o quizá porque tienen problemas incluso más importantes que ese como el hambre o la pobreza.
Y Mohsen Makhmalbaf sabe de lo que habla ya que estuvo preso en Afganistán durante más de cinco años y ha escrito numerosas novelas y ensayos sobre la situación en su país. Sin embargo su ofuscación por mostrar la realidad de sus compatriotas le dan algunos tintes sensacionalistas a partes de la historia, especialmente la que se refiere al joven guía de la protagonista y su incidente en la madraza, de la que es expulsado. El director no podía (o no quería) omitir este pequeño relato y nos introduce en una madraza, donde más que pretender contar lo que le ocurre al niño, se nos muestra cómo tratan a los pequeños en estas escuelas para convertirse en talibanes. Parece que Mohsen Makhmalbaf no tenía suficiente con los sucesos que ocurrían alrededor de la protagonista e introduce una pequeña trama secundaria sobre el niño para hacer más hincapié en su mensaje.
A pesar de esto, el tono general de la cinta está perfectamente controlado, algo bastante difícil teniendo en cuenta la complejidad del tema que trata, pero que el director sabe llevar bastante bien. En su contra juega que muestra rápidamente sus intenciones con respecto a la historia, y que las va a mantener durante el resto del metraje, sin dar lugar a la sorpresa. Salvo al final, que en un primer momento nos deja con la miel en los labios por ser tan repentino pero que después nos hace entender que la intención de Mohsen Makhmalbaf no es contar una historia con final cerrado, ni siquiera con un final, sino denunciar una situación de injusticia que allí están obligados a vivir y que el espectador occidental debe ver desde un punto de vista propio de nuestra cultura.

Carlos Sanz

Suspense (The Innocents)

2008-12-09T23:31:00.003+01:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Jack Clayton. Intérpretes: Deborah Kerr, Peter Wyngarde, Megs Jenkins, Pamela Franklin, Martin Stephens, Michael Redgrave. Guión: Truman Capote, William Archibald a partir de la novela de Henry James. Fotografía: Freddie Francis. Música: Georges Auric. Nacionalidad: Gran Bretaña, 1961. Duración: 99 min. Género: Suspense, terror.

Los niños siempre han sido un elemento muy recurrente dentro del género de terror. La inocencia que llevan implícita provoca que el espectador se incline inconscientemente a exculparles de cualquier hecho del que parezcan sospechosos: pese a que se nos muestren como los irremisibles culpables de la trama, siempre se pueden encontrar excusas para justificar sus actos, ya sea por su innata inocencia o porque pueden ser más volubles que las personas adultas. Quizá esto tenga que ver con el pensamiento que tenemos en la realidad, donde no se concibe que un niño pequeño pueda tener la madurez y la inteligencia de un hombre mayor.
Por ello existe una gran cinematografía que los utiliza como antagonistas de la historia, especialmente en películas de suspense y de terror. Ejemplos como El Pueblo de los Malditos (Wolf Rilla, 1960) o ¿Quién Puede Matar a un Niño? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976) sirven para demostrar que estas pequeñas personas no son tan inocentes como aparentan.
La cinta que nos ocupa también se puede enmarcar dentro de este grupo. En ella no nos vamos a encontrar con niños violentos, que asesinan a sangre fría a los adultos sin ningún tipo de arrepentimiento: aquí el dúo protagonista juega al despiste con su institutriz (una magnífica Deborah Kerr), y con las visiones fantasmagóricas que sufre, la cual al principio no sabe si creer lo que ven sus ojos o la aparente sinceridad infantil de los hermanos.
La historia nos introduce en una gran mansión victoriana, donde viven los huérfanos protagonistas con el servicio. Su tío y tutor encarga a una inexperta institutriz encargarse de todo lo que concierne a la educación de sus sobrinos y de cualquier problema que surja. La Srta. Giddens acepta por la enorme pasión que siente por los niños y se traslada a la gran casa, donde se da cuenta de que los hermanos de los que debe cuidar no son todo lo que aparentan, y que pueden estar relacionados con los fantasmas que aparecen por la mansión.
Hay que puntualizar que el terror y el suspense de los que hace gala la película no se basa en contenidos explícitos, ni que intenta sorprender al espectador con impactos puramente visuales: aquí entra en juego lo psicológico, las luces y sombras, las imaginaciones, los dobles sentidos y las miradas cargadas de significado, esto último especialmente entre los pequeños Miles y Flora.
Su director, Jack Clayton, juega continuamente con los claroscuros para mantener la incertidumbre del espectador, para conseguir una ambigüedad en las escenas que nos lleva a cuestionarnos si lo que estamos viendo es real o son todo imaginaciones de la institutriz. El punto de vista de la película lo marca ella, desde la entrevista con el tío para hacerse cargo de los niños hasta el final. El director no nos da opción para otras visiones de los hechos: lo que vemos es lo que ella ve, y los significados que podemos sacar son los que ella nos proporciona. Con esto lo que consigue el director es que el espectador de por sentado que la historia es tal y como la imagina la institutriz, y que aunque puedan existir varias explicaciones a los sucesos sólo uno sea la válido.
Pero el director no es el único que destaca. El gran trabajo de guión que realizaron Truman Capote y William Archibald partiendo de la novela de Henry James es también uno de los puntos fuertes. Los diálogos, especialmente los que tiene la protagonista con los niños, están plagados de ambigüedad, de ideas que se deben leer entre líneas y que nos pueden aclarar la historia más que las palabras que se pronuncian. Gracias a su trabajo consigue que el espectador no pueda diferenciar la realidad de las imaginaciones de la institutriz y, por lo tanto, que no sea capaz de aclarar el significado de la historia.
Se puede decir que en las películas que introducen fantasmas en la trama es normal que el espectador sea incapaz de diferenciar lo que se puede tomar como real y lo que no. A pesar de ello, existen ejemplo como Los Otros (Alejandro Amenábar, 2001) donde los propios protagonistas son fantasmas pero que el final, en una vuelta de tuerca a todo el metraje anterior, nos cierra la historia. Sin embargo en The Innocents el final es, posiblemente, lo más desconcertante de la película: si durante su visualización el espectador no es capaz de diferenciar lo que puede tomar como real de lo imaginario, con la conclusión tan abierta que tiene la historia y que puede aceptar múltiples interpretaciones es normal que cada uno tenga su propia versión de los hechos y que aporte distintos significados a los mismos.
Es inevitable que con ello se queden muchas preguntas sin resolver como ¿Por qué los niños no pueden ver a los fantasmas?¿Por qué es sólo la institutriz la que los puede ver?¿Y sobre todo por qué al único que ve claramente es a Quint y no a la Srta. Jessel que sólo la observa de lejos?¿Es porqué a él le ha visto en una foto y puede ponerle rostro?¿Entonces no han sido todo imaginaciones suyas y ha hecho sufrir a los niños sin ningún motivo?
Esta última cuestión es la que se contrapone a la idea de que todo lo que sucede en la película es real, tanto que los niños estén influenciados por los fantasmas como las visiones de los mismos. La conclusión a la que puede llegar el espectador es una u otra: que es todo real o que es todo imaginado. Sin embargo, como la película no da argumentos para inclinarnos por una o por la otra, parece que cada uno puede tener su propia versión de los hechos y no estar equivocado.

Carlos Sanz

The Fall

2008-10-30T13:44:00.002+01:00

CALIFICACIÓN: *****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Tarsem Singh. Intérpretes: Lee Pace, Catinca Untaru, Justine Waddel, Julian Bleach, Robin Smith, Daniel Caltagirone. Guión: Dan Gilroy, Nico Soultanakis, Tarsem Singh. Fotografía: Dan Hubbard. Música: Krishna Levy. Nacionalidad: India-USA-GB, 2006. Duración: 118 min. Género: Aventura, fantasía.

En Big Fish (Tim Burton, 2003), el director nos presentaba a un personaje odiado por su hijo por las mentiras que contaba acerca de sus experiencias a lo largo de toda su vida. Ni en el lecho de muerte podía evitar los fantasiosos relatos que poco se ajustaban con la verdad. Posteriormente, el espectador entendía que esa visión tan singular que daba Albert Finney de la realidad se ceñía más a las verdaderas vivencias del protagonista que cualquier otra historia. Él creía más en lo que originaba su mente que en lo que veían sus ojos.
Esta es una de las principales virtudes que ha demostrado el cine a lo largo de toda su historia. Desde esos primeros ejemplos que nos dejó el genio de George Méliès a finales del siglo XIX, más cercanos al ilusionismo que al cine narrativo, los espectadores comenzaron a entender que no todo lo que veían con sus propios ojos podía ser verdad. La delgada línea que separaba la realidad de la ficción había desaparecido y cada vez era más difícil diferenciarlas.
Este es el leitmotiv que domina la cinta que nos ocupa: el poder del cine para evadirnos de nuestra vida cotidiana. Visto así puede parecer algo poco recurrente, desprovisto de frescura por los numerosos ejemplos que usan esta idea en sus cintas (la reciente Rebobine, Por Favor de Michel Gondry se sustenta en estos mismos pilares). Sin embargo The Fall usa lo ficticio como un ente que se encuentra por encima de la realidad, que la supera en todos sus elementos.
La historia nos sitúa en Los Ángeles, a principios del siglo XX, cuando el cine comenzaba a dar sus primeros pasos y la gente aún no entendía su funcionamiento. El protagonista es un especialista en escenas arriesgadas que debe ser hospitalizado por una fatal caída. Su mundo se desmorona: ha perdido su trabajo, su novia le ha abandonado y puede quedar parapléjico para siempre. Sin embargo, en el hospital se encuentra con una niña pequeña que tiene el hombro escayolado por otra caída ("The Fall" es en nexo de unión entre los dos). El especialista la narra una historia épica donde se conjugan elementos ficticios con reales, donde tiene cabida la inocencia de la niña en un mundo adulto, y donde los personajes que acompañan al héroe están sacados de la vida del narrador.
¿Pero qué hace tan especial a la película si sólo se cuenta una historia de honor y de venganza? Aquí es inevitable nombrar a Tarsem Singh. Después de un pasado como director de videoclips, donde trabajó con Deep Forest o R.E.M. entre otros, su ópera prima fue la refrescante La Celda, protagonizada por Jennifer López, y donde aún no tenía la independencia creadora de la que se nota que ha disfrutado en esta. En The Fall, todo parece sacado de una mente que no se marca límites en su imaginación: desde el mínimo detalle hasta determinados planos nos demuestran que el trabajo de su director ha sido exhaustivo (recordemos que estuvo 7 años viajando por el mundo para encontrar lugares en los que rodar) y que realmente disfruta con lo que hace.
La puesta en escena es realmente destacable dentro del conjunto, desde los detalles aparentemente más superficiales, hasta planos exageradamente generales, que engloban los monumentales paisajes para dejar a los personajes reducidos a su mínima expresión. La conjugación que hace de planos simétricos, con picados y contrapicados de gran expresividad, consigue que el espectador se mantenga absorto simplemente con mirarlos, sin tener que adentrarse demasiado en la historia. Tarsem, ayudado por una magnífica fotografía, juega con la imagen y le da un valor puramente visual que consigue expresar más que cualquier palabra: eso es lo que a priori atrae al espectador al ver la película.
Sin embargo ésta esconde mucho más: una historia subordinada al estado de ánimo del narrador, que decide las acciones de los personajes y cualquier cosa que les ocurra. Por eso nunca podremos hablar de una obra completamente objetiva, puesto que todo depende del punto de vista de su creador y de lo que quiera transmitir con él a los espectadores. Pero ¿acaso no tienen ellos ningún poder sobre el transcurso de la historia?¿No debe pensar el narrador en el público al que se dirige y que va a observar la historia que les quiere contar? La niña pequeña juega este papel de receptora, pero no de una forma pasiva que se limita a recibir información, sino que aporta sus sentimientos poco a poco para influir en el narrador: las películas son tanto del que las crea como del que las ve, puesto que cualquiera de los dos puede considerarlas como algo propio, algo que les llega a lo más profundo de su ser.
No quisiera terminar esta reseña sin hacer mención al dúo protagonista. Gran parte de la magia que desprende la película parte de la gran química que hay entre los dos. La naturalidad de la que hace gala la pequeña Catinca Untaru a lo largo de todo el filme no la veía un servidor desde que Yuya Yagira ganó el premio a Mejor Actor en el Cannes de 2004 por Nadie Sabe.
En cuanto a Lee Pace, más conocido como protagonista de la serie televisiva Pushing Daisies, sabe compenetrarse perfectamente con la niña rumana para equilibrar perfectamente el protagonismo de la cinta, sin que ninguno de los dos llegue a destacar innecesariamente.
No podemos hablar de The Fall como una cinta que destaque por algo concreto, ya sea por su director, por su fotografía o por su elenco de actores: la clave de que nos encontremos ante una magnífica película es que todo ello se conjuga perfectamente, con un resultado donde ni sobra ni falta nada.

Carlos Sanz

Doomsday: El Día del Juicio

2008-10-03T17:10:00.003+02:00

CALIFICACIÓN: *

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Neil Marshall. Intérpretes: Rhona Mitra, Bob Hoskins, Adrian Lester, Alexander Siddig, Malcolm McDowell, David O'Hara. Guión: Neil Marshall. Fotografía: Sam McCurdy. Música: Tyler Bates. Nacionalidad: USA, 2008. Duración: 108 min. Género: Ciencia ficción.

¿Qué pasaría si se unieran en una misma película 28 Días Después, El Señor de los Anillos y Mad Max?¿Y si además se hiciera de la peor manera posible, no al estilo de homenaje como hace Tarantino en sus cintas sino descaradamente? Bueno la respuesta es sencilla: el resultado sería la última obra de Neil Marshall, Doomsday.
Lamentablemente, parece habitual encontrarnos en la cartelera de nuestros cines películas que viven de glorias pasadas: intentan cosechar éxitos que se apuntan como propios cuando los toman de unos referentes que marcaron época y que atraerán al espectador a las salas.
Nos encontramos en un periodo cinematográfico donde la originalidad brilla por su ausencia. Cada día nos encontramos nuevas noticias de secuelas, precuelas, adaptaciones de libros o de cómics, etc. Sin embargo, personalmente, lo peor que nos podemos encontrar es una película como la que nos ocupa, un collage con ejemplos como los que he enumerado al principio, sin ningún tipo de lógica, y absolutamente innecesarios.
Tras visualizar los primeros diez minutos de la cinta, ya nos podemos imaginar ante qué nos encontramos: la desgastada historia del virus “accidentalmente” liberado en una gran metrópolis que ha convertido a todos sus habitantes en zombies. La posterior puesta en cuarentena de la zona deja a muchas personas al otro lado del muro a merced de estos mutantes. Pero, para variar, hay supervivientes y un grupo de fuerzas especiales debe regresar para encontrarlos con la finalidad de hallar una cura.
¿A quién no le suena esta historia?¿Quién puede no encontrar similitudes con otras cintas del género? Tampoco tenemos que remontarnos a los 80, a algunos clásicos del cine de acción como 1997: Rescate en Nueva York (John Carpenter, 1981). En los últimos años también nos encontramos con ejemplos muy similares como comentaba en el inicio: 28 Días Después (Danny Boyle, 2002) utiliza la misma idea, al igual que 5 años después su secuela, 28 Semanas Después, magistralmente realizada por el español Juan Carlos Fresnadillo.
Pero no por utilizar las mismas premisas que cintas anteriores nos encontramos con una película bastante deficiente. Existen ejemplos dentro de la Historia del Cine que han sabido adaptarse a los gustos del público y perdurar durante muchos años. Uno de ellos puede ser Drácula, que desde sus primeras apariciones de mano de Murnau o de la Universal hasta los últimos ejemplos de Coppola o Wes Craven ha partido de la base creada por el libro de Bram Stoker para crear todo un universo de personajes e historias casi independientes.
Sin embargo en Doomsday, Neil Marshall no ha sabido, o no ha querido, introducir elementos nuevos a la historia para crear una película original o, por lo menos, que no se desarrolle a partir de ejemplos ya existentes. Con ello lo único que consigue es que el espectador pierda rápidamente el interés por lo que les sucede a los personajes, ya que le obliga a entrar en una rutina argumental a la que desgraciadamente nos tienen acostumbrados.
El director de la pasable The Descent (2005) se ve superado en todo momento por la película. No aparece en ningún momento ningún indicio de que el desarrollo se produzca coherentemente, o que al menos siga unas pautas estudiadas: la historia ocurre por inercia y unos hechos se yuxtaponen son los siguientes sin ningún sentido en un intento de crear un argumento que atrape al espectador sin complicarse demasiado. Esta dinámica se vuelve tan repetitiva y previsible que no podemos más que esperar que las escenas de acción sean mínimamente originales, algo que tampoco ocurre.
Pero no sólo es el director el que parece arrastrado por la monotonía de la cinta: los actores, “ayudados” por el guión, nos bombardean con una lista innumerable de frases tan reutilizadas en el género que ya han perdido su sentido original. Capitaneados por una protagonista sacada directamente de la Kate Beckinsale de Underworld (Len Wiseman, 2003), parecen entes que pululan por la pantalla sin ninguna razón concreta, que sólo están ahí para que no nos encontremos únicamente con los escenarios. Con este panorama en el reparto es inevitable que uno no se pregunte ¿Qué hace ahí Malcolm McDowell?¿De verdad está tan necesitado que debe aceptar papeles secundarios en este tipo de cintas? Ni él puede salvar de la criba al resto, aunque eso sí que es una misión imposible.
¿Pero es todo tan malo?¿No hay nada que pueda tomarse como algo positivo de la cinta? Pues si, hay algo: el final. Aparte de porque supone la conclusión de tal suplicio, por la canción de Kasabian, sin duda lo mejor de toda la película.

Carlos Sanz

Líbranos del Mal

2008-09-26T12:52:00.002+02:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Amy Berg. Guión: Amy Berg. Fotografía: Jacob Kusk & Jens Schlosser. Música: Mick Harvey & Joseph Arthur. Nacionalidad: USA, 2006. Duración: 103 min. Género: Documental.

A principios de los años 70, en la zona norte del estado norteamericano de California, sucedió el episodio más célebre de la Iglesia Católica moderna. Durante 20 años, el padre Oliver O’Grady abusó de niños de todas las edades: desde la madre de otra de las víctimas hasta un bebé de nueve meses. Cuando las familias afectadas comenzaron a darse cuenta de lo que hacía O’Grady a sus hijos, denunciaron los hechos a las autoridades y a los altos cargos de la jerarquía eclesiástica. Sin embargo, con un complejo entramado burocrático, la Iglesia defendió al acusado y no permitió que las investigaciones llegaran a ningún punto esclarecedor.
Esta es la historia verídica que nos cuenta Amy Berg en su ópera prima como directora y guionista. Comienza con una breve presentación de las víctimas, introduciéndolos como personas corrientes, que podrían ser nuestros vecinos o incluso nosotros mismos. Esta es la gran proeza de la cinta: conseguir que el espectador se identifique inmediatamente con ellos pese a que no los conoce de nada. Esa cercanía es la que motiva los sentimientos que nos producen sus testimonios, y el absoluto rechazo a lo que les hicieron.
A partir de aquí, Berg desarrolla poco a poco la historia, sin entrar en muchos detalles en principio. En esta parte, al no hablarnos del tema concreto que va a tratar, es inevitable no interpretar las palabras de los afectados, e incluso del acusado, con un doble sentido. Parece que lo que busca la directora es que el espectador se encuentre ante una situación que a ojos de cualquiera puede parecer normal, pero que detrás esconde los más oscuros secretos.
Éstos se van desvelando poco a poco, con un ritmo dramático magistralmente controlado, sin excesos ni limitaciones. Al menos eso es lo que ocurre durante la mayor parte del metraje, puesto que se dan ejemplos que dentro del conjunto son innecesarios, como la visita de las víctimas al Vaticano para entregar una carta al Papa. Esos toques sensacionalistas se podían haber descartado para que los testimonios anteriores no se vean salpicados por ellos.
Lo que también ayuda a que el documental no se englobe dentro del grupo donde tantas otras películas de su género pasan sin pena ni gloria, es que cuenta con la confesión directa del acusado, el padre O’Grady. Sus primeras declaraciones se realizan antes de que el espectador conozca la verdadera historia, para que éste se posicione neutralmente. Este recurso que trata la directora es muy interesante: desde el primer momento nos obliga a tomar una postura entre las víctimas y el cura, que en principio podemos no tenerla muy clara pero que paulatinamente, según conocemos más datos de la historia, se decanta por uno de los dos lados.
A esta predilección que el espectador siente inevitablemente por las víctimas, ayuda sobremanera el testimonio de O’Grady. Sus declaraciones no tienen desperdicio, desde las entrevista en el parque donde declara que le atraen sexualmente los niños pequeños (mientras éstos juegan por los alrededores) hasta las confesiones reales del juicio que le absolvió.
Éste es otro tipo de medios documentales que utiliza la directora para ilustrar la historia. Nos encontramos con las declaraciones del propio O’Grady ante el tribunal que le acusaba de abuso a menores, o de su superior, que conocía los hechos y no sólo los ocultaba, sino que trasladaba al acusado a distintas parroquias californianas donde conseguía nuevas víctimas para su enfermedad.
Berg no se limita a mostrar las atrocidades que se cometieron con el consentimiento de los superiores de O’Grady. También extrapola la situación a círculos mucho más importantes que recogen desde el Papa Benedicto XVI hasta el presidente George W. Bush: la lista de culpables dentro de este suceso es casi interminable, donde el poder y la ambición es lo que manda.
Todo esto, como decía antes, se muestra desde un punto de vista bastante objetivo: salvo por esas pequeñas pinceladas sensacionalistas que antes nombraba, que claramente buscan influenciar en el espectador la idea de apoyar a las víctimas, el resto se construye basándose en testimonios directos y declaraciones de las dos partes. Se puede pensar que el montaje final recoge las escenas que esencialmente sirven como apoyo a la tesis de la directora, que sería favorecer a las víctimas. Pero esto no es del todo correcto, ya que también incluye confesiones del padre O’Grady donde expone las razones de sus actos como si fuese algo normal y corriente.
Pero después de analizar la cinta, de exponer los elementos que utiliza Berg para llegar al espectador con una historia tan cruel: ¿Qué es lo que realmente nos quiere decir?¿Qué la culpa es de la Iglesia y del uso que le dan a la religión para hacer lo que creen adecuado aunque sea amoral?¿O más bien intenta demostrar que en el mundo actual no se puede confiar en nadie pese a que su apariencia parezca de los más benévola?¿Acaso la sociedad actual se ha convertido en un baile de máscaras donde no podemos conocer a quien tenemos a nuestro lado?
Todas estas cuestiones se nos vienen a la mente después del visionado de la película y, al parecer, cada uno de nosotros tendrá una respuesta distinta para ellas.

Carlos Sanz

Zohan: Licencia para Peinar

2008-09-18T12:15:00.006+02:00

CALIFICACIÓN: **

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Dennis Dugan. Intérpretes: Adam Sandler, John Turturro, Rob Schneider, Emmanuelle Chriqui. Guión: Adam Sandler, Judd Apatow, Robert Smigel. Fotografía: Michael Barrett. Música: Rupert Gregson-Williams. Nacionalidad: USA, 2008. Duración: 113 min. Género: Comedia.

Algunos nos preguntamos cómo un género que nos ha dado tantas alegrías, literalmente, puede estar tan castigado y en algunos casos obsoleto.
La comedia casi nació con el cine, y han ido evolucionando paralelamente durante su historia: desde los primeros gags de Max Linder hasta la actual factoría Apattow, pasando por Los Hermanos Marx, Los Tres Chiflados, Porky’s o South Park. En cada uno de ellos destacan características propias que les hicieron triunfar en su tiempo y que les permiten perdurar en la memoria de todos.
Sin embargo, en nuestro mundo bipolar, también debe existir un ejemplo opuesto, y es el caso de la película que nos ocupa.
Zohan: Licencia para Peinar trata de un agente secreto israelí, interpretado por Adam Sandler, que está cansado de tanta misión y guerra, por lo que decide fingir su propia muerte y cumplir su verdadero sueño: irse a Nueva York para ser peluquero esperando no ser descubierto por sus enemigos.
Esta no es una sinopsis habitual, donde se cuenta la introducción y el nudo dejando el desenlace para disfrute del espectador. Esta cinta no tiene nada más, por lo que es tan previsible todo lo que va a ocurrir que no merece la pena escribirlo.
También se puede pensar que una película de este tipo, a las que desgraciadamente nos tiene acostumbrados su protagonista, tampoco es de las que genera muchas expectativas o que destaque por su complejidad. Estoy de acuerdo, sin embargo el guión está firmado por, entre otros, Judd Apatow, que lleva varios años demostrando que sus comedias son garantía de calidad. Lio Embarazoso o Supersalidos son algunos de los ejemplos que mejor ilustran este argumento, donde no sólo se busca (y se consigue) hacer reír al espectador, sino hacerlo mediante una historia con trasfondo moral que nos hace reflexionar.
En el caso de Zohan no podemos decir, al menos, que no haya momentos cómicos (los primeros trabajos que realiza el protagonista en la peluquería a las ancianas son memorables), pero tampoco son gags que proliferen demasiado. Se da más bien un humor plano, sin sentimiento, demasiadas veces reutilizado y que ya no produce las cosquillas originales en el espectador: por estos motivos nos encontramos con una película con muchos altibajos (más bajos que altos) que no consigue mantener el nivel de las mejores escenas ni el interés del receptor.
Esto nos produce la sensación de haber visto la cinta sólo con visualizar los primeros minutos. Se puede clasificar dentro de ese grupo de películas cómicas donde los chistes se basan en lo políticamente incorrecto, en la ambigüedad sexual y en las alusiones denigrantes a las minorías. Esto no quiere decir que todas las películas que cuenten con estos gags para conseguir la risa del espectador sean malas: ponemos enumerar algunos ejemplos, como South Park, que utilizan estos recursos y consiguen una historia coherente y cuanto menos decente.
Zohan no es nada de eso. Parece buscar la risa por la risa, escudándose en que si no nos muestran chistes continuamente, aunque sean malos, la calidad de la cinta decaerá. De lo que no se dan cuenta es que es precisamente eso lo que la convierte en una mala película o, al menos, no a la altura de otros grandes ejemplos de la comedia.
Dentro de este género siempre han existido grandes obras y otras no tan grandes, e incluso minúsculas que pasan sin pena ni gloria. Zohan es una de las que se pueden clasificar dentro de este último grupo.

Carlos Sanz

Los Girasoles Ciegos

2008-09-11T16:40:00.005+02:00

CALIFICACIÓN: **

FICHA TÉCNICA:
Dirección: José Luis Cuerda. Intérpretes: Maribel Verdú, Javier Cámara, Raúl Arévalo, Roger Príncep, José Ángel Egido. Guión: Rafael Azcona y J. L. Cuerda, sobre la novela de Alberto Méndez. Fotografía: Hans Burmann. Música: Lucio Godoy. Nacionalidad: España, 2007. Duración: 98 min. Género: Drama.

El espectador que se acerque al cine a ver Los Girasoles Ciegos sin saber que está basada en la novela homónima de Alberto Méndez compuesta de 4 relatos, descubrirá que la película no sólo parece una reinterpretación arbitraria del texto original, sino que además, tomándola como ente independiente, no consigue una historia coherente.
Pese a que el guión está firmado por el recientemente desaparecido Rafael Azcona, a quien va dedicada la cinta, podíamos decir que ha sido uno de los peores trabajos de su carrera. Ambientada en la España de la posguerra, narra la historia de una familia republicana que se oculta de la cacería franquista aparentando su afinidad al nuevo gobierno. El problema está en que el padre de familia, Javier Cámara, es uno de los republicanos más buscados por el régimen, por lo que su mujer, Maribel Verdú, debe ocultarle ante las continuas acometidas de la policía por encontrarle, y especialmente al diácono interpretado por Raúl Arévalo.
Hasta aquí parece que la historia tiene cierta coherencia, e incluso si se hubiera tratado correctamente podíamos encontrarnos con una cinta más que digna; eso si, siempre que no se caigan en los más que repetidos estereotipos de las historias ambientadas en la posguerra. El problema aparece cuando entran en escena otros elementos que buscan complementar el argumento principal para hacerlo más complejo y para conseguir una historia más madura. Sin embargo estos hilos secundarios lo único que producen es confusión y la sensación de que lo que se cuenta no tiene nada que ver, o por lo menos no aporta nada, a la vida del matrimonio republicano.
Una de ellas es la protagonizada por la hija de ambos y su novio, que intentan cruzar la frontera portuguesa para huir de la dictadura. No voy a contar cómo termina su travesía puesto que si estos dos personajes no hubieran aparecido en la cinta tampoco habría pasado nada. Alguien puede decir que están ahí como detonante de la rebelión de Javier Cámara contra el régimen, a lo que se puede contestar que con lo que está viviendo a lo largo de toda la película, recluido en un zulo por miedo a que le encuentren, no necesita factores externos para estallar. Sus apariciones en pantalla sólo sirven para cortar el ritmo dramático que hercúleamente construyen Cámara y Verdú, lo único salvable de la cinta.
Esto es porque, si la historia de por sí no consigue atrapar al espectador por los numerosos hilos argumentales que no conducen a ningún lado o que no se cierran correctamente, los actores tampoco ponen mucho de su parte. Maribel Verdú, nos ha (mal)acostumbrado a unas grandísimas interpretaciones y es una garantía de saber hacer. Junto con Cámara, son los únicos que se toman en serio su trabajo e intentan sacar la historia adelante.
En cuanto a los demás, no les ayudan mucho. Raúl Arévalo, tras ver El Camino de los Ingleses y AzulOscuroCasiNegro, parecía un actor bastante respetable (aunque también hay que decir que en las películas citadas sus personajes eran muy similares), sin embargo en la que nos ocupa no transmite nada con su personaje de diácono utilizado por la Iglesia para su propio beneficio. Su doble moralidad, sus recuerdos de la guerra, se quedan en nada en unos gestos estereotipados y frases inexpresivas que no ayudan al conjunto en absoluto.
El resto del reparto es más de lo mismo, haciendo hincapié en Martín Rivas que parece no haber salido de la pantalla pequeña.
Poco más que el dúo protagonista se puede salvar de la película, por no decir nada más. La historia tiene un comienzo prometedor, que invita al espectador a seguir la historia y a interesarse por los personajes que la ocupan. Pero poco a poco se van añadiendo otros elementos secundarios, absolutamente prescindibles, que la empañan y la convierten en una producción muy alejada de lo que podría haber conseguido.
Me pregunto qué habría sido de ella si Cámara y Verdú no hubieran interpretado al matrimonio protagonista. Mejor no saberlo.

Carlos Sanz

¿Quién puede matar a un niño?

2008-08-29T17:52:00.003+02:00

CALIFICACIÓN: ***

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Narciso Ibáñez Serrador. Intérpretes: Prunella Ransome, Lewis Fiander, Luis Ciges. Guión: Narciso Ibáñez Serrador a partir de la novela de Juan José Plans. Fotografía: José Luis Alcaine. Música: Waldo de los Ríos. Nacionalidad: España, 1976. Duración: 107 min. Género: Terror.

A finales del año pasado el cine español, y concretamente el género de terror, vivió un momento cuanto menos significativo con los estrenos de El Orfanato (Juan Antonio Bayona, 2007) y [REC] (Jaume Balagueró & Paco Plaza, 2007). El éxito que obtuvieron ambas, tanto de crítica como de público, supuso un punto de inflexión en un género tan infravalorado como el de terror, especialmente si hablamos de producciones nacionales.
Sin embargo en nuestro país se pueden contar numerosos ejemplos cinematográficos de películas de miedo, en las que es obligatorio señalar a Paul Naschy como el actor, director y guionista que más ha hecho por ese género en nuestro país.
Otro de los hitos de cine de terror nacional es la película que nos ocupa. Dirigida por Narciso (Chicho) Ibáñez Serrador, creador del famoso programa televisivo Un, dos, tres... Responda otra vez, y que ha dedicado gran parte de su carrera a ese tipo de obras.
En ella se cuenta la historia de un matrimonio que va de vacaciones a una pequeña isla del Mediterráneo, donde vivió su infancia el marido, para relajarse. Al llegar descubren que está completamente desierta, salvo por niños. Éstos se comportan de una manera muy extraña, llegando al punto de asesinar brutalmente a un anciano. A partir de ahí el matrimonio debe encontrar la manera de huir de la isla si quieren sobrevivir.
Después de leer esta sinopsis, probablemente no nos sorprenda demasiado que los antagonistas de la historia sean unos niños. Todos podemos recordar ejemplos de películas de terror donde el elemento negativo esté representado por un personaje infantil, como La Profecía, El Pueblo de los Malditos o El Exorcista. Sin embargo hay que tener en cuenta que la cinta data de 1976, cuando España se encontraba en plena Transición.
Nuestro país se estaba librando de la ataduras de una dictadura que había durado más de 35 años y una de las primeras películas que hicieron fue sobre la moralidad de asesinar niños dependiendo de la situación. Ese es el tema principal que quiere destacar el director con su película, por eso la frase del título no puede ser más elocuente. Si el espectador se encontrara en esa situación, ¿sería capaz de asesinar a esas criaturas para salvar su propia vida?¿o se derrumbaría ante la discusión moral de que no deja de ser un niño pese a todas sus maldades?
Estas decisiones son las que deben tomar los protagonistas en cierto punto del metraje, sobre todo porque se dan cuenta de que si permanecen en la isla no sobrevivirán aunque los niños no les dejarán salir fácilmente.
Estos sentimientos también los puede experimentar el espectador gracias al director, que mantiene durante toda la película un estilo muy documental de la historia, a lo que ayuda enormemente la fotografía de José Luis Alcaine. Los planos claustrofóbicos, con un montaje frenético en las escenas de mayor tensión, son realmente expresivos y consiguen un impacto visual considerable.
Sin embargo, salvando estos escasos momentos, el resto de la película no consigue mantener ese ritmo tan agitado de las escenas principales. Se produce demasiada variación entre los fragmentos más violentos de la cinta y el resto, que dan la sensación de estar ahí para rellenar los huecos que la historia deja entre los asesinatos.
El guión es uno de los apartados que más flojea en el conjunto. Puesto que sólo nos encontramos con dos personajes principales que acaparan toda la atención y que en el otro extremo se encuentran los niños de la isla, no se puede conseguir un trabajo demasiado estructurado en función de sus actores, ya sean principales o secundarios. Por eso no se puede reprochar demasiado este punto dentro del guión, ya que es bastante arriesgado construir una historia si sólo hablan dos personas.
Sin embargo tampoco se ha desarrollado todo lo posible la historia, por otro lado llena de posibilidades, de una isla donde unos niños asesinan brutalmente a todos los adultos que ponen los pies en ella. No se juega demasiado con la claustrofobia que deben sentir los personajes al estar en un lugar del que no pueden salir y completamente rodeados de seres malignos con formas infantiles. Más bien se hace hincapié, ya al final, de esa difícil decisión de acabar con esas criaturas para poder sobrevivir, sin jugar demasiado con los momentos de terror puro (que los hay) como la típica persecución de los protagonistas por los malos.
Pese a todo, es una cinta que se basa en los principales patrones del cine de terror, pero sin llegar a explotarlos todo lo bien que la historia podía haber permitido. Parece que se queda a un paso de conseguir un propósito mucho mayor, que podía haber llegado pero cuyo resultado final no ha logrado. De todos modos, la cinta transmite otras ideas que sólo puede experimentar el espectador viéndola.

Carlos Sanz

El Caballero Oscuro

2008-08-25T19:15:00.003+02:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Christopher Nolan. Intérpretes: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Michael Caine, Gary Oldman, Maggie Gyllenhaal, Morgan Freeman. Guión: Christopher Nolan, David S. Goyer & Jonathan Nolan basados en los personajes de Bob Kane. Fotografía: Wally Pfister. Música: James Newton Howard, Hans Zimmer. Título Original: The Dark Night (Batman Begins 2). Nacionalidad: USA, 2008. Duración: 152 min. Género: Acción.

La reinterpretación de viejos mitos es uno de los recursos iconográficos más utilizados de la Historia. Desde las imágenes que tomó el cristianismo de religiones anteriores como la griega hasta temas más actuales como los últimos remakes que podemos encontrar en cualquier cartelera del mundo.
Cada una de ellas tiene un motivo, una finalidad: adaptar viejos recursos a tiempos contemporáneos. Puede que no compartamos las razones de retomar antiguos iconos en vez de generar algunos nuevos, o que su impresión en nosotros no sea la deseada. Sin embargo hay otros casos en los que poner al día estos mitos de otro tiempo no puede ser más acertado.
Estoy hablando de Batman, y sobre todo del singular lavado de imagen que le ha dado, por ahora, Christopher Nolan (uno de los directores actuales más interesantes) entre Batman Begins y la cinta que nos ocupa. Hay que tener en cuenta que el personaje creado por Bob Kane y Bill Finger en 1939 ya ha disfrutado de numerosas adaptaciones a la gran pantalla (7 contando The Dark Night) y en la pequeña también: la serie de la CBS de 1966 protagonizada por Adam West y otra de dibujos animados llamada Batman: The Animated Series (1992). Los cómics han sido su arte más prolífico, con numerosas historias y grandes clásicos como la revisión que hizo Frank Miller del personaje en 1986 en El Regreso del Señor de la Noche.
A éste último ejemplo es al que más se puede asemejar la trilogía que está creando Christopher Nolan sobre el hombre murciélago. Ya en Batman Begins demostró sus intenciones al trasladar al personaje a sus orígenes, escarbando en su pasado para conseguir un superhéroe más oscuro y violento, que defiende el bien espoleado por sus emociones, lejos de los patrones clásicos del héroe.
Nolan se alimenta, en parte, del cómic de Miller sobre todo para generar esa ambigüedad en las decisiones del personaje. El hombre detrás de la máscara duda sobre sus propia forma de ser: ¿es Batman la solución a los problemas o el que los genera? Nadie se había planteado esta pregunta hasta que Allan Moore llegó con The Watchmen debajo del brazo el mismo año que Miller hizo su revisión del hombre murciélago.
Pero dentro del mundo del cine es toda una novedad que se cuestionen las decisiones de los superhéroes, si salvamos esa lucha interior (y exterior) que mantuvo Superman con Clark Kent en Superman III. Antaño vistos como la solución a cualquier problema de una ciudad, como semidioses inmortales, ahora descubren su lado más humano (que siempre han tenido) para demostrar que las decisiones que los guían son muy terrenales.
Nolan sabe conjugar perfectamente estos dos elementos: el del superhéroe y el del ser humano que lo encarna. Pero lo hace sabiamente, sin remarcarnos continuamente que hay un hombre bajo la máscara: en la cinta hay tiempo para conocer los sentimientos que agitan a Bruce Wayne pero también para admirar cómo sabe desenvolverse en las escenas de acción.
Sin embargo ha habido algo que el director no ha sabido equilibrar del todo, aunque tampoco es culpa suya: Batman y su antónimo Joker no se encuentran al mismo nivel (interpretativo al menos). Lo que ha hecho Heath Ledger con el personaje marcará un antes y un después en los villanos de las películas.
Nolan también le ha impregnado de ese tenebrismo de la cinta (en eso está a años luz del Joker de Jack Nicholson y qué decir del que interpretó César Romero) para conseguir un producto más uniforme. Sin embargo todo el mérito es del desaparecido Ledger, cuyas expresiones parecen exageradas pero en realidad están calibradas al dedillo: no es el actor el que interpreta al Joker, sino éste el que ha tomado su cuerpo. Es por eso que le malo de la película transmite mucho más al espectador que el bueno, aunque no se lleve a identificar con las acciones de aquél por su brutalidad su exagerada perversión, es un personaje que atrae mucho más y que cada vez que aparece en pantalla eclipsa al resto.
Sin embargo hay un punto negativo que es bastante significativo. Nos encontramos con una historia muy madurada, compleja en sus significados y muy bien estructurada con múltiples personajes secundarios que ayudan en el desarrollo de la trama, pero sentían que algo les faltaba y que era indispensable poner: esos momentos de veneración patria hacia el superhéroe, que se sacrifica por los demás sin pedir nada a cambio. Tenían que hacer su obligada aparición esas frases que estamos hartos de escuchar en este tipo de películas, tan vacías de significado con los violines sonando de fondo que echan por tierra todo el magnífico trabajo que se había hecho antes.
Cuando uno las escucha no puede evitar pensar que si acaban diciendo esas cosas, todo lo anterior no ha tenido ningún sentido y que nos la han colado otra vez, que no sería la primera vez. Sin embargo pensándolo detenidamente no podemos hablar de El Caballero Oscuro como otra película más de superhéroes, sino más bien como las mejor película de superhéroes que se ha hecho hasta la fecha.
Es una pena que empañen con esos tópicos una película que no trata al bueno como un semidiós al servicio de la ciudad, sino como un elemento más de la eterna lucha entre el bien y el mal.

Carlos Sanz

Wall·E. Batallón de Limpieza

2008-08-13T18:02:00.004+02:00

CALIFICACIÓN: *****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Andrew Stanton. Intérpretes (voces): Ben Burtt, Elissa Knight, Fred Willard, Sigourney Weaver, Jeff Garlin, Kathy Najimy. Guión: Andrew Stanton y Pete Docter. Fotografía: Jeremy Lasky. Música: Thomas Newman. Título Original: Wall·E. Nacionalidad: USA, 2008. Duración: 97 min. Género: Animación.

De vez en cuando, no demasiado a menudo, salgo de la sala de cine pensando en si la película que acabo de ver ha sido realizada por un ser humano o por un genio sobrenatural. Son situaciones muy puntuales, debido sobre todo a la poca proliferación de estas auténticas obras de arte en la cartelera cinematográfica. Sin embargo, cuando aparece un ejemplo así descubro porqué me gusta tanto el cine, porqué es capaz de despertar sentimientos desconocidos y sobre todo porqué consigue evadirnos totalmente de la realidad y nos zambulle en una historia que, a priori, puede resultar el extremo opuesto a nuestras vidas.
Una de estas pequeñas joyas que nos brinda el cine es Wall-E, la última obra maestra de esa mina de oro sin fin que es Pixar. Esta productora, comprada por Steve Jobs a Lucasfilm en 1986, lleva demostrando desde que en 1995 realizara su primer largometraje completamente por ordenador, Toy Story, que se encuentra a la vanguardia no sólo del cine de animación, sino del cine en general. Sus éxitos se basan en historias para niños y adultos, cimentadas con sólidos guiones, y con unas técnicas de animación en tres dimensiones inigualables.
Por supuesto Wall-E no va a ser menos. La historia nos sitúa en el año 2700, donde la Tierra ha sido totalmente despoblada por la contaminación y un pequeño robot que alguien se olvidó desconectar lleva 700 años limpiándola. La soledad y la monotonía que vive desaparecen cuando llega a la Tierra un robot explorador, que se convierte en su primer amigo en todos esos siglos y al que tendrá que seguir lejos de nuestro planeta para no perderle.
Sentimientos como la soledad, la amistad e incluso el amor, se dan en estos personajes robóticos de manera natural, como si de seres humanos se tratara. El espectador no se plantea la idea de que un robot sea incapaz de experimentar esos sentimientos ya que desde un primer momento se identifica con el protagonista: ¿acaso es Wall-E más “humano” que nosotros mismos?¿No se ha convertido el hombre en un ser automatizado que se limita a realizar las tareas que le han encomendado? Parece que la historia utiliza esta idea del robot como ser (más) humano para plantearnos esos interrogantes.
A esto ayuda muchísimo la enorme calidad de animación con que Pixar impregna cada fotograma: Wall-E consigue más expresividad sólo con mover sus pequeños ojos metálicos que muchos de los actores más cotizados de Hollywood en sus escenas más dramáticas. La enorme capacidad que tiene el protagonista de mostrar su estado de ánimo o sus pensamientos para transmitírselos al espectador es uno de los puntos que debemos aplaudir a su director, Andrew Stanton. Sobre todo teniendo con cuenta que la primera parte de la película es casi muda con un monólogo visual de Wall-E y de sus andanzas en la Tierra.
Personalmente, estos primeros minutos que homenajean a Buster Keaton y al mejor Chaplin, que recurren al lenguaje corporal en vez del lenguaje hablado, es el punto más importante y arriesgado de la cinta. Hay que tener en cuenta, aunque muchos no estemos de acuerdo, que en Occidente se cree que el cine de animación está restringido a un público infantil, pese a que algunas películas ya nos haya demostrado lo contrario como Shrek (Andrew Adamson & Vicky Jenson, 2001) o South Park (Trey Parker, 2000). Sin embargo Pixar no comparte esta opinión, ya que su filosofía es la de crear títulos para los más pequeños pero también para los más mayores, ya que sus gustos no están reñidos. Por eso el riesgo que han corrido de crear una película “para niños” eliminando por completo los diálogos en los primeros minutos es de un mérito muy a tener en cuenta. Es algo que naturalmente pide la historia, puesto que si el robot se encuentra completamente solo en la Tierra no se deben forzar los diálogos para que el espectador no se aburra. Sin embargo estoy seguro de que ni el niño más inquieto de la sala echaba de menos un par de conversaciones para amenizar el inicio, puesto que Stanton sabe muy bien como llevar a cabo la historia sin necesidad de ellos.
La evolución natural que ha seguido, sigue y seguirá el cine a lo largo de su historia nos trae consigo películas que a lo mejor no entendemos, que superan nuestra capacidad de comprensión, o que simplemente consiguen transmitir una historia tan compleja que reúne ecología, el sedentarismo del hombre o el (mal) uso que hacemos de la tecnología de una forma simple y cercana al espectador: eso es Wall-E.
¿Una película de animación a la vanguardia del cine?¿Y por qué no?

Carlos Sanz

Sexo en Nueva York (por F. F.)

2008-07-16T12:44:00.006+02:00

La crítica de cine, como bien me dice siempre Liliana Sáez, se puede considerar como una pequeña obra literaria. Y por supuesto, como en cualquier novela, cuento, poema, etc. nos encontramos con escritos de todo tipo.
Hoy he recogido una crítica que aparece en el número 1977 (Julio 2008) de la revista Fotogramas, firmada por Fausto Fernández acerca de la película de Sexo en Nueva York. Para empezar os informo que la calificación que la da es la más baja posible: de una sóla estrella, por lo que podemos esperar un texto que utiliza mcuhas metáforas tomadas de la "filosofía" de la cinta para descalificarla.
A continuación os transcribo el texto íntegro (que también se puede leer en la página web de Fotogramas):

<<Ir de tiendas puede ser muy divertido. El problema reside en cuando esa forma de entender el ocio se transforma en manera de vivir, de ser. Y el mayor problema de esta innecesariamente alargada sesión de shopping llamada Sexo en Nueva York: La Película es que piensa que la vida es una sucesión de escaparates, marcas y tópicos. Tal vez desde la heterosexualidad masculina sea imposible comprender que un discurso que ensalza el matrimonio, la maternidad, el consumismo compulsivo, la superficialidad, los complejos de Electra y la esterilización mental del macho sea el no va más del posfeminismo.
Igual que esas barritas dietéticas que sustituyen a una comida, el film es una gran, edulcorada e hipocalórica NADA. Un publirreportaje formulado desde un somnoliento climaterio cinematográfico, con mala pata (calzada con Manolos, eso sí) en su supuesta moderna reivindicación de la Cenicienta sin ceniza. Uno se pregunta si George Cukor se estremecería en su tumba viendo que estas ricas y famosas que juegan a ser transgresoras están más pasadas de moda que sus reprimidas abuelas.>>

Firmado por Fausto Fernández.

Lo primero que tengo que decir es que no he visto la película, ni tengo intención. Pero cómo disfrutamos cuando una persona destripa de esa forma, y sobre todo con esa elegancia, un producto tan típico, tan utilizado y reutilizado por los medios de comunicación. Ese estilo de vida impuesto por los mass media, que ha llegado hasta las salas de cine, y que nos lo quieren vender como una obra de arte a la altura de grandes comedias clásicas como, por citar la primera que se me ocurre, Arsénico por Compasión.

¿De verdad ir de compras, encontrar un marido rico para sacarle todo lo posible o charlar con las amigas sobre moda es el estilo de vida más digno?¿Estos son los nuevos aires que soplan para el feminismo? Mary Wollstonecraft se removería en su tumba. Me parecen mucho más dignos y acertados los valores que defiende Frank Capra en Qué Bello es Vivir.
Creo que me he desviado un poco del tema original de este post, pero leyendo escritos tan elocuentes, donde nada sobra ni falta como la anterior crítica de Fausto Fernández, es normal que el lector se vea afectado como si de cualquier otro texto de los considerados "literarios" se tratara. Tomándole como referencia, está claro que la crítica actual (no toda, por supuesto) también puede ser una pequeña obra literaria.

Como la Vida Misma

2008-06-17T13:43:00.005+02:00

CALIFICACIÓN: **

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Peter Hedges. Intérpretes: Steve Carell, Juliette Binoche, Dane Cook, Norbert Leo Butz, Alison Pill, Marlene Lawston, Dianne Wiest. Guión: Peter Hedges & Pierce Gardner. Fotografía: Lawrence Sher. Música: Sondre Lerche. Título Original: Dan In The Real Life. Nacionalidad: USA, 2007. Duración: 98 min. Género: Comedia romántica.

A lo largo de la Historia del Cine hemos sido testigos de cómo los actores que en principio se encasilla ndentro del género de la comedia, saben desenvolverse en otros estilos menos divertidos o, por lo menos, donde no pueden potenciar esa vena cómica que les caracteriza. Muchos de ellos han conseguido salir airosos de la experiencia, algunos incluso realizando interpretaciones memorables: un caso más o menos reciente, y sobre todo significativo, es el de Jim Carrey en El Show de Truman (Peter Weir, 1998).

En la cinta que nos ocupa nos encontramos con un caso similar. El protagonista, Steve Carell, es un actor cuya filmografía está formada principalmente por películas cómicas: Como Dios (Tom Shadyac, 2003), Virgen a los 40 (Judd Apatow, 2005) o Sigo Como Dios (Tom Shadyac, 2007). Aquí, sin embargo, retoma esa vertiente dramática con toques jocosos que ya anticipaba como el pesimista especialista en Proust de Pequeña Miss Sunshine (Jonathan Dayton & Valerie Faris, 2006).

En Como la Vida Misma Carell da vida a un periodista viudo de mediana edad que debe encargarse de cuidar y educar a sus tres hijas. Ese es el prometedor prólogo de la cinta, pero rápidamente se ve truncado por el giro que toma la historia y que la convierte en una comedia romántica más, donde el protagonista conoce a la que cree que es el amor de su vida pero con la que (por si alguien tenía dudas) no puede estar.

Centrándonos en el propio desarrollo de la cinta es muy significativo destacar que sus primeros 10 minutos consiguen transmitir al espectador muchos más sentimientos, más información psicológica de los personajes de Carell y sus hijas que en la hora y media restante: desde que el protagonista llega a la reunión familiar, donde conocerá a la chica de su vida, entramos en un juego de tópicos tan usados y reutilizados en este tipo de películas que no dejan ningún tipo de elemento para la sorpresa.

Si esto sucede es principalmente por “culpa” de su guión, y consecuentemente del guionista. Como decía antes, el prólogo nos transmite más información del cuarteto protagonista porque el resto de la película intenta abarcar a todos los personajes de la familia y le queda demasiado grande. Así, mientras que al principio consigue afrontar la ardua tarea de presentación rápida pero efectiva, luego cae en su propia trampa al introducir a tantos personajes sin ninguna razón de ser: tienen la misma importancia los sobrinos que sólo pronuncian unas pocas frases que los hermanos del protagonista que intervienen en la mayoría de las escenas. Casi todos ellos se convierten en títeres que deambulan por la pantalla sin aportar nada a la trama, sin ayudar al desarrollo de la historia ni del padre enamoradizo al que da vida Carell.

Sin embargo ese “casi” tiene un porqué y es que no todos los personajes carecen de trasfondo psicológico. El protagonista es el único que mantiene el tipo dentro de ese popurrí de familiares figurantes, aunque tampoco sea gracias al guión: Steve Carell se echa a la espalda todo el peso de la película y lo lleva con cierta soltura, sobre todo porque hasta él está limitado dentro de la historia. Algo muy significativo es que se le nota más suelto en las escenas dramáticas que en los contados números jocosos que aparecen, quizá para evitar ese encasillamiento en el que caen la mayoría de actores cómicos.

Carell intenta concienzudamente que la historia salga adelante de una manera digna; sin embargo alguien debería haberle dicho que de donde no hay, no se puede sacar. Es una lástima que su esfuerzo no se vea recompensado, o al menos igualado tanto por el guión como por el resto del reparto (que incluye a famosas actrices como Juliette Binoche o Dianne Wiest).

Lo que podía haber sido una mirada seria sobre un padre de mediana edad que tiene que educar a sus tres hijas, evitando las comparaciones con obras similares como la serie de los 80 Padres Forzosos, se transforma repentinamente en otra comedia romántica a las que (desgraciadamente) tanto estamos acostumbrados. Una auténtica pena.

Carlos Sanz

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal

2008-06-04T13:10:00.006+02:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA

Dirección: Steven Spielberg. Intérpretes: Harrison Ford, Shia LaBeouf, Cate Blanchett, Karen Allen, John Hurt. Guión: David Koepp, sobre una historia de George Lucas y Jeff Nathason. Fotografía: Janusz Kaminski. Música: John Williams. Título Original: Indiana Jones And The Kingdom Of The Crystal Skull. Nacionalidad: USA, 2008. Duración: 122 min. Género: Aventuras.

Han pasado 19 años desde que el arqueólogo más famoso del cine hiciera su penúltima aparición en la gran pantalla. Muchos han sido los proyectos descartados desde aquella Indiana Jones y la Última Cruzada, algunos firmados por grandes guionistas como Frank Darabont, pero que no terminaron de convencer a la pareja de oro Lucas-Spielberg.

Sin embargo la espera por fin ha terminado, y la cuarta entrega del doctor Jones ya es una realidad. En ella, nos encontramos con un hombre más maduro e inteligente que en sus anteriores aventuras. En cambio, aquí nos sitúan en plena Guerra Fría, por lo que sus enemigos no son los nazis a los que nos tiene acostumbrado sino los comunistas rusos. En cuanto al MacGuffin que sirve de detonante no es un arca, templo o Grial, sino una calavera de cristal con poderes paranormales y de misteriosa procedencia.

Como podemos observar tiene todos los ingredientes que hicieron de sus tres antecesoras todo un éxito de taquilla, ya que sigue las mismas fórmulas de aventuras y ritmo trepidante, y todo ello bajo la magistral batuta de Spielberg. El director vuelve a demostrar, una vez más, que su capacidad para realizar películas de calidad que diviertan a públicos de todas las edades sigue intacta: sólo está al alcance de unos pocos realizar películas tan monumentales y con tanta presión mediática como esta y salir airoso de su cometido, y desde luego Spielberg es uno de ellos.

El director ha sabido reunir los elementos que dieron tanta fama al doctor Jones, a pesar de que hayan pasado 19 años desde su última aparición en el cine. La película es un perfecto ejemplo del saber hacer de Spielberg, y sobre todo de lo que necesita una película de aventuras para conseguir entretener al público sin olvidar sus raíces: el ritmo, las escenas de acción, todo el elenco de personajes secundarios, y sobre todo el protagonista con su humor tan característico hacen que retrocedamos en el tiempo y volvamos a vivir las mejores escenas de Indiana Jones.

Eso relativamente, puesto que la edad no perdona ni siquiera al intrépido arqueólogo, o más bien a Harrison Ford. No debemos esperar una cinta donde todas las escenas de acción, que son muchas, estén capitaneadas por el protagonista, como ocurría antaño: mientras que en unas se intenta mostrar que Jones sigue estando en forma y es capaz de salir airoso de las situaciones más inverosímiles, como en la escena inicial del almacén; en otras su papel de héroe queda relegado a un segundo plano a favor de los secundarios como su hijo, interpretado por el omnipresente Shia LaBeouf.

La introducción en la película de un papel tan importante como es el del hijo del doctor Jones es la principal novedad que se aporta a la historia. Mientras que en los films anteriores el reparto se basaba en Indiana Jones, la chica, un compañero y el enemigo, en el caso de la cuarta película el patrón anterior queda totalmente descartado con la aparición de Shia LaBeouf (que parece sacado del Marlon Brando de Rebelde Sin Causa).

Este es el personaje más interesante de la cinta, principalmente por la novedad que representa, puesto que al doctor Jones ya le conocemos de experiencias anteriores y la chica no es otra que Marion Ravenwood (Karen Allen), que ya apareció en Indiana Jones en Busca del Arca Perdida (1981). Calificado como Mutt, hasta que descubrimos que forma parte de la saga Henry Jones, es el claro ejemplo de lo que podía haber sido y no fue. Mientras que al principio se le muestra como un personaje rebelde, inconformista y defensor de que el fin (encontrar a su madre) justifica los medios, poco a poco se va transformando en el bufón de la película, tomando el calificativo con su significado más despectivo: es el objeto de la mayoría de escenas ¿cómicas? de la cinta. En cuanto a las que están protagonizadas por Jones, sí que se puede calificar de realmente divertidas puesto que hacen referencia la comicidad original de la saga, como por ejemplo la huída de los soldados rusos ante la inminente explosión de la bomba nuclear.

Si en el bando de los buenos existe esta pequeña cojera, en el de los enemigos no hay ningún “pero”. Cate Blanchett interpreta concienzudamente a Iriana Spalko, militar soviética y mano derecha de Stalin. En este caso se ha querido optar por un personaje femenino para interpretar el rol de enemigo, algo muy significativo: parece que la intención es conseguir un efecto menos previsible de la maldad del antagonista, algo que por ejemplo no ocurría con el líder de la secta de Indiana Jones y el Templo Maldito (1984). Blanchett consigue esa dualidad de la mala de la película ayudada por su imagen de mujer grácil y débil, pero que por otro lado es implacable con sus enemigos y que, como ella misma dice, siempre consigue lo que quiere.

Lucas y Spielberg han sabido reunir y utilizar perfectamente todos estos ingredientes para conseguir una obra notable. Aunque en este caso la temática acaba inclinándose más hacia el lado de la ciencia ficción, la base de aventuras y de humor propio de la saga que siempre nos ha dado Indiana Jones sigue intacta.

No defraudará a los seguidores más acérrimos puesto que a sus creadores no se les ha pasado ninguno de los elementos característicos de la historia de Jones: la espera tendrá un resultado a la altura de las circunstancias. Ahora ya sólo podemos pedir que no tarden otros 19 años en llevar a Indy a la gran pantalla con una nueva aventura.

Carlos Sanz

Cuentos de Terramar

2008-04-10T12:25:00.002+02:00

CALIFICACIÓN: ***

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Goro Miyazaki. Guión: Goro Miyazaki & Keiko Niwa basado en la serie de novelas “El Ciclo de Terramar” de Ursula K. Le Guin. Producción: Toshio Suzuki. Música: Tamiya Terashima. Dirección artística: Yoji Takeshige. Título original: “Gedo Senki (Tales From Earthsea). Nacionalidad: Japón, 2006. Duración: 115 minutos. Género: Animación.

Cuando uno lee los títulos de crédito de esta película, donde aparecen juntos los nombres de Goro Miyazaki (que no Hayao) y el Studio Ghibli, no puede evitar el evocar algunas de las más grandes películas de animación japonesa que se han producido en la sede del estudio como La Tumba de las Luciérnagas, La Princesa Mononoke o El Viaje de Chihiro.
Pero nada más lejos de la realidad: sólo con el nombre no se consigue el éxito, ni mucho menos una obra de calidad. Parece que a Goro le ha pesado demasiado ser hijo de quien es, y es inevitable analizar con lupa cada uno de los detalles de la película y no ponerlos en comparación con obras anteriores del maestro Hayao.
La estética que predomina durante toda la película es muy similar a largometrajes anteriores de Ghibli: los infinitos paisajes, los elementos fantásticos, la mezcla de modernidad y antigüedad, y los personajes femeninos. Todos ellos son elementos muy característicos del estudio y de las películas de Hayao Miyazaki, algo que ha tomado como punto de partida su hijo y que supone el principal punto positivo de toda la cinta.
Por ejemplo, nos encontramos con que la estética que presentan los soldados es muy similar a la de algunos personajes de Nausicaä del Valle del Viento (Hayao Miyazaki, 1984), al igual que el tipo de espadas que utilizan, que parecen ser tomados conscientemente de la película de su padre. Otro elemento que no se puede tener por original de la cinta son las vestimentas de los protagonistas, que nos recuerdan demasiado a la mítica serie Heidi, la Niña de los Alpes (Isao Takahata, 1974).
Si seguimos enumerando características que adopta Goro en su película también hay que hablar del mapping (los personajes se dibujan a mano y los fondos a ordenador para crear escenas más dinámicas con menor coste), técnica de la que fue pionero su padre en La Princesa Mononoke (1997). La clave no está únicamente en el uso del mapping, si no en que el director prácticamente calca escenas de otras películas del estudio.
Ante esta situación es inevitable preguntarse quién ha planteado esta idea de tomar obras anteriores para la nueva película, lo que hace que sólo se vea como una cinta original si no se ha disfrutado de trabajos anteriores de los maestros Miyazaki y Takahata. Posiblemente la productora prefería trabajar sobre seguro y ha introducido estás características dentro de la obra para que nos recordara a otras grandes películas, una finalidad que consiguen con creces.
Sin embargo esto no deja en muy buen lugar a su director: demuestra que por ahora este tipo de cometidos le quedan grandes y que la falta de originalidad de su trabajo no deja lugar a dudas.
Si el director queda en mal lugar por adoptar todas estas características de una forma tan clara, sin ningún tipo de tapujos y sin buscar una nueva iconografía para su película, con ésta ocurre todo lo contrario. Gracias a la aportación de otras obras como las que he nombrado antes, nos encontramos con un asomo de los mejores ejemplos de la Historia de Ghibli, con lo que podía haber sido y no fue: la fantasía a la que nos tienen acostumbrados se consigue con esos pequeños elementos de Nausicaä o de Mononoke, pero el conjunto no termina de cuajar como una obra completa. Le falta algo, y ello es sin duda el trabajo del director para saber unificar un material de tanta calidad.
Aparte de lo anterior, cabe destacar que la película está basada en una serie de novelas: El Ciclo de Terramar de Úrsula K. Le Guin. Al igual que pasó hace unos años con la adaptación al cine de Alatriste (Agustín Díaz Yanes, 2006), nos encontramos con tanto material literario que al pretender realizar una película de todo ello, el resultado es una historia enrevesada, con numerosos hilos argumentales que quedan sin resolver y con otras que están metidas a presión. Con Terramar sucede exactamente lo mismo: la historia parece tan compleja y quiere abarcar tanto que muchos elementos se quedan en el aire, algo muy frustrante para los que no hemos leído las novelas.
Si a todo esto le unimos que Joe Hisaishi, un habitual de los trabajos de Hayao Miyazaki, no colabora en la banda sonora, el resultado es que la enorme calidad a la que nos tienen acostumbrados los directores del Studio Ghibli se ha visto salpicada con una mancha en su expediente con esta película.
Al ver Cuentos de Terramar no nos vamos a encontrar una de las mejores cintas de Ghibli, de historias con moralejas y personajes desconocidos con los que nos podamos identificar. Es una película que se caracteriza por estar realizada en el estudio japonés, pero que no alcanzará los niveles de calidad de los grandes maestros de la animación: la sombra de Hayao Miyazaki es demasiado larga.

Carlos Sanz

No es País para Viejos

2008-03-27T11:35:00.005+01:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Joel & Ethan Coen. Intérpretes: Josh Brolin, Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Woody Harrelson. Guión: Joel & Ethan Coen, basado en la novela de Cormac McCarthy. Fotografía: Roger Deakins. Música: Carter Burwell. Título original: “No Country For Old Men”. Nacionalidad: USA, 2007. Duración: 122 minutos. Género: Drama criminal.

Los Coen vuelven a sus orígenes. Ese es el principal resumen que se puede sacar tras visionar su última cinta: No es País para Viejos. Y después de presenciar alguna de sus últimas producciones, como Ladykillers o Crueldad Intolerable, desde luego es una gran noticia.
Los famosos hermanos echan mano de sus raíces, de las historias sobre personajes anónimos: personas corrientes que en un momento de sus vidas se cruzan con hechos que les cambiarán para siempre, con seres ambiguos de moralidad dudosa pero que siempre buscan una meta y que supondrá su razón de ser durante toda la película. Al igual que en O’ Brother!, donde la premisa que movía a los protagonistas era encontrar el tesoro enterrado del que tanto hablaba George Clooney, aquí se usa de nuevo el motivo del botín como motor de la historia, aunque en este caso los hilos argumentales que genera son más complejos.
La película se divide básicamente en tres historias: la que protagoniza Llewelyn Moss (Josh Brolin), que representa al hombre corriente que fortuitamente se encuentra con la escena de un crimen en que no ha tomado parte y con una maleta llena de dinero; otra es la de Anton Chigurh (Javier Bardem), un asesino a sueldo que se toma demasiado en serio su trabajo y que debe encontrar a Moss y el dinero que se ha llevado; y por último está la historia de Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones), el sheriff que se encarga de investigar todo el asunto cuando descubre la escena del crimen inicial.
La maestría con que los hermanos Coen consigue tejer la enmarañada historia a partir de estos tres hilos principales es uno de los puntos fuertes de la producción. Nos encontramos con una búsqueda en el equilibrio entre las situaciones de unos y de otros, y sobre todo de su importancia dentro de la película. Sin embargo, mientras que los que destacan son Brolin y Bardem, el sheriff interpretado por Tommy Lee Jones parece quedarse en un segundo plano y sus intervenciones siempre se encuentran subordinadas a las de los otros dos. Se trata de una historia a la que se quiere dotar de importancia mediante pequeños detalles de su biografía personal, y no tanto de su relación con los otros dos personajes protagonistas. Esto hace que el espectador se sienta distanciado del rol del sheriff y que sus apariciones en escena no parezcan más que elementos de relleno.
Lo que realmente predomina, y lo que más interesa al espectador, es ese juego del ratón y el gato que representan Brolin y Bardem. Éste, demuestra en todo momento que nada condiciona sus decisiones salvo la satisfacción que encuentra en el propio hecho de quitar vidas: los Coen lo retratan como un personaje que se guía por sus propios principios, sin importarle lo más mínimo las vidas humanas que tenga que arrebatar para llegar a su meta.
La intención de los Coen no es mostrar un mundo optimista, un escenario donde los actores lleven vidas apacibles ajenas a cualquier desastre, sino todo lo contrario. Como es habitual en la mayoría de su filmografía, y sobre todo en sus producciones más personales, los protagonistas son el claro ejemplo del anti-héroe: no son los héroes clásicos que proclamaba Homero en sus poemas épicos de La Ilíada o La Odisea, seres virtuosos que luchaban por el bien común de una forma heroica, sino su antítesis. En ellos el egoísmo es visto como una virtud, algo que les ayuda a sobrevivir, y que se sobrepone a su gran inteligencia (salvo en el caso del sheriff).
Este último detalle es muy interesante ya que los tres personajes principales demuestran en todo momento unos grandes conocimientos que llevan a la práctica y aplican a cualquier decisión, como la competencia del psicópata que interpreta Bardem sobre “cirugía” para sanarse la pierna. Los Coen los muestran como seres que saben moverse por un mundo irregular, un escenario que les ha sido impuesto y donde ellos no han tenido más remedio que adaptarse para sobrevivir.
Este pesimismo del mensaje tiene su máximo exponente en el final de la película. Cada uno de los tres personajes principales sufre un desenlace distinto, pero el peor que podrían imaginar cada uno de ellos: la muerte, el accidente y la jubilación (no voy a decir de cuál es cada uno).
Tomando todo lo anterior, especialmente el punto sobre la inteligencia y la viveza que demuestran los personajes, es muy elocuente que el título de la película sea No es País para Viejos: en un mundo tan competitivo como el nuestro no hay lugar para las personas que no saben adaptarse al mundo que les rodea y menos aún para las que no demuestran la viveza y la capacidad de tomar importantes decisiones de inmediato como los tres protagonistas de la historia.

Carlos Sanz

Pozos de Ambición

2008-03-07T19:31:00.007+01:00

CALIFICACIÓN: *****

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Paul Thomas Anderson. Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier, Kevin J. O’ Connor, Ciarán Hinds. Guión: Paul Thomas Anderson, sobre la novela de Upton Sinclair. Fotografía: Robert Elswit. Música: Jonny Greenwood. Título original: “There Will Be Blood”. Nacionalidad: USA, 2007. Duración: 158 minutos. Género: Drama.

Habrá Sangre sería la traducción literal del título original de la película. Una frase que resume perfectamente la intencionalidad del director y que nos indica que la finalidad de su historia es mostrar los orígenes de una nación que se ha cimentado bajo la premisa de causa-consecuencia: acción-reacción.
Pozos de Ambición se ambienta a finales del siglo XIX y principios del XX en el Oeste de los EE UU. Las primeras perforaciones para encontrar petróleo se dan en la zona: miles de dólares que se encuentran bajo la corteza terrestre esperando a que cualquier hombre arriesgado y sobre todo ambicioso dé con ellos. Uno de estos perforadores es Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) que junto a su hijo adoptivo (Dillon Freasier) y a su poder de convicción van sembrando la tierra por donde pasan de pozos petrolíferos. Pero ¿hasta qué punto influye la ambición y el egoísmo en las decisiones del personaje protagonista?¿Acaso no haríamos nosotros lo mismo que él, con sus cuestionables decisiones, si nos encontramos luchando por dinero y por el poder que conlleva?
El antihéroe que propone Paul Thomas Anderson representa la cara oscura del ser humano. Sin embargo no es un ser rechazado socialmente ya que vive rodeado de trabajadores que le respetan e incluso le admiran (salvo al final de la cinta donde el multimillonario Plainview se recluye en su mansión a la manera del Charles Foster Kane de Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941)). Aunque el protagonista se muestre a la sociedad como una persona que busca la felicidad para sí mismo pero también para aquellos que le rodean, preocupándose por sus problemas y ayudándoles en todo lo posible, su vida privada es muy distinta. Esas promesas que expone a los demás, como puestos de trabajo y ayudar a los pueblos donde perfora a que salgan adelante, pronto nos damos cuenta de que son una mentira que sabe utilizar muy bien puesto que como él mismo dice en un momento de la película “odio a todo el mundo”: no le interesan los demás si no es para beneficio propio (como se observa en la escena donde rechaza a su hijo (adoptivo) porque ya no puede utilizarle para conseguir más tierras que explotar).
Mención aparte merece el actor que lo encarna: Daniel Day-Lewis. Es muy probable que si el papel protagonista lo hubiera tomado otro actor, la película no fuese tan buena. Por otro lado muchas son las leyendas que corren acerca de sus métodos de trabajo, sin embargo los resultados saltan a la vista aunque sólo haya aparecido en 4 películas en los últimos 10 años: The Boxer (Jim Sheridan, 1997), Gangs of New York (Martín Scorsese, 2002), la inédita en España The Ballad of Jack & Rose (Rebecca Miller, 2005) y la que nos ocupa. Sus enormes exigencias a la hora de elegir un guión y un personaje le llevan a rechazar numerosos proyectos, sin embargo cuando finalmente se decide por uno suele acertar: aunque en The Ballad of Jack & Rose no está demasiado inspirado, con el personaje de Bill “el Carnicero” Cutting en Gangs of New York dio toda una lección de saber hacer. En Pozos de Ambición vuelve a superarse a sí mismo y consigue una de las interpretaciones más magistrales e (in)creíbles de los últimos años: logra transmitir cada sentimiento del personaje sin apenas proponérselo jugando a la vez con esa dualidad de la que hablaba antes. En la pantalla no vemos a Daniel Day-Lewis sino al propio Daniel Plainview, lo mismo que ocurría con Bill “el Carnicero” Cutting o con Christy Brown en Mi Pie Izquierdo (Jim Sheridan, 1989) por citar algunas de sus interpretaciones más representativas.
Junto a él nos encontramos con otro actor que, cuanto menos, planta cara a la interpretación de Day-Lewis: Paul Dano. Ya le pudimos ver como adolescente aficionado a Nietzsche en voto de silencio en Pequeña Miss Sunshine (Jonathan Dayton & Valerie Faris, 2006). Aquí interpreta a un joven predicador que también intenta sacar partido de la extracciones petrolíferas para construir una iglesia mejor y comunicarla con el resto de ciudades de la zona con el fin de conseguir más fieles.
Pero no todo el mérito es de los actores: Paul Thomas Anderson ha demostrado que su estilo cada vez se va definiendo más y que está a la altura de otros grandes cineastas norteamericanos actuales. Perteneciente a la hornada de cineastas norteamericanos que se dieron a conocer en los 90 junto con grandes nombres como Quentin Tarantino, Spike Jonze, Todd Haynes o Wes Anderson, que se criaron devorando cintas de vídeo de los grandes clásicos (y de los no tan clásicos, como es el caso de Tarantino), Anderson demuestra en cada producción su estilo y va desprendiéndose de las imágenes de otros.
Si tenemos en cuenta que el director siempre ha firmado los guiones de todas sus cintas, ya sean historias originales o, como en el caso de Pozos de Ambición, que se basa en la novela de Upton Sinclair Oil! (1927), podemos afirmar que nos encontramos ante un autor obsesionado por la perfección y que se toma cada uno de los planos como una batalla de la que siempre debe salir victorioso.
En la película que nos ocupa, donde Anderson se encarga hasta de la producción, consigue expresar temas tan complejos como la ambición del ser humano dentro de una sociedad que se está formando. Pero va más allá de la situación histórica donde se refleja. No importa que suceda durante las primeras etapas de extracción de petróleo en Estados Unidos: se puede extrapolar a la gran mayoría de la población mundial en general y a la situación de cada uno en particular. El hombre es egoísta y ambicioso por naturaleza (cada uno en mayor o menor medida), es algo innato, y el ejemplo que utiliza Anderson para demostrarlo es mucho más que válido.
El otro gran tema que nos expone el director es el cómo se formó la base económica de la primera potencia mundial. Como en todo camino donde hay un ganador y un perdedor, el más listo o el más rápido es el que se lleva el triunfo. Así el que quería ser el primero, en este caso Plainview, no debía tener ningún tipo de escrúpulos para conseguir sus metas, aunque para ello tuviera que hacer desaparecer a su hijo o a cualquier otro competidor con artimañas no demasiado aceptables: si Michael Moore critica la política norteamericana centrando sus golpes en el presidente, la cabeza visible del sistema, Paul Thomas Anderson prefiere dirigir su mirada hacia el corazón económico de la sociedad estadounidense: el petróleo. Por eso nos encontramos ante una historia mucho más visceral, que muestra cómo se formó un país políticamente correcto a partir de una lucha amoral donde el oro negro estaba por encima de cualquier cosa.
Para conseguir expresar todas estas sensaciones y que el espectador sepa recibirlas perfectamente, también son imprescindibles dos elementos de la película: la fotografía y la banda sonora.
La fotografía corre a cargo de Robert Elswit, que ha trabajado junto a Anderson en todas sus producciones y que con esta cinta fue galardonado con el Oscar a Mejor Fotografía. Los tonos apagados y grisáceos que predominan en la mayoría de las escenas consiguen una ambientación que nos transporta a principios del siglo XX y que hacen de la película una experiencia mucho más realista.
En cuanto a la banda sonora, corre a cargo del guitarrista de Radiohead Jonny Greenwood. Al igual que en el grupo, la innovación y los nuevos sonidos están muy patentes en el film pero siempre subordinados a la ambientación y a las sensaciones que quiera transmitir Anderson: consigue una gran simbiosis entre lo contemporáneo y lo antiguo.
Todos estos elementos unidos magistralmente bajo la batuta del director hacen de la película un producto único y uno de los mejores largos que ha dado Hollywood en los últimos años. Las cuestiones que nos plantea acerca de cómo se han formado realmente las sociedades modernas, aunque él tome como punto de partida la historia de los Estados Unidos, no dejarán indiferente al espectador que a su vez se preguntará si de verdad conoce el mundo en el que vive. Cada uno tendrá su propia respuesta y su particular visión, pero una cosa si que está clara: habrá sangre.

Carlos Sanz

4 Meses, 3 Semanas y 2 Días

2008-02-14T13:20:00.004+01:00

CALIFICACIÓN: *****

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Cristian Mungiu. Intérpretes: Anamaria Marinca, Vlad Ivanov, Laura Vasiliu, Alex Potoceau. Guión: Cristian Mungiu. Fotografía: Oleg Mutu. Título original: “4 luni, 3 saptamini si 2 zile”. Nacionalidad: Rumania, 2007. Duración: 113 minutos. Género: Drama.

Hace un tiempo escuché a un famoso filósofo español defender la idea de que “el miedo es el motor del mundo”: la mayoría de las decisiones importantes a nivel mundial parecen tener el dinero o el poder como principal causa, sin embargo, bajo esa primera idea, se encuentra el miedo, que no permite la cordura en nuestras acciones.
Extrapolando esta tesis al plano cotidiano, se puede afirmar que muchas de las decisiones que tomamos en el día a día están guiadas por este sentimiento aunque aparentemente no lo parezca. Esto es lo que pretende conseguir (y consigue) Mungiu con su película: las protagonistas han llegado a un límite donde sólo pueden hacer algo que se vería como una locura a ojos de terceras personas.
4 meses, 3 semanas y 2 días forma parte de un conjunto más ambicioso de películas simbólicamente titulado “Relatos de una Edad de Oro”. Estas cintas tienen como objetivo común contar una historia que se desarrolle durante la época comunista de Rumania sin hacer referencia directa al régimen político.
Mungiu eligió para escribir su guión el tema del aborto. Ilegalizado en su país en 1966 por el dictador Nicolae Ceaucescu, provocó la muerte de más de 500.000 mujeres por su práctica ilegal, algo que posteriormente se entendió más como un movimiento de rebelión contra el régimen que como un asunto moral.
La historia se desarrolla a mediados de los años 80 (el régimen de Ceaucescu terminaría con su muerte en 1989), donde la universitaria Gabita (Laura Vasiliu) busca abortar, acompañada de su inseparable amiga Otilia (magnífica Anamaria Marinca). El problema aparece cuando deben llevar a cabo esta intervención ilegalmente, y que por lo tanto se arriesgan a acabar en la cárcel e incluso a la muerte. Con todo ello, recurren al Sr. Bebe (Vlad Ivanov), un especialista en abortos fuera de la ley que deberá operar en la habitación de un hotel.
Esta situación, vista desde fuera, podría parecer una auténtica locura que llevaría a preguntarnos si de verdad están dispuesta las protagonistas a correr semejante riesgo para abortar. Aquí es donde toma parte el estilo con el que Mungiu impregna cada una de las escenas: el realismo y la crudeza es tal que el espectador ya no se plantea este tipo de interrogantes, sino que tomamos las decisiones de las dos protagonistas (e incluso del propio Sr. Bebe, aunque no sean muy ortodoxas) como algo lógico, donde el por qué es secundario.
Quizá el mayor logro que consigue la película es que el espectador se pueda identificar con todos los personajes. Pese a tener opiniones tan distintas sobre la situación, que a la vez ha llegado ya al punto límite de practicar un aborto ilegal, la historia consigue absorber al público hasta hacerlo un personaje más de la cinta. A esto también ayuda mucho el saber que, aunque la historia no es cien por cien verídica, seguro que hubo múltiples abortos que se realizaron en las mismas condiciones durante la dictadura de Ceaucescu, por lo que también logra captar nuestra atención fuera del plano puramente visual de las imágenes de la pantalla.
En cuanto al guión, escrito por el propio director, es un crescendo continuo. Comienza con una pequeña introducción en la residencia de estudiantes de las dos protagonistas, donde ya se hace una mínima (aunque eficaz) presentación del la sociedad dictatorial en la que viven, especialmente al mostrarnos el mercado negro que se da allí. Tras exponer al espectador el ambiente en el que se van a mover los personajes, el director da paso a la historia en sí, que cada vez se va complicando más y absorbe al espectador lentamente pero con mayor eficacia.
Tampoco es un texto demasiado complejo, básicamente porque se centra en los tres personajes principales: las dos amigas protagonistas y el Sr. Bebe. Cada uno de ellos está perfectamente definido, sin estereotipos de ningún tipo, sino como seres humanos corrientes que les ha tocado vivir en una sociedad sin libertades y que intentan conseguir lo mejor para cada uno de ellos. Pese a que el espectador se pueda inclinar en un primer momento por el dúo protagonista e incluso vea al Sr. Bebe como un ser cruel y sin escrúpulos que busca el beneficio propio sin importarle a quién pueda dañar, todos tienen sus motivos igual de válidos. Al menos esa parece ser la intención de Mungiu, que intenta mostrar a este médico improvisado como otro individuo que intenta sobrevivir en esa sociedad tan desigual: una persona a la que el sistema no le ha dado nada, no se puede esperar que regale nada a los demás.
Pese a lo interesante de este personaje, el argumento se centra en el dúo femenino que es el que provoca la situación principal. Las dos féminas forman las dos mitades de un todo: mientras que Otilia es activa, serena y más optimista, Gabita representa el pesimismo, la pasividad y la inestabilidad. La primera es la que lleva el peso de la historia, la que se enfrenta al aborto como un problema que tiene (difícil) solución pero que se resolverá. Sobre todo es ella la que tiene que vivir la peor parte de enfrentarse a algo así, un sentimiento que demuestra en las escenas donde tiene que salir del hotel y hacer frente a las miradas de la gente mientras espera que nadie conozca la verdadera historia y las denuncie. El hotel se convierte, irónicamente, en el lugar más seguro donde pueden esconderse de las leyes y los juicios de un régimen impuesto.
Sin embargo 4 meses, 3 semanas y 2 días no es sólo una historia que muestra las consecuencias de vivir en un sistema dictatorial. Tampoco se trata de una denuncia contra el aborto ilegal y los efectos negativos que puedan concurrir en la mujer que lo practique. Es, como decíamos al principio, una película sobre el miedo: un sentimiento tan omnipresente en nuestra sociedad y en nuestras vidas que marca, sin saberlo, nuestra forma de pensar y de actuar. Una historia que no dejará indiferente a nadie.

Carlos Sanz

Juno

2008-02-10T21:26:00.000+01:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Jason Reitman. Intérpretes: Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jasón Bateman, J. K. Simmons. Guión: Diablo Cody. Fotografía: Eric Steelberg. Música: Matt Messina. Título original: “Juno”. Nacionalidad: USA, 2007. Duración: 97 minutos. Género: Comedia dramática.

Como viene siendo habitual desde hace unos años, vuelve a aparecer una nueva cinta independiente que parecía destinada al anonimato dentro del competitivo sistema de estudios de Hollywood. El año pasado la refrescante Pequeña Miss Sunshine (Jonathan Dayton & Valerie Faris, 2007) sorprendía a propios y extraños no sólo por su gran reparto para tratarse de una producción de este tipo, sino por el soplo de aire fresco que supuso dentro del panorama cinematográfico norteamericano.

Este año es el turno de Juno, que, salvando las distancias con la película de Dayton y Faris, también ha conseguido abrirse paso entre cintas más comerciales y ha logrado algo de las que no todas pueden presumir: 4 nominaciones a los Oscars (película, director, actriz y guión). Si dejamos a un lado el tema político que esconden los famosos premios, hay que reconocer que algo está cambiando en la Meca del cine. Que la academia norteamericana se haya fijado en esta cinta como para nominarla, sobre todo, a Mejor Película sólo puede suponer dos cosas: o que la calidad de las producciones comerciales en Estados Unidos están de capa caída y la academia debe explotar el terreno del cine independiente, o bien que la cinta se ha colado por méritos propios entre las cinco mejores del año (para los académicos norteamericanos). La respuesta podía ser un poco de las dos: en un año donde han predominado las secuelas (Shrek, Piratas del Caribe, Spiderman y un largo etc.), ha quedado demostrada la falta de imaginación por la que pasa actualmente Hollywood, por lo que el cine menos comercial se ha erigido como otra propuesta a tener en cuenta y con Juno como uno de los principales ejemplos.

Con sólo dos cintas en su haber tras Gracias por Fumar (2006), Jason Reitman aparece ahora con una historia sobre una preadolescente que se queda embarazada. La historia no podía ser más convencional sino fuese por la protagonista (interpretada por una magistral Ellen Page), que intenta demostrar que tiene el control de la situación aunque en verdad sea algo que se escapa a sus decisiones.

Juno se echa a la espalda todo el peso de la producción y marca el ritmo de la película en todo momento: una especie de heroína que parece no temer a nada ni a nadie, y menos aún a enfrentarse a un embarazo no deseado. El tema del embarazo es despojado de cualquier elemento negativo, en ningún momento se muestra como una situación contra la que haya que combatir o que vaya a afectar negativamente la vida de los personajes. Esto principalmente se puede observar en la despreocupada reacción de los padres de la protagonista al enterarse de la noticia, como si fuese algo que les sucediera todos los días y de rápida solución.

A partir de aquí se puede extraer el punto más débil de la película: la irrealidad de algunas situaciones. El guión se centra demasiado en mostrarnos a Juno como una preadolescente que sabe hacer frente a su embarazo, que no necesita a nadie para llevarlo y que es una persona totalmente independiente pese a su corta edad. Al intentar conseguir esto, se generan situaciones que, aunque el guión busca en todo momento contar una historia que resulte verídica, el resultado es el contrario. Un ejemplo de ello es la citada escena en que los padres conocen la noticia, aunque existen otras bastante significativas como por ejemplo el primer encuentro entre la protagonista y los padres adoptivos de su bebé: la soltura que demuestra Juno ante tal situación es algo intencionado pero a la vez tan irreal que el espectador no puede verlo como algo que pueda ocurrir.

Pese a esto, el guión demuestra una frescura y un desparpajo que se echa de menos en las producciones actuales. Está firmado por Diablo Cody, una ex-stripper que no podía haber tenido un mejor resultado por su primer trabajo: una nominación al Oscar. Sus ácidos diálogos, y en especial cualquier frase de las que suelta Juno, junto con los personajes secundarios que van marcando el camino de la protagonista, son las principales bazas del guión de Cody, que demuestra un gran trabajo en la elaboración de los personajes y en el papel que tiene cada uno dentro de la cinta, capitaneados todos ellos por la magnífica Ellen Page. Aunque en un principio cada uno de los secundarios parece seguir un estereotipo social como por ejemplo la madre adoptiva, que en un primer momento se muestra como la mujer perfecta, con éxito, dinero, perfeccionista, y obsesionada con tener un bebé, poco a poco va cambiando su manera de ver el mundo al igual que el resto de compañeros de reparto. Según avanza la película, todos ellos van evolucionando al ritmo de la historia, y sobre todo al ritmo que marca Juno, puesto que la madurez que va desarrollando a lo largo de la cinta influye (y está influida) por los secundarios.

Otro de los elementos que marcan la producción y que definen muy bien el estilo que quiere tomar es la banda sonora, compuesta por grupos independientes como Belle & Sebastian, Sonic Youth o The Velvet Underground. Aunque la música está demasiado omnipresente durante toda la cinta, incluso en algunos momentos de manera innecesaria, es muy de agradecer que se haya optado por este tipo de grupos para ambientar las escenas, ya que ayudan mucho en conseguir el tono ideal para una producción independiente.

Como punto final, haciendo referencia al principio de la reseña, sólo cabe decir que las comparaciones que existen entre esta cinta y Pequeña Miss Sunshine no tienen razón de ser ya que nos encontramos con cintas radicalmente distintas, aunque algunos se escuden en que las dos son producciones independientes como argumentos para sus ideas. No se puede decir que dos largometrajes son iguales, o intentar equipararlos, porque sus presupuestos sean relativamente reducidos: cada película defiende unas ideas a partir de la historia que narra, independientemente del dinero que se haya gastado la productora en realizarla.

Carlos Sanz

El Diablo Sobre Ruedas

2008-02-08T12:12:00.000+01:00

CALIFICACIÓN: ****

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Steven Spielberg. Intérpretes: Dennis Weaver, Eddie Firestone, Gene Dynarski, Tim Herbert, Charles Seel. Guión: Richard Matheson. Fotografía: Jack Marta. Música: Billy Goldenberg. Título original: “Duel”. Nacionalidad: USA, 1971. Duración: 90 minutos. Género: Thriller, acción.

La ópera prima de Steven Spielberg fue concebida en principio como una obra para televisión. Sin embargo el resultado final fue mucho mejor de lo esperado, y la calidad del material consiguió que se estrenara en la pantalla grande. Una obra que se realizó con un presupuesto muy reducido (seguro que está muy distante a los que maneja ahora el director), y con una realización muy apresurada, lo que no evitó que Spielberg impregnara con su estilo la obra y utilizara elementos que posteriormente perfeccionaría.

El argumento es, aparentemente, sencillo. Y digo aparentemente porque si nos fijamos sólo en lo que se ve, no hay más que contar que una persecución entre un camión que intenta alcanzar a un hombre y su coche para hacerlos desaparecer, sin ningún motivo aparente. Pero en realidad no se queda ahí la cosa. Se trata de una historia de superación personal, de ir más allá de nuestros miedos, de nuestros límites, y de explorar caminos de nuestro inconsciente que sólo activa el instinto de supervivencia, pero que siempre están ahí. No estamos hablando de fobias comunes, algo que ocurre a la mayoría de la población, sino de algo más profundo: el miedo a la muerte y la superación de ese sentimiento no sólo por petición de los demás, si no por uno mismo.

La historia comienza cuando David Mann (Dennis Weaver) debe hacer un largo viaje en coche para reunirse con un cliente. En la carretera se encuentra con un antiguo camión, y al adelantarle comienza a perseguirle. A partir de aquí se suceden toda una serie de escenas sobre el asfalto con los dos automóviles como protagonistas, en las que el camión demuestra ser muy superior y embiste violentamente al coche de Weaver.

La contraposición que se da entre los dos vehículos es una parte muy importante de la película. Se muestran en todo momento como seres vivos, no como simples máquinas utilizadas por el hombre: aquí es el hombre el que está subordinado al poder de los mecanismos de los automóviles y no al revés. El camión aparece durante toda la película como un ente vivo, como si tuviera un control real sobre sí mismo y no actuara según las intenciones de su conductor, por lo que el protagonista lo que realmente teme son las intenciones del propio vehículo y se olvida de que hay una persona al volante.

La idea de que el hombre se “mecaniza” sobre todo aparecen en las escenas de la carretera. En estos momentos está más presente la desigualada lucha entre el turismo y el tráiler, violenta persecución entre dos máquinas donde no interviene ningún tipo de ser humano (en apariencia) y donde no hay lugar para ningún tipo de sentimiento.

Todo esto tiene su contrapunto en las escenas donde el protagonista no está dentro del coche y que por lo tanto no se encuentra en la carretera. Una de ellas es la que se da en la cafetería Chuck: aquí hace su aparición el raciocinio humano ya que David Mann comienza a cuestionarse el origen de su siniestro perseguidor y cómo puede frenarle. Aquí surge una pregunta importante: ¿son las máquinas las que despiertan la violencia del ser humano o es éste el que las usa para liberar su sentimiento? Puesto que el único momento donde el protagonista demuestra su faceta humana es cuando se encuentra fuera del coche, dentro de él se asemeja más a un animal que intenta sobrevivir.

Esta es una idea secundaria que se puede extraer de la cinta, sin embargo el tema principal de la película es, como comentaba al principio, el intento de superarse a sí mismo y de sobreponerse a los miedos propios. Spielberg nos introduce magistralmente su tesis al principio de la película, mediante la conversación telefónica que mantiene el protagonista con su mujer. En ella nos muestran a David Mann como un hombre que no sabe enfrentarse a los problemas cara a cara, aunque el orgullo de su esposa esté en juego. Con el diálogo del matrimonio nos queda perfectamente claro las intenciones del director: el enfado de la mujer porque su marido no supo enfrentarse a un hombre que intentó violarla. Aunque en apariencia no sea más que una referencia a un hecho aislado de la pareja, en realidad es algo muy significativo dentro de la película puesto que el desarrollo de la cinta y especialmente su final tienen mucho que ver con este diálogo y cómo cambia la imagen del protagonista de un hombre de negocios corriente que tiene una reunión a un hombre inseguro que evita enfrentarse a sus motivos.

Sin duda, esta escena significa un punto de inflexión dentro de la cinta, no sólo porque David Mann cambia a ojos del espectador, sino porque en ella se basa el significado del resto del largometraje.

En cuanto a los motivos que ya introduce aquí Spielberg y que perfeccionará en posteriores trabajos se encuentra, sobre todo, el dominio en los planos: exteriores de los vehículos se alternan con planos subjetivos que consiguen transmitir al espectador la tensión que vive el protagonista, y el miedo que impregna cada una de sus decisiones. A esto ayuda significativamente el montaje, milimétricamente calculado para conseguir unas trepidantes escenas de persecución dignas de las mejores películas policíacas.

Carlos Sanz